Arte y Fotografía

La obra teatral México libre es un reflejo de las tendencias políticas mexicanas durante la primera mitad del siglo XIX. Su autor, Francisco Ortega, identificado con el independentismo, fue uno de los primeros autores del romanticismo en México y América. Los autores mexicanos de entonces mezclaron sus filiaciones literarias con sus ideas políticas hasta el punto de que la mayoría de los liberales eran románticos, mientras los conservadores eran casi siempre neoclásicos.El siglo XIX mexicano estuvo marcado por la guerra de Independencia, la invasión estadounidense, la intervención francesa, la Reforma y el porfiriato. México libre es un fiel testimonio de esa época.

Aquí se cuenta la vida de Catalina de Erauso, La monja alférez, quien tras abandonar el convento de San Sebastián, se vistió como hombre y se fue a América, donde alcanzó el grado de alférez. Catalina mató a muchos hombres en duelos y reyertas, entre ellos a un hermano suyo, y tuvo varios escarceos amorosos con otras mujeres.Fue detenida en Perú y la condenaron a muerte tras otra de sus habituales trifulcas. Entonces se supo que era virgen y el obispo de la región la perdonó. De regreso a España el rey Felipe IV la recibió, respetó su grado militar y l@ autorizó a usar nombre masculino. También el Papa le permitió vestir de hombre.Tras estas aventuras regresó a América, esta vez a México, abrió un negocio y vivió como hombre hasta su muerte.La versión original de La historia de la monja alférez, es obra de la propia Catalina y la publicó en forma de memorias. Ese libro (también publicado por Linkgua Ediciones) es la fuente, entre otros textos, de las obras teatrales sobre el tema de Juan Antonio Mateos y Juan Pérez de Montalbán.

Un tema eterno, lo real y lo imaginario... Sueños hay que verdad son pertenece a la serie de autos sacramentales inspirados en la Biblia. El argumento bíblico relata que un faraón sueña que está a la orilla del río y ve siete vacas robustas y luego otras siete vacas flacas que se comían a las primeras. El faraón despierta, vuelve a dormirse y sueña que siete espigas buenas y hermosas son devoradas por otras siete espigas flacas. El faraón llama a todos los adivinos de Egipto, pero éstos no consiguen interpretar el sueño. Entonces el jefe de los coperos le dice al Faraón que hay un joven hebreo encarcelado que les había aclarado unos sueños que él y el panadero habían tenido. El faraón llama a José. Éste dice que habrán siete años de gran abundancia en toda la tierra de Egipto y luego otros siete años de escasez. Aconseja al faraón que recoja la quinta parte de las cosechas y las guarde para comerlas en los siete años de escasez. El faraón en agradecimiento nombra a José gobernador de todas las tierras de Egipto y además su primer ministro. Se quita el anillo de su mano y lo pone en la mano de José; lo viste de blanco, le entrega un collar de oro y le da por esposa a la sacerdotisa Asenet.

La reina Blanca de Borbón era hija de Isabel de Valois y Pedro de Borbón. Se casó con Pedro I de Castilla en Valladolid el 3 de junio de 1353 para propiciar una alianza entre Castilla y Francia. Más tarde fue repudiada y encerrada tras saber Pedro I que la familia de Blanca no pagaría la dote pactada.Blanca murió en la soledad de una celda mientras el rey de Castilla tenía varias amantes.Esta pieza romántica de José de Espronceda relata las vicisitudes de Blanca de Borbón en medio de las intrigas políticas y los caprichos de los monarcas de la época.

las relaciones entre Estados Unidos y Latinoamérica. En buena parte son artículos suyo de la época del Congreso de Washington, convocado para intentar establecer una moneda única para todo el continente.Las crónicas de Martí acerca de este acontecimiento revelan las diferentes aristas de un mismo problema. Las difíciles relaciones entre una América pujante y expansiva y otra atrapada por la carencia de industria nacional no permitía un trato igualitario entre ambas. Interesa también la agudeza martiana a la hora de desentrañar los entresijos de este proyecto grandioso y frustrado.En Escenas latinoamericanas Martí cita a la prensa de su tiempo. Comenta, por ejemplo, quiénes son los propietarios de esos periódicos, qué tendencia política siguen y cómo para conseguir esa moneda única es preciso no incurrir en ingenuidades. Sabe nuestro autor que la prensa tiene también sus intereses. Percibe que, tras la madeja de opiniones circulantes sobre el Congreso de Washington hay también otros intereses.Cabe añadir que para Martí las relaciones entre las dos Américas pasaban también por un vínculo equilibrado y estrecho con Europa. En particular se refiere sistema financiero de Viejo continente, otro de los poderes que gravita sobre los países del Nuevo Mundo.

Memorias de apariencias es una antología única en su género, compilando comentarios del ilustre dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca sobre las escenografías y artilugios técnicos empleados en las representaciones de sus Autos sacramentales. Calderón, cuya vida transcurrió entre 1600 y 1681 en Madrid, nos sumerge en el apogeo del barroco a través de una detallada descripción de las maquinarias, colores, diseños y hasta las conductas esperadas de los actores en escena, mostrando una profunda apreciación por la técnica y la minuciosidad .Este compendio resalta la genialidad técnica y artística detrás de las puestas en escena de obras como «El primer refugio del hombre», «Psiquis y Cupido», y «El divino Orfeo». Es un testimonio de la complejidad de las producciones teatrales del Siglo de Oro español. Las memorias detallan desde la construcción de montañas que se abren para revelar fuentes ocultas y cruces que emergen, hasta naves negras sobre mares oscuros con monstruos marinos pintados, demostrando el ingenio y la creatividad empleados para impactar y transmitir mensajes espirituales a través del teatro.Memorias de apariencias es un testimonio de la búsqueda de Calderón por fusionar el arte con la espiritualidad, empleando el escenario como un medio para explorar temas de fe y redención. A través de su lectura, se comprende mejor cómo Calderón de la Barca logró comunicar conceptos complejos de la fe cristiana de manera visual y directa, apelando tanto a la mente como al corazón de su audiencia.Este libro es un recurso invaluable para estudiosos del teatro y la literatura barroca, y para los interesados en la historia del arte escénico y la evolución de las técnicas teatrales. Memorias de apariencias destaca por ofrecer una perspectiva única sobre la intersección entre la técnica escenográfica y la expresión artística, marcando un precedente en la literatura sobre teatro religioso y su estética.

Semejante a una obra de teatro político, Los primeros mártires de Japón incluye una extraña especulación en torno a la conversión del shogún japonés al cristianismo. Junto a la voluntad de evangelización del texto los mártires mueren en nombre de Cristo aparece un retrato de las intrigas palaciegas de la corte del shogún y se ve, como trasfondo, el estilo del colonialismo español, fundado, entre otras cosas, en la transmisión del cristianismo.

Amor es más laberinto está ambientada en el mundo clásico. Se trata de un texto erudito, reflejo de la excelente biblioteca que logró reunir su autora. Por otra parte destaca la visión del amor que ofrece sor Juana Inés de la Cruz, desprovista de tapujos y sorprendente tratándose de una mujer de vida religiosa.

La dama duende es quizá la comedia de enredo más famosa y divertida de Calderón de la Barca, aunque también tiene rasgos (como sucede con otras) de comedia de honor y de capa y espada. De ritmo trepidante y vertiginoso, la acción desarrolla una intriga compleja en la que, como novedad, existen múltiples lazos familiares entre los protagonistas.La obra muestra a don Manuel y a don Luis enfrentados por una cuestión de honor relativa a una dama. Don Manuel, que resulta herido, no sabe que don Luis es el hermano de su mejor amigo, don Juan, y que la dama en cuestión, Ángela, es su hermana. Don Luis es el hermano segundón y vive a costa del mayorazgo de don Juan. Don Manuel se disponía en el momento de ser herido a alojarse en casa de los tres hermanos. La complejidad se acentúa al cortejar don Luis a Beatriz, al igual que su hermano Juan, aunque sin éxito el primero. Juan, por su parte, no llega a enterarse de dicho cortejo, ni de las relaciones «hipotéticas» de su amigo Manuel con su hermana. Beatriz y Ángela (la dama duende) son también amigas, con lo cual Luis queda enfrentado a todos, bien por amor o bien por honor.Con este intrincado planteamiento se desarrolla una rocambolesca peripecia, a veces cómica y a veces rozando el drama, en la que la intransigencia de don Luis será el camino que lo lleve a la frustración y la desgracia.

El perro del hortelano es una comedia de enredo que gira en torno al amor, los celos y el honor. Lope de Vega presenta la lucha interior que vive la condesa Diana entre el amor que siente hacia su secretario Teodoro y los convencionalismos sociales que le impiden contraer matrimonio con él.Sin embargo, Diana tampoco consiente que Teodoro, hombre que pertenece a una clase social inferior, se case con su enamorada, la criada Marcela.Es decir: ni come, ni deja comer El perro del hortelano es una comedia fresca y divertida en la que todos los personajes defienden su felicidad superando prejuicios y presiones sociales. Una buena muestra de la mejor comedia de Lope de Vega.

En la Comedia de San Francisco de Borja, el escritor mexicano Matías de Bocanegra, relata la historia de la emperatriz Isabel de Portugal.Isabel murió en 1539. Poco después llevaron su cadáver a Granada, según deseo del emperador Carlos V.El cadáver de la bellísima emperatriz fue escoltado por nobles y militares y, al llegar a la entrada de Granada el 16 de mayo de 1539, su ataúd fue abierto para verificar su contenido.Al ver en qué estado habían quedado los restos de la hermosísima Isabel, Francisco de Borja dijo:«Ya no serviré más a señor que se pueda morir».Y entró en la Compañía de Jesús, dando pie al argumento de la Comedia de San Francisco de Borja.El Papa Clemente XI lo canonizó en 1671 como san Francisco de Borja.

Nuevo hospicio para pobres es un auto sacramental de Pedro Calderón de la Barca que se distingue dentro de este género religioso y alegórico. Originalmente representado en Perú en 1682, la obra es notable por su enfoque en personajes mundanos situados en un entorno bíblico, lo que marca un giro en los autos sacramentales de Calderón.Los autos sacramentales eran piezas religiosas de carácter alegórico que principalmente se llevaban a cabo en España y Portugal durante la festividad del Corpus Christi. Este género ocupa un lugar singular en la tradición teatral de Occidente, ya que coexistió con una narrativa escénica en ascenso que comenzaba a centrarse más en los individuos y sucesos mundanos antes de desaparecer.El acto único de Nuevo hospicio para pobres nos introduce a un Rey venerable que llama a la Sabiduría de Dios. Este acto es una muestra de la rica textura simbólica y alegórica que Calderón teje a lo largo de la obra. Aparecen personajes como la Fe con una cruz, la Esperanza con un áncora, la Caridad con un ramo de espigas, y la Misericordia con otro de oliva, todos los cuales contribuyen al mensaje alegórico de la obra.La complejidad de la obra reside en cómo Calderón de la Barca logra equilibrar los elementos religiosos con temas humanos y mundanos. Los personajes, aunque simbólicos, son presentados con una profundidad emocional que los hace accesibles y relatables al público. Esta combinación de lo divino y lo humano eleva la obra por encima de una mera pieza de propaganda religiosa para convertirla en una reflexión profunda sobre la condición humana dentro del contexto más amplio de la fe y la moral.La poesía de la obra también es un aspecto destacable. Los diálogos están llenos de simbolismos y referencias culturales que añaden una capa de complejidad al texto. Calderón de la Barca utiliza el lenguaje como un medio para explorar temas de fe, esperanza, caridad y sabiduría, lo que aporta una riqueza particular al drama.Nuevo hospicio para pobres de Calderón de la Barca es una obra que desafía las convenciones de su género al introducir personajes y temas mundanos en un contexto típicamente religioso y alegórico. Su enfoque en la humanidad de sus personajes, su rica textura simbólica y su poesía exquisita hacen de esta obra una contribución significativa tanto al género de los autos sacramentales como a la literatura dramática española en general.

En Amar por razón de Estado Tirso de Molina describe las vicisitudes de una relación sentimental asfixiada por los imperativos de la política. Una vez más asistimos al conflicto entre los intereses de Estado y los sentimientos.

Reinar después de morir, de Luis Vélez de Guevara, relata la historia de Inés de Castro. Inés era hija natural de Pedro Fernández de Castro y Aldonza Soares de Valladares; con cierto parentesco con la familia real castellana. Al morir su madre siendo niña Inés la llevaron a Valladolid, al castillo de Peñafiel. Allí creció en compañía de Constanza Manuel, la hija del infante don Juan Manuel.En 1341, Constanza se casó con Pedro I de Portugal, llamado El Justiciero, y al poco tiempo éste fue amante de Inés de Castro. La relación puso en peligro la corona de Alfonso IV pues los hijos y los hermanos de Inés tenían ambiciones de poder.Así, con la aprobación de la corte, Alfonso ordenó que ejecutasen a Inés. Tras el asesinato, Pedro lideró un levantamiento que sumió a Portugal en una larga guerra civil. Solo terminó poco antes de que consiguiese reinar, tras la muerte de Alfonso IV en el año 1357.Ya en el trono Pedro hizo público su matrimonio y ordenó que se exhumase el cadáver de Inés, en 1360. En medio de la veneración general ella, muerta, recibió también la corona.De ahí el título de esta obra:Reinar después de morir.

En La manganilla de Melilla cristianos y musulmanes «conviven» en el Norte de África. Esta obra relata un episodio sucedido en la ciudad española de Melilla en el siglo XVII. Un lider morisco convence a los suyos de que tiene poderes sobrenaturales para adormecer a los cristianos defensores del lugar. El gobernador de la plaza, Pedro Venegas, ordena abrir de las puertas de la ciudad y derrotan a los musulmanes en una audaz emboscada.

Viaje a Italia relata un viaje a través de Gran Bretaña, Bélgica, Alemania, Suiza e Italia. Leandro Fernández de Moratín se presenta como un viajero culto, conocedor de las situaciones políticas de los territorios que recorre y, además, dispuesto a entregarse a todo tipo de aventuras. Su reflexión sobre el equilibrio precario que sufría Suiza durante el siglo XVIII resulta interesante para comprender cómo se fraguó la estructura nacional y territorial de la Europa contemporánea:«Podrían en caso urgente, poner cien mil hombres en campaña; pero tendrían que dejar el arado para tomar el fusil; por consiguiente, a los tres meses de guerra ya no habría víveres; para un armamento extraordinario necesitan cargar tributos sobre el pueblo, y éste no puede contribuir a tales gastos. Toda la Suiza, en general, es muy pobre; las artes y el comercio pudieran haberla enriquecido, pero, por descuido imperdonable en los que la han gobernado hasta aquí, no se ha hecho. Ha debido su existencia por mucho tiempo a los celos recíprocos de Francia y la Casa de Austria; pero si la Francia decae, ¿quién la apoyará? En la ocasión en que yo pasé, las circunstancias eran tan críticas que cualquier partido que pudiesen tomar los suizos les debía ser necesariamente funesto [].»Cabe añadir que el viaje era entonces una práctica formativa y que la escritura de las impresiones y las culturas vividas durante el mismo empezaba a constituir un género literario.

El negro del mejor amo de Antonio Mira de Amescua es una obra dramática que se sumerge en la complejidad del tema racial en el contexto de los ejércitos de la Europa de su época. La obra toma como referencia el personaje de Otelo, el famoso moro de Venecia, de Shakespeare; pero también se relaciona con otras obras españolas que tratan figuras similares, como El santo negro Rosambuco, de Lope de Vega.La presencia de generales negros en los ejércitos de Occidente es abordada en la obra como una fuente de orgullo, pero también de conflicto. Se refleja la ambivalencia social y cultural hacia los líderes militares negros, quienes eran respetados por sus habilidades en el campo de batalla, pero también objeto de prejuicios y discriminación en una Europa que nunca ha resuelto sus problemas de racismo y xenofobia.La obra captura esta dicotomía de manera eficaz, mostrando cómo el personaje principal, como un general negro, se enfrenta tanto a la admiración como al desdén de sus contemporáneos. Es una lente a través de la cual se pueden examinar las tensiones raciales y sociales de la época, especialmente en el ámbito militar donde las habilidades y la competencia deberían, en teoría, superar cualquier prejuicio.El negro del mejor amo también abre un diálogo con el mito literario del otro racial en un contexto predominantemente blanco. La obra nos hace preguntarnos si la inclusión de personajes negros en posiciones de autoridad en estos dramas históricos refleja un intento de integración y aceptación, o si más bien subraya su alteridad y perpetúa estereotipos. Esta es una cuestión que la obra plantea pero no resuelve completamente, dejando al espectador o lector con preguntas que son tan pertinentes hoy como lo eran en la época en que se escribió.El negro del mejor amo es una obra compleja que aborda cuestiones de raza, autoridad y conflicto social en el contexto de la Europa de su tiempo. Ofrece una perspectiva única sobre cómo la raza y el poder interactuaban en un entorno donde el honor y la habilidad militar eran de suma importancia, pero también sometidos al escrutinio de prejuicios sociales arraigados. La obra sigue siendo relevante hoy en día como un estudio de cómo las cuestiones de raza pueden infiltrarse en casi todos los aspectos de la sociedad, incluso en aquellos donde deberíamos esperar que la meritocracia prevalezca.

A secreto agravio, secreta venganza, de Calderón de la Barca, pertenece al ciclo de comedias inspiradas en el tema de los celos o la venganza en nombre del honor, con la trama clásica del honor en mancillado y su restitución. Entre las que cabe citar: El médico de su honra, El pintor de su deshonra y El mayor monstruo, los celos. La acción de A secreto agravio, secreta venganza transcurre en Lisboa, donde don Lope de Almeida, un hidalgo casado por poderes con la castellana Doña Leonor de Mendoza, descubre que un antiguo amante de su esposa, que ella creía muerto en el momento de la boda, intenta ahora deshonrarlo. De manera que Don Lope mata a su enemigo y después, siempre en secreto, como indica el título de la pieza, quema a doña Leonor en su palacio.

El arte de conspirar, de Mariano José de Larra, se enmarca dentro del género de la época denominado «comedia de costumbres políticas». La obra narra el intrincado proceso de conspiraciones que la reina madre de Dinamarca, María Julia, y el conde Beltrán de Rantzau han de tramar en 1772 para expulsar del poder al malvado Estruansé, primer ministro designado sucesor de la corona por el moribundo rey Cristiano VIII.El arte de conspirar legitima la conspiración como medio para echar al hostil sucesor, colocando a Rantzau y a María Julia como los valerosos protagonistas.

En Antona García Tirso de Molina se refiere a sucesos relacionados con Enrique IV, quien ciñó la corona castellana en 1454, cuando Isabel la Católica apenas tenía tres años. En 1468, el monarca la reconoció heredera al trono en el pacto de los Toros de Guisando, privando de sus derechos sucesorios a su propia hija, la princesa Juana, llamada la Beltraneja, porque se sospechaba que era hija de Enrique Beltrán de la Cueva, duque de Alburquerque. En 1470 Enrique IV desheredó a Isabel y restituyó su condición de heredera a Juana. Esta decisión provocó una sangrienta guerra que se prolongó hasta 1479, en que se firmó el tratado de Alcazobas en el que Portugal reconoció a Isabel como reina de Castilla y se estableció la zona de expansión castellana en la costa atlántica de África. Aquí se escenifican algunos de esos acontecimientos y Antona García es un personaje popular de una dimensión épica comparable a Juana de Arco.

Peribáñez y el comendador de Ocaña es quizá la más conseguida obra de Lope de Vega. Está inspirada en canciones populares, y su tema es de sentido paralelo al de Fuenteovejuna (el honor y la reivindicación de justicia frente al poder exacerbado), pero ofrece una más sentida y sincera poesía que eleva la dignidad de las gentes sencillas. La obra comienza con la boda de Casilda y su enamorado Peribáñez. El comendador de Ocaña la conoce y queda prendado de ella, tras lo cual intenta conquistarla por todos los medios posibles, aunque ella se resiste. Se suceden diversos episodios de enredo con diferentes personajes, en los que a Casilda le incitan a tener celos de Peribáñez, el cual es enviado con engaños a una misión militar por el comendador, para así alejarlo de su amada y poder acceder a ella. Pero Casilda lo vuelve a rechazar. Al final, los que han conspirado con el comendador para lograr su objetivo mueren a manos de Peribáñez, alertado de la intriga. Los reyes, tras escuchar el sincero relato de los amantes, los perdonan.