Arte y Fotografía

Obligar contra su sangre de Antonio Mira de Amescua es una obra que ahonda en las intrigas cortesanas y las pasiones humanas en el contexto de la muerte de Raquel, la amante judía del rey Alfonso VIII de Castilla. La obra se inscribe en una tradición literaria que ya había sido explorada por Félix Lope de Vega en obras como La judía de Toledo y Las paces de los reyes.La primera escena nos introduce en un escenario de tensión y conflicto entre dos personajes, don Nuño y don Lope. Aquí, la obra presenta una especie de duelo dialéctico donde cada personaje defiende su perspectiva sobre el amor del rey hacia Raquel y las implicaciones políticas y morales que esto tiene. Es un debate que no solo concierne a los personajes sino que refleja las tensiones de toda una sociedad en torno a temas como el amor, la lealtad y la ética del poder.Don Nuño, quien se siente injustamente culpado por las acciones del rey, enfrenta acusaciones por parte de don Lope, quien lo señala como traidor. Esto culmina en un duelo físico que resulta en la muerte de don Lope. La escena es un microcosmos de los conflictos más amplios de la obra: la tensión entre la pasión y la razón, entre el deber y el deseo, y entre las expectativas sociales y las emociones personales.Este conflicto se convierte en el catalizador de una serie de eventos que probablemente desatarán aún más controversias y dilemas éticos para los personajes involucrados. La muerte de don Lope introduce un nuevo nivel de urgencia y peligro, al tiempo que subraya la inutilidad y las trágicas consecuencias de la violencia como forma de resolver disputas.Obligar contra su sangre es una obra compleja que utiliza la historia de una figura histórica, en este caso, Raquel, para explorar temas eternos y universales como el poder, la lealtad, y la ética. La obra es una exploración profunda de la psicología humana y de las tensiones inherentes al ejercicio del poder en una sociedad dividida por las creencias de sus miembros. Los personajes están trazados con profundidad y complejidad, permitiendo al público sumergirse en un mundo de intrigas cortesanas y dilemas morales que, aunque enmarcados en una época y lugar específicos, siguen siendo relevantes hoy en día.

El período constitucional del Perú propiamente dicho se inicia cuando el general San Martín proclamó la independencia del Perú, en la Plaza de Armas de Lima, el 28 de julio de 1821.El 8 de octubre de 1821, San Martín aprueba el Estatuto Provisional, que es con propiedad un estatuto de los derechos de las personas y de la estructura del poder. Quiso de esta manera plasmar un gran marco de acción del gobierno, mientras parte del territorio seguía ocupado por fuerzas españolas (en especial en la sierra) y esperar la reunión de un Congreso, que tomase las decisiones del caso.Posteriormente, tras la reunión del Soberano Congreso y mientras se hacía el debate constitucional, se aprobaron las Bases de la constitución en 1822, que en realidad no eran una constitución, sino los principios sobre los cuales se aprobaría la futura Constitución de 1823. A ésta siguió la de 1826, preparada por Bolívar, y luego las de 1828, 1834 y 1839. Con posterioridad, se sancionaron las de 1856, 1860, 1867 (de duración fugaz, pues solo se aplicó durante se meses, tras lo cual se restableció la Carta de 1860). En 1920 y 1933 se aprobaron nuevas Constituciones hasta llegar a la Constitución del Perú, vigente desde 1979.

En El Iris de Salamanca, de Cayetano Cabrera y Quintero, escenifica pasajes de la vida del sacerdote Juan Sahagún, cuya vida y muerte fue todo un ejemplo de virtud cristiana. Se trata de una comedia moralizante donde el propósito del autor es modificar las normas de conducta de una sociedad carente de decoro, proponiéndole un modelo donde prevalece la razón sobre la pasión y el sentimiento.

La pérdida de España por una mujer fue escrita por Eusebio Vela en México en 1733, y relata la leyenda de Florinda la Cava, el rey Rodrigo y la invasión musulmana de España.Don Rodrigo, el último rey godo, se niega a cumplir las promesas de matrimonio a Florinda, hija del conde don Julián, por lo cual éste, en venganza, entrega el país a los árabes.En La pérdida de España por una mujer, el honor ultrajado del conde y de su hija es el motivo que desencadena la tragedia. Aunque que Vela trata de remitirla, en último término, a la decisión divina de castigar los pecados de don Rodrigo. Al final, tras la derrota de los cristianos, Florinda anuncia su decisión de retirarse a un desierto arrepentida de haber actuado «contra el cielo, ley y patria», con lo que se pone de manifiesto que ni siquiera la venganza del honor justifica conductas como la suya.

Amor, pleito y desafío es una obra dramática que se desenvuelve en el contexto histórico del reinado de Alfonso XI. La obra examina las tensiones sociales y personales que surgen cuando dos hombres, uno rico y el otro pobre, se enfrentan en un pleito amoroso. Las diferencias entre ellos se magnifican hasta el punto de querer resolverse mediante un desafío, que es evitado finalmente por la intervención del rey.En la primera escena, se establece un diálogo lleno de tensiones entre don Álvaro y don Juan de Padilla. La conversación entre ambos personajes revela inmediatamente la complejidad de sus relaciones y la dinámica de poder que se establece entre ellos. Don Álvaro, portador de un báculo que simboliza su edad y su autoridad, se enfrenta a Padilla con una mezcla de desprecio y sospecha, a lo que Padilla responde defendiendo su honor.El tema del honor es una constante en la obra, sirviendo como un faro moral que guía las acciones de los personajes. El concepto de honor es aquí multifacético, involucra el respeto social y la integridad personal. La obra explora cómo las nociones de honor pueden ser un medio para establecer la justicia y un arma para perpetuar las desigualdades sociales.Uno de los aspectos más destacables de Amor, pleito y desafío es su habilidad para mezclar la trama amorosa con cuestiones de justicia y equidad. La obra es un estudio de las emociones humanas, y una crítica social que cuestiona las normas y convenciones de la época. La intervención del rey en el desafío plantea preguntas interesantes sobre el papel del estado en la resolución de conflictos personales y sociales.Los diálogos son agudos y el enfrentamiento entre los personajes está cargado de sentido, lo que ofrece al espectador una visión penetrante de las motivaciones y deseos que impulsan a cada uno. La dinámica entre don Álvaro y don Juan de Padilla es en particular reveladora, muestra cómo las diferencias de clase y status pueden influir en las interacciones humanas de manera significativa.Amor, pleito y desafío combina con maestría la tensión amorosa con los dilemas éticos y sociales. Sus temas: el honor, la justicia y la desigualdad social la convierte en una pieza atemporal que sigue siendo relevante hoy en día.

Contra valor no hay desdicha, de Félix Lope de Vega, narra la historia de la niñez y juventud del rey persa Ciro, a partir de la fuente del historiador griego Herodoto.La obra empieza con la amenaza de muerte de Mitrídates, a su hijo Ciro. También Astiages, rey y abuelo de Ciro, tiene a los presentimientos funestos y ordena su muerte.Sin embargo, unos pastores ocultan a Ciro. Este se cría y vive en una aldea y es formado por la mismísima naturaleza como un gobernante, guerrero y amante irreprochable.Ciro vive poseído por su amor a Filis, maldecido por sus antepasado, se ha formado por la mismísima virtud como un gobernante, guerrero y amante irreprochable.Al final de Contra valor no hay desdicha Ciro entabla una batalla con Astiages y, tras vencerlo, los perdona y se casa con su amada Filis.

La autoría de La comedia David perseguido y montes de Gelboé, publicada a nombre de Lope de Vega, se cuestionó y solo se le atribuyó, con certeza, a partir de los estudios de finales del siglo XIX y XX. Sin embargo, en los catálogos más antiguos como los de Medel, García de la Huerta y Barrera es atribuida a Lope.El argumento de David perseguido y montes de Gelboe es el mismo de la historia bíblica y se inicia con la entrada de David en Jerusalén, después de su victoria ante los filisteos. La historia de esta obra sigue con bastante fidelidad los pasajes bíblicos, especialmente desde:la llegada de David tras la muerte de Goliat,la envidia de Saúl y sus persecuciones,el conflicto con Navaly el matrimonio con Abigail.A su vez Lope de Vega introduce una visión peculiar de la Virgen María y de los ángeles para subrayar la unión entre el Mesías y David, destacando la conexión entre el Antiguo Testamento y el Nuevo, como era propio en la España tras el Concilio de Trento.

El personaje protagonista de El antecristo es una figura demoníaca con rasgos propios del antihéroe trágico griego. Ello dota a esta obra de una extraordinaria modernidad, preludio de lo que será tiempo después, la literatura romántica. El antecristo es una manifestación práctica de la nueva forma de dramaturgia que proponía Félix Lope de Vega.Desde su publicación El antecristo no ha estado exenta de polémica. En ese momento porque se equiparaba, en contenido y originalidad, con la obra de Juan Ruiz de Alarcón del mismo nombre y, en estudios posteriores, porque se debate constantemente su posible autoría y su calidad literaria.Es famoso el enfrentamiento de Lope de Vega con su enemigo Ruiz de Alarcón. Se cuenta que en 1623, el día del estreno de la obra del autor mexicano, Lope derramó en el patio de comedias una especie de aceite pestilente. Según otras versiones, lo vertió en las candilejas lo que hizo que muchos de los asistentes se desmayaran.Este acto de Lope parece que fue incitado por las similitudes que la comedia de Ruiz de Alarcón tenía con la obra de Lope, al tratar el mismo tema bíblico.

El Anzuelo de Fenisa es una destacada obra del prolífico escritor español Lope de Vega. En este relato, Lope de Vega demuestra su maestría adaptando un argumento de Bocaccio, famoso escritor italiano conocido por su colección de cuentos El Decamerón. En esta narrativa, una cortesana astuta, Fenisa, engaña a los ingenuos con su picardía, pero a su vez, es burlada por otro personaje, en un giro irónico de los eventos.Este tema de la cortesana engañadora que eventualmente es burlada, ha sido un favorito entre los escritores a lo largo de los siglos, evidenciando su perdurable atractivo. No solo Lope de Vega se inspiró en Bocaccio, sino también Vicente Espinel, un contemporáneo de Lope, abordó este tema en su obra Vida del escudero Marcos de Obregón.Lope de Vega y Espinel tomaron la misma premisa de Bocaccio y la adaptaron en sus respectivos contextos y estilos. Aunque ambas obras, El Anzuelo de Fenisa y Vida del escudero Marcos de Obregón, giran en torno a la misma idea, cada autor infunde su propia perspectiva y voz, resultando en dos narraciones distintas y enriquecedoras.En su obra, Lope de Vega une su dominio del lenguaje y su habilidad para retratar las emociones humanas, ofreciendo una adaptación fascinante y cautivadora de la trama de Bocaccio. Asimismo, Espinel, con su distintivo estilo picaresco, presenta su versión del tema con una agudeza y humor característicos.Así, El Anzuelo de Fenisa no solo es una pieza literaria intrigante en sí misma, sino también un ejemplo de cómo los temas literarios trascienden el tiempo y las fronteras, y cómo los diferentes autores pueden dar nueva vida y perspectivas a las historias que comparten.

El castigo sin venganza es una de las obras más oscuras y complejas del repertorio de Lope de Vega, escrita en la etapa madura de su vida en 1631. Aunque el dramaturgo es más conocido por sus comedias, en este caso ofrece una tragedia desgarradora que explora temas como la pasión, los celos, el adulterio y la venganza. La obra sigue la historia del Duque de Ferrara, su esposa Casandra y su hijo bastardo Federico, cuyo amor prohibido desencadena una serie de eventos trágicos que culminan en un final sangriento.La obra es excepcional por su tratamiento profundo de los personajes y las emociones humanas. Casandra y Federico son más que meros arquetipos de la tragedia; son seres humanos llenos de complejidades y contradicciones. El Duque de Ferrara, aunque un personaje con un estricto sentido del honor y la justicia, también es capaz de introspección y duda. Esta complejidad de los personajes añade una dimensión psicológica a la obra que va más allá del simple melodrama.La Jornada primera nos introduce al Duque y a dos personajes, Febo y Ricardo, que discuten sobre la poesía y su habilidad para transformar y disfrazar la realidad, un tema que resuena a lo largo de la obra. La conversación también toca el estado miserable de la poesía, un comentario meta-teatral que podría interpretarse como la opinión del propio Lope sobre el arte de su tiempo. Este diálogo inicial no solo establece el tono de la obra, sino que también sugiere que las apariencias pueden ser engañosas, un tema que se desarrolla más adelante con las acciones y consecuencias del adulterio.El castigo sin venganza es una obra que confronta al espectador con las sombras más oscuras de la naturaleza humana. No hay héroes ni villanos claros; solo personajes atrapados en una red de pasiones y obligaciones sociales que les llevan a su inevitable destino trágico. La obra, por lo tanto, funciona como una lente a través de la cual Lope de Vega examina las complejidades éticas y morales inherentes a las relaciones humanas y la justicia.El castigo sin venganza es una obra maestra de la literatura del Siglo de Oro español que utiliza la tragedia para explorar la complejidad de la condición humana. Es una pieza que desafía las convenciones del género y ofrece una visión penetrante de las profundidades psicológicas y emocionales de sus personajes, lo que la convierte en una de las obras más sobresalientes y perdurables de Lope de Vega.

El inobediente o la ciudad sin Dios es una obra dramática escrita por Félix Lope de Vega, uno de los autores más prolíficos y célebres del Siglo de Oro español. En esta pieza, Lope de Vega narra la historia del profeta bíblico Jonás, conocida por su desobediencia a los mandatos divinos y las consecuencias que esto acarrea.En la Biblia, la historia de Jonás se encuentra en el Antiguo Testamento. Dios ordena a Jonás ir a la ciudad de Nínive para advertir a sus habitantes sobre un castigo divino si no se arrepienten de sus pecados. Sin embargo, Jonás se niega y huye, pero durante su huida, una gran tormenta provoca que los marineros del barco en el que viajaba lo arrojen al mar, donde es tragado por una gran ballena o un gran pez.Dentro del vientre del pez, Jonás ora y promete obedecer a Dios si logra salvarse. Finalmente, el pez lo escupe en tierra y Jonás cumple con la misión que Dios le encomendó.En El inobediente o la ciudad sin Dios, estos eventos se dramatizan de manera emocional y poderosa, destacando el tema del arrepentimiento, la obediencia a Dios y el poder redentor de la fe. Lope de Vega, a través de su tratamiento de la historia de Jonás, invita a los espectadores a reflexionar sobre la importancia de la obediencia y el arrepentimiento en la vida cristiana.

El marido más firme es una obra dramática que Lope de Vega compuso entre los años 1617-1621 y que publicó en la Parte XX de sus comedias, en 1625.Aunque reciba expresamente la denominación de «tragedia famosa», de acuerdo con el mito tratado, quizá el término «comedia» es el que mejor la define, puesto que abundan en ella los pasajes de vena cómica y burlesca. Además, y sobre todo, esta obra tiene un desenlace feliz.El tema esencial de El marido más firme es la fidelidad conyugal de Orfeo. El punto culminante de esta obra lo marca la decisión del héroe de bajar al infierno en busca de su esposa. La valentía y, en particular, la tenacidad que muestra son comunes en todas las versiones que se han escrito sobre el mito. Sin embargo, Lope no se contenta, e introduce otros ejes temáticos que complican la intriga, algo de esperar en un maestro experto en el enredo y el desenredo de sus tramas.

El remedio en la desdicha relata la historia de la familia árabe de los Abencerrajes, muy influyente en Granada durante el siglo XV. Su rivalidad con la de los Cegríes, en constantes guerras civiles, fue decisiva en la caída del reino de Granada. Esta historia fue luego incorporada a la Diana de Montemayor en 1561.

El truhán del cielo y loco santo es una obra teatral de Félix Lope de Vega, uno de los más importantes dramaturgos del Siglo de Oro español. Como se indica, esta obra fue representada en la Montería de Sevilla en 1643.Lope de Vega es conocido por su capacidad para explorar una amplia gama de temas y emociones en sus obras, y El truhán del cielo y loco santo no es una excepción. Esta obra combina elementos de comedia y drama para proporcionar un retrato detallado y matizado de los personajes y de su interacción con los temas de la fe, la moral y la sociedad.A lo largo de su carrera, Lope de Vega contribuyó enormemente a la evolución del teatro español y su legado sigue vivo en la literatura y en el escenario. Sus obras son conocidas por su originalidad, profundidad emocional y habilidad para capturar la complejidad de la experiencia humana.

El vaso de elección de San Pablo de Félix Lope de Vega y Carpio es una representación teatral de la transformación de Saulo de Tarso en el apóstol San Pablo. Esta obra, situada en un contexto bíblico, explora no solo un cambio individual significativo sino también los dilemas éticos y espirituales que enfrentan los personajes.La obra se organiza en tres jornadas, que corresponden a los actos en el teatro clásico español. Comienza con la revelación de Cristo a Saulo en el camino a Damasco, un evento que cambia radicalmente la vida y el propósito de Saulo. A lo largo de la obra, se narran diferentes episodios que reflejan la resistencia inicial y la eventual aceptación de su llamado a ser un discípulo de Cristo.Los temas de conversión, redención y fe marcan el texto, con un énfasis particular en la transformación interna y el poder del perdón. Lope de Vega utiliza estos elementos para explorar la tensión entre la ley judía antigua y la nueva fe cristiana.Lope de Vega es conocido por su habilidad para combinar el lenguaje poético con la intensidad dramática. En El vaso de elección de San Pablo, utiliza diálogos ricos y simbolismo para profundizar en los conflictos internos y externos de los personajes.El vaso de elección de San Pablo es un estudio sobre la figura histórica y religiosa de San Pablo y una meditación sobre la naturaleza de la fe y el poder transformador del cristianismo. Esta obra sigue siendo relevante para los estudiosos del Siglo de Oro español y para aquellos interesados en las representaciones literarias de figuras bíblicas.

El verdadero amante es una obra teatral escrita por Lope de Vega, uno de los más prolíficos y destacados dramaturgos de la literatura española. Escrita alrededor de 1620, la obra es considerada una comedia y se basa en las experiencias amorosas de Lope con Elena Osorio.En esta obra, como en muchas otras de Lope de Vega, el amor y el desamor son temas recurrentes. Los personajes se enfrentan a las complejidades de las relaciones amorosas, experimentando tanto las alegrías como las tristezas que estas conllevan.La elección de Elena Osorio como personaje central no es casual. Osorio fue una actriz de teatro y la amante de Lope de Vega durante varios años. Su relación fue turbulenta y marcó profundamente la vida y la obra de Lope.La relación de Lope con Elena es retratada en varias de sus obras, siendo tal vez la más conocida La Dorotea. En El verdadero amante, Lope sigue explorando su relación con Elena, analizando las emociones y experiencias derivadas de su amor y su eventual separación. A través de estas obras, Lope de Vega ofrece un retrato detallado y conmovedor de la naturaleza del amor, la pasión y el desamor.

El villano en su rincón es una obra de teatro del dramaturgo español Félix Lope de Vega, publicada por primera vez en 1617, si bien se data su composición entre 1611 y 1616.

Historia de Tobías es una tragicomedia histórico-legendaria de Félix Lope de Vega. Se inspira en un pasaje de la Biblia, el autor la escribió probablemente alrededor de 1609 y se publicó en 1621.La persecución del pueblo judío por sus enemigos es la médula misma de la intriga, a la que deberán enfrentarse el patriarca Tobías. La persecución nace del odio de un tirano, en este caso el rey Senaquerib de Asiria, que decreta el exterminio de todos los judíos.Historia de Tobías narra los peligros y penalidades que sufre el viejo patriarca y que irá superando gracias al ejercicio de sus virtudes, y a la intervención y la protección divinas.

La bella Aurora es la primera de las doce comedias incluidas en la Parte XXI de las obras de Lope, publicada ya de manera póstuma en 1635 por la hija del dramaturgo.En La bella Aurora Lope de Vega transforma la trama del mito de Céfalo y Pocris añadiendo nuevos ingredientes. Incrementa el protagonismo de Aurora y también introduce personajes de su propia cosecha para crear una mayor densidad en el enredo amoroso.Lope añade también su particular dosis de comicidad. Lo hace a través del criado gracioso, Fabio, y los pastores, Julio y Anteo, que viven atemorizados por los faunos y las ninfas.

La buena guarda es una obra de teatro escrita por Félix Lope de Vega en 1610, que ofrece una mirada compleja y matizada sobre la religión, el amor y el deber. Originalmente inspirada en la vida de doña Clara, una abadesa que abandonó su convento para fugarse con su amante, la obra sufrió revisiones significativas por parte de Lope de Vega que cambiaron su tono y contexto.Entre esas modificaciones, Lope de Vega trasladó la acción de Ciudad-Rodrigo a un lugar sin nombre en Italia y transformó a doña Clara de una monja en una doncella en recogimiento. Estos cambios pueden interpretarse como un intento de desacralizar la obra, eliminando elementos que podrían haber sido considerados demasiado provocativos o blasfemos para la audiencia de la época.La Jornada primera nos introduce en un ambiente de piedad y expectación religiosa, aunque entremezclado con las preocupaciones amorosas y matrimoniales de los personajes. Leonarda y doña Luisa, las damas, conversan sobre llegar tarde a la misa, mientras que Don Juan y Don Luis, los galanes, discuten sobre la naturaleza del matrimonio como sacramento y cómo esto les permite mirar a las mujeres que desean como esposas.La obra plantea preguntas éticas y morales sobre la religión y el amor romántico, explorando la tensión entre los deberes espirituales y los deseos terrenales. A través de la trama y los personajes, Lope de Vega examina la complejidad de las emociones humanas y las decisiones éticas que estas pueden suscitar, ofreciendo un telón de fondo para el debate y la reflexión.Es especialmente notable la habilidad de Lope de Vega para capturar los matices de la condición humana, utilizando el diálogo y la interacción entre los personajes para ilustrar los conflictos internos y externos que enfrentan. Los personajes son multidimensionales y sus diálogos reflejan una profundidad psicológica que enriquece la obra.La buena guarda es, en resumen, una obra que invita a la reflexión sobre la complejidad de nuestras elecciones vitales, especialmente en lo que respecta a la interacción entre los imperativos religiosos y los impulsos del corazón. Es un estudio de personajes que ofrece una ventana a las preocupaciones sociales y morales de su tiempo, pero que también resuena en la actualidad debido a su tratamiento atemporal de temas universales.

La corona derribada y vara de Moisés forma es una de las obras de teatro religiosas de Lope de Vega inspiradas en la Biblia. En La corona derribada el héroe se identifica más con el prototipo del civil o militar valiente, capaz de las más extraordinarias hazañas, que con la figura del patriarca y su permanente comunicación con Dios.En La corona derribada, como en otros obras de carácter religioso, la ayuda sobrenatural está presente en toda la acción. Sin embargo, a veces el patriarca tropieza también con su cólera. Ejemplo de ello es la escena en que raptan a Eliezer, el hijo de Moisés. Luego este se le aparece a Moisés, sobre una nube, espada en mano, dispuesto a degollarlo porque no lo ha circuncidado.