Arte y Fotografía

Épafo, el hijo de Júpiter, pone en duda el origen de Faetón, que dice ser hijo de Clímene y Apolo. Enfurecido, Faetón exige a su madre la verdad, y ésta le remite al mismo Apolo para que sea Él quien le confirme que es en verdad hijo suyo. Su padre lo recibe con afecto, le confirma su origen, y le promete concederle cualquier deseo.

El galán fantasma es una obra de teatro del dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca. Pertenece al género de la comedia de capa y espada, que era muy popular en la época del Siglo de Oro español. Este tipo de comedias se caracterizan por sus enredos y equívocos, protagonizados generalmente por personajes de la nobleza menor o emergente, y se ambientan en un contexto urbano contemporáneo.En El galán fantasma, Calderón de la Barca crea un mundo lleno de engaños, persecuciones y relaciones amorosas complicadas. La trama está llena de sorpresas y giros inesperados que mantienen al espectador en constante expectación. Al igual que otras comedias de capa y espada, la obra se centra en la destreza, el honor, la lealtad y los dilemas amorosos de sus personajes.El galán, personaje principal de este tipo de comedias, es en este caso un fantasma, que complica aún más la trama y añade un elemento sobrenatural a la historia. A través de este personaje, Calderón de la Barca explora temas como la apariencia versus la realidad, la vida después de la muerte y el amor incondicional.

El indulto general es un auto sacramental escrito por Pedro Calderón de la Barca, uno de los más famosos dramaturgos del Siglo de Oro español. Esta obra, que data de 1680, es una parte integral del repertorio de autos sacramentales de Calderón.Los autos sacramentales son un tipo de obra teatral religiosa que se desarrolló en España durante la Edad Media y la Edad Moderna. Son obras alegóricas que representan algún aspecto de la doctrina sacramental de la Iglesia Católica. Por lo general, se representaban en las festividades del Corpus Christi.En El indulto general, Calderón utiliza la alegoría para explorar la naturaleza y la importancia de los sacramentos. La obra recoge y reformula elementos de autos sacramentales anteriores, uniendo las enseñanzas religiosas con la destreza poética y dramática del autor.El indulto general explora temas de redención y salvación, así como el poder de la gracia divina y los sacramentos para liberar a las personas del pecado. A través de personajes simbólicos y diálogos complejos, Calderón transmite estos temas profundamente religiosos de una manera que es accesible y emocionalmente resonante para los espectadores.

El mayor encanto, amor (también conocido como El mayor hechizo, amor) es una obra dramática de Pedro Calderón de la Barca, uno de los más reconocidos dramaturgos del Siglo de Oro español. En esta obra, Calderón de la Barca retoma y adapta la historia de Ulises (Odiseo) y la bruja Circe, un relato que se encuentra en la Odisea de Homero.En la historia original, el héroe griego Ulises llega a la isla de Circe durante sus aventuras de regreso a casa tras la guerra de Troya. Circe, una poderosa hechicera, transforma a la tripulación de Ulises en animales, pero Ulises, con la ayuda del dios Hermes, logra resistir su hechizo y finalmente persuade a Circe para que libere a sus hombres.En la obra de Calderón de la Barca, estos eventos son reelaborados en un drama que mezcla elementos de comedia y tragedia. La figura de Circe se convierte en un símbolo de la lujuria y la tentación, mientras que Ulises representa la razón y el amor verdadero, que finalmente triunfan sobre los encantos y las ilusiones creadas por Circe.A través de El mayor encanto, amor, Calderón de la Barca explora temas como la naturaleza del amor, la lucha entre la razón y la pasión, y la capacidad de resistencia del espíritu humano frente a las adversidades y tentaciones. El uso de mitos clásicos permite a Calderón de la Barca conectar con una tradición literaria muy rica y explorar temas universales a través de personajes y situaciones que eran muy conocidos por su audiencia.

En El médico de su honra, Calderón de la Barca, relata la historia de un marido celoso. Este asesina a su mujer al sospechar que le es infiel.El crimen de honor fue un asunto muy común en la época. Circulaba entre la gente la historia del marido español que en Venecia asesinó a su mujer y a su hijo para vengar una infidelidad.Era creencia colectiva justificar tales crímenes en nombre de la honra. Esa escala de valores fomentó la existencia de estas comedias del Siglo de oro.El médico de su honra trata sobre las pasiones humanas, la traición, aderezada con celos, desconfianza, amor y desdén. La obra pertenece al ciclo de comedias inspiradas en el tema de los celos o la venganza en nombre del honor:El pintor de su deshonra,A secreto agravio, secreta venganza,y El mayor monstruo, los celos.

El nuevo palacio del Retiro pertenece al ciclo de autos sacramentales escritos por Pedro Calderón de la Barca. Los autos sacramentales son obras religiosas de carácter alegórico. Se representaron sobre todo en España y Portugal durante el Corpus Christi.Este género ocupa un papel muy interesante en la tradición teatral de Occidente, pues coexistió, antes de desaparecer, con una incipiente y cada vez más popular narrativa escénica interesada en los individuos, y en los sucesos mundanos.El nuevo palacio del Retiro pone escena los conflictos en la cristiandad y el judaísmo. Con un tono austero y didáctico propio de los autos, Calderón de la Barca construye esta pieza.

En El sitio de Breda Pedro Calderón de la Barca relata un suceso histórico: En junio de 1625 la guarnición de Breda en Holanda, al mando de Justino de Nassau hermano de Mauricio, se rindió a Spínola después de nueve meses de asedio. Spínola conquistó la ciudad mediante un laberinto de trincheras y fortificaciones. A ese efecto se construyeron 96 reductos, 37 fuertes y 45 baterías llanas para aislar Breda y rendirla por hambre y a su vez proteger al ejército sitiador de un ataque externo. La victoria de El sitio de Breda también fue reflejada en el cuadro de Velásquez «La rendición de Breda» como un éxito relevante de la política de España y de Felipe IV durante el siglo XVII.

Las comedias de capa y espada de Pedro Calderón de la Barca, como Guárdate del agua mansa, tienen un fuerte parecido con las obras de Lope de Vega, pero con diferencias distintas que marcan el enfoque de Calderón. Calderón simplificó las tramas de sus comedias, infundiéndoles un vigor narrativo más robusto y eliminando las escenas públicas que tanto amaban Lope y sus contemporáneos.En el corazón de las comedias de Calderón están los temas del amor, los celos y el honor. Los personajes actúan de acuerdo con el decoro esperado de su posición social, y la acción a menudo gira en torno a malentendidos e interpretaciones erróneas. Esto es evidente en obras como:La dama duendeEl astrólogo fingidoCasa con dos puertas mala es de guardarHombre pobre, todo es trazasEl alcaide de sí mismoGuárdate del agua mansaNo hay burlas con el amorEn estas obras, Calderón manipula magistralmente las convenciones del género para explorar las complejidades de las emociones humanas y las expectativas sociales. Su capacidad para entrelazar los temas del amor, el honor y el engaño con las restricciones del decoro social resulta en narrativas que son tanto atractivas como reflexivas sobre la condición humana. La contribución de Calderón al género de comedia de capa y espada no solo consolidó su reputación como un maestro dramaturgo de la Edad de Oro española, sino que también ofreció una evolución matizada de la forma que difería de sus predecesores, demostrando su estilo narrativo único y la profundidad en el desarrollo de personajes.

La fiera, el rayo y la piedra es una obra de teatro escrita por el aclamado dramaturgo del Siglo de Oro español, Pedro Calderón de la Barca. Esta pieza teatral es un excelente ejemplo de una comedia mitológica, un subgénero popular en el teatro del Siglo de Oro, que se caracteriza por incorporar personajes y temáticas extraídos de los mitos y leyendas de la antigüedad clásica.La trama de La fiera, el rayo y la piedra gira en torno a las maquinaciones de varios dioses del panteón clásico, incluyendo a Venus, la diosa del amor; Cupido, el dios del deseo; y Atropos, una de las Moiras responsables del destino humano en la mitología griega.La obra se distingue por su tratamiento de estos personajes mitológicos, que son utilizados por Calderón de la Barca para explorar una serie de temas y dilemas humanos. Los dioses son retratados no como figuras distantes e inalcanzables, sino como entidades con sus propias ambiciones, debilidades y conflictos. Esto permite a Calderón de la Barca examinar aspectos como la pasión, el destino y la moralidad desde una perspectiva única.A través de esta mezcla de comedia, mitología y filosofía, La fiera, el rayo y la piedra se convierte en una fascinante exploración de los misterios del comportamiento humano, presentada a través de las interacciones y conflictos de los dioses del Olimpo. En última instancia, la obra nos muestra que, aunque los dioses pueden ser inmortales y todo poderosos, no están exentos de las pasiones y dilemas que afectan a los mortales.

La gran comedia fortunas de Andrómeda y Perseo es una obra del poeta y dramaturgo Pedro Calderón de la Barca. Se estrenó el 18 de mayo de 1653 en el Coliseo del Buen Retiro de Madrid.Calderón de la Barca se sirve de los mitos para crear su propuesta dramática. Concilia el mito y el cristianismo en el drama, sirviéndose de la alegoría como género. Así en Andrómeda y Perseo hace visibles conceptos abstractos de la teología católica: la fe, la culpa, el albedrío, la gracia, etc.Perseo, en este auto mitológico es Cristo; Andrómeda, la naturaleza; Medusa, la culpa, etc. Así lo declara Calderón en la Loa.

La hija del aire es un drama histórico escrito por Pedro Calderón de la Barca en 1653, que toma como base la historia mitológica de Semíramis, la legendaria reina de Asiria y fundadora de Babilonia. La obra se centra en la figura de esta mujer fuerte y seductora, marcada por una vida de violencia desde su nacimiento.La obra se divide en dos partes, cada una estrenada en días distintos de noviembre de 1653, y se presenta en un entorno palaciego ante el rey Felipe IV. En la primera parte, la trama gira en torno a la acusación de usurpación que hace el rey de Lidia, Lidoro, contra Semíramis. Este señala que el poder legítimo corresponde a Ninias, el hijo de Semíramis. Lo que sigue es una guerra y una serie de intrigas políticas que reflejan las tensiones entre diferentes modelos de gobierno, desde la tiranía personalista hasta el populismo.El personaje de Semíramis es especialmente interesante, ya que su gobierno está impulsado por una pasión desmesurada por el poder y por un ejercicio tiránico del mismo. En contraposición, Ninias, su hijo, representa un modelo de gobierno imprudente y negligente, lo que lleva al país a la inestabilidad política y social.Calderón de la Barca utiliza la obra para reflexionar sobre los peligros inherentes a los excesos en el gobierno, especialmente cuando los intereses personales prevalecen sobre el bienestar colectivo. A través de los personajes y sus acciones, la obra examina las complejidades y las implicaciones éticas de diferentes modelos de liderazgo y gobierno, convirtiéndose en una crítica profunda a los vicios del poder.La escena de la primera jornada nos introduce en un ambiente de expectación y conflicto. Entre salvas y músicas, se presenta un contraste que refleja las tensiones políticas y emocionales de la obra. El personaje de Tiresias, un sacerdote vestido de pieles largas, añade un elemento de misterio y augurio a la trama. Su confusión y miedo ante los diferentes sonidos de guerra y amor sirven como presagio de los eventos complejos y tumultuosos que se desarrollarán más adelante.La hija del aire es una obra compleja y multifacética que sobre el poder, la legitimidad y gobernanza a través de personajes intensamente humanos. Con su riqueza de trama y profundidad de personajes, Calderón de la Barca logra ofrecer una visión penetrante de las dinámicas del poder y la ambición humana. Su interés en los dilemas morales y éticos del buen gobier hace de esta obra un texto atemporal que resuena en cualquier contexto histórico o político.

La inmunidad del sagrado es un auto sacramental de Pedro Calderón de la Barca que aborda un tema muy particular: el Derecho de asilo eclesiástico o inmunidad del sagrado. Este concepto refiere a la autoridad de los lugares eclesiásticos para ofrecer asilo, invalidando la jurisdicción de las autoridades seculares dentro de los recintos religiosos.La obra comienza con una escena intensa en la que un hombre huye desesperadamente de la justicia divina. Este personaje hace un soliloquio sobre la imposibilidad de escapar del ojo omnipresente de Dios, quien se encuentra tanto en los cielos como en las profundidades del mar o en las montañas. El hombre entiende que no hay lugar donde pueda esconderse de la divinidad, ya que incluso para Dios, aun las sombras son luces.Calderón de la Barca utiliza un lenguaje poético y filosófico para explorar la complejidad del concepto de asilo eclesiástico. Pero más allá del tema legal, la obra se convierte en una meditación más profunda sobre la omnipresencia de Dios y la futilidad de intentar escapar de su justicia. A través del personaje del hombre, el dramaturgo nos muestra un ser humano en crisis, atormentado por la culpa y el temor al juicio divino, pero que también busca refugio y misericordia.La obra destaca por su capacidad para tratar temas legales y teológicos dentro de una estructura dramática. Calderón consigue un equilibrio entre el discurso teológico y la tensión dramática, utilizando el temor y la desesperación del personaje para ilustrar la gravedad del tema que aborda.La omnipresencia de Dios se convierte en un personaje invisible pero palpable en la obra, y el hombre, en su intento de huida, representa a cada ser humano que ha intentado evadir la autoridad divina. Ello convierte a La inmunidad del sagrado en una obra universal, que trasciende su contexto histórico y religioso para hablar de temas eternos como la justicia, el miedo y la búsqueda de refugio espiritual.La inmunidad del sagrado es una obra fascinante que aborda con maestría un tema complejo, combinando elementos teológicos y legales con una fuerte carga dramática. A través de su lenguaje poético y sus personajes intensamente humanos, Calderón de la Barca nos ofrece una meditación profunda sobre la relación entre lo divino y lo humano, entre la ley y la misericordia. Es una obra que desafía y enriquece, demostrando una vez más la habilidad de Calderón de la Barca para explorar las profundidades de la condición humana.

La nave del mercader es un auto sacramental escrito por el célebre dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca. Esta obra teatral aborda la compleja relación entre la moral religiosa y la vida humana, una figura que la Iglesia comenzó a aceptar durante la Edad Media. Calderón explora esta relación a través de alegorías y símbolos, como se muestra en varios de sus autos sacramentales, incluyendo La viña del Señor y El valle de la Zarzuela.Este auto sacramental comienza con el sonido de un clarín en una nave negra, que está dirigida por el personaje de la Culpa. Este personaje es una representación alegórica que emprende un viaje guiado por las dualidades de los elementos, como el agua y el aire. La Culpa es acompañada por marineros y tiene la misión de desembarcar en tierra para desafiar al Hombre. La obra juega con símbolos y metáforas como la nave y el mar, que representan la vida y las tribulaciones humanas, respectivamente.Aquí se abordan temas morales como el pecado y la redención. La nave del mercader funciona como una alegoría de los desafíos éticos y morales que enfrentan los individuos en su vida diaria. También se explora el concepto de la Culpa como una fuerza motriz que afecta tanto a la moral individual como a la estructura social.Calderón de la Barca utiliza un lenguaje poético y una estructura dramática concentrada en un solo acto para profundizar en temas complejos. Los personajes y los elementos alegóricos se utilizan de manera efectiva para crear una obra teatral que es tanto una pieza de arte como una reflexión sobre cuestiones éticas y sociales.La nave del mercader es una obra rica en simbolismo y alegorías que ofrece una visión intrigante de la moral y la ética. A través de su único acto, Calderón de la Barca nos invita a reflexionar sobre la naturaleza dual de la humanidad y los dilemas morales que enfrentamos en nuestras vidas. Es una obra que cautiva por su belleza literaria y su profundidad temática.

La piel de Gedeón es un auto sacramental de Pedro Calderón de la Barca.La piel de Gedeón es una obra teatral de tema bíblico. Hace referencia a suceso concreto de la escrituras, en este caso la acción del drama gira en torno al personaje de Gedeón. Se trata de un guerrero poderoso destructor, que fue un juez y guerrero del Antiguo Israel.

La primer flor del Carmelo es un auto sacramental, un género teatral religioso muy popular durante el Siglo de Oro en España, escrito por el famoso dramaturgo Pedro Calderón de la Barca. La obra se centra en una interpretación alegórica de la historia de Abigaíl, una figura bíblica que aparece en el Antiguo Testamento, más precisamente en el primer libro de Samuel, capítulo 25.En la Biblia, Abigaíl es una mujer sabia y hermosa casada con un rico pero desagradable hombre llamado Nabal. Cuando Nabal rechaza brindar hospitalidad a David y sus hombres, Abigaíl intercede para evitar un conflicto violento, llevándoles alimentos y pidiendo perdón en nombre de su esposo. Tras la muerte de Nabal, Abigaíl se convierte en la esposa de David.En La primer flor del Carmelo, Calderón de la Barca utiliza la historia de Abigaíl como una alegoría de la intercesión de la Virgen María, reflejando la interpretación teológica de la época que consideraba a María como intercesora entre la humanidad y Dios. Este auto sacramental, que presenta elementos de drama y misticismo, utiliza el recurso literario de la alegoría para presentar la narrativa bíblica de una manera que enfatiza sus significados espirituales y teológicos más profundos.Los autos sacramentales, como La primer flor del Carmelo, eran representaciones teatrales que formaban parte de las celebraciones del Corpus Christi y que buscaban enseñar y reforzar las verdades de la fe católica. A través de la creatividad y la habilidad dramática de Calderón de la Barca, esta obra particular logra presentar la historia de Abigaíl de una manera nueva y significativa, enriqueciendo la comprensión del público sobre los temas de la intercesión y la gracia divina.

La segunda esposa es un auto sacramental escrito por Pedro Calderón de la Barca, uno de los grandes dramaturgos del Siglo de Oro español. Esta pieza teatral se sitúa en la categoría de auto sacramental de circunstancia, una forma particular del género que combina elementos religiosos con alusiones a eventos contemporáneos.En el caso de La segunda esposa, el evento histórico aludido es la segunda boda del rey Felipe IV de España con su sobrina, Mariana de Austria, que tuvo lugar en 1649. Esta unión se produjo tras la muerte de la primera esposa del monarca, Isabel de Borbón, y tuvo importantes implicaciones políticas, ya que buscaba reforzar los lazos entre las casas reales de Habsburgo en España y Austria.En la obra, Calderón de la Barca utiliza este acontecimiento histórico como punto de partida para reflexionar sobre temas más amplios, como el amor, el matrimonio y las obligaciones morales y espirituales de los reyes. Aunque La segunda esposa es una obra eminentemente religiosa, su referencia a la boda real permite a Calderón de la Barca conectar los temas espirituales con las realidades temporales y políticas de su tiempo.En este sentido, La segunda esposa es un ejemplo de cómo Calderón de la Barca, al igual que otros dramaturgos de su época, utilizaba el teatro para comentar y reflexionar sobre los eventos y dilemas de su tiempo, utilizando el marco religioso del auto sacramental para explorar cuestiones de importancia tanto terrenal como celestial.

Basilio, erudito y ecuánime rey de Polonia, ve morir a su esposa al dar a luz a su hijo Segismundo, que parece llegar al mundo «dando de su condición indicios». Convencido de que su heredero está maldito, y de que su desdichado nacimiento es un signo de que en el futuro será un monarca despiadado, decide explicar que el hijo murió junto con la madre y aislar completamente a Segismundo encerrándolo en una torre. Pero al cabo de los años, el rey duda de los signos y, para comprobar si su hijo es digno de la libertad o confirma los peores augurios, urde una trama: liberar a Segismundo y otorgarle el trono, pero embriagarlo para que el joven no sepa si está soñando o despierto. Así, en caso de que deba volver al cautiverio, tan solo lamentará que su sueño no fuera más que eso¦ Segismundo despierta de pronto en un mundo que ni siquiera sabía que existiera y descubre una identidad que ignoraba. Sumido en el aturdimiento y la inquietud, sospecha de todo lo que ve. A partir de esta intrincada anécdota, Calderón ofrece una de las reflexiones más universales sobre la naturaleza de lo real y lo ficticio. Y es que, a pesar de la singular historia del personaje, la confusión y la incertidumbre de Segismundo recuerdan a las de cualquier hombre.

Las armas de la hermosura critica el concepto masculino del honor. En esta obra Calderón parece equiparar a hombres y mujeres en su capacidad para la violencia.

Las cadenas del demonio de Pedro Calderón de la Barca nos narra la historia de Irene, hija del rey de Armenia, Polemón. Irene vive desterrada por mandato de su padre. Este trata de evitar así el cumplimiento de los vaticinios que auguraban desgracias al reino tras su nacimiento.La única presencia humana que conoce es la de sus servidoras Silvia y Flora, a través de las cuales tiene noticias del mundo exterior.Su ánimo se desploma cuando le informan de que su padre ha decidido que le suceda en el trono uno de sus sobrinos, a los que ha llamado a su presencia. Éstos son Ceusis, ambicioso, soberbio y cruel, y Licanoro, de carácter débil y humilde.Desesperada, Irene ofrece su alma al demonio a cambio de conseguir la libertad y su regreso al reino que le corresponde. El pacto queda sellado y el demonio consigue deslumbrar a la joven haciendo alarde de sus poderes mágicos.La aparición de la figura de San Bartolomé va a cambiar el rumbo de los acontecimientos. Finalmente, el santo libera a Irene de los tormentos que la afligen, devolviendo a Irene la libertad de su alma, tras expulsar al demonio con la ayuda de la gracia divina.

Las manos blancas no ofenden es una farsa de amores cortesanos de Pedro Calderón de la Barca.Esta obra juega con los límites del disfraz y del enredo amoroso en un contexto palatino. La protagonista Lisarda se transforma en Don César y César en Celia. Ambos persiguen a sus respectivos amados en la corte de Ursina. La obra se cierra cuando el protagonista renuncia a batirse en duelo con su agresor para lavar el honor, justifica el título que las manos blancas, de la mujer, no ofenden.Esta obra fue una de las más célebres del autor. Se sabe que tuvo un gran número de representaciones, también numerosas ediciones durante los siglos XVII y XVIII. La primera de ellas es según Hartzenbuch de alrededor de 1640.

Las tres justicias en una de Calderón de la Barca es una obra teatral que se adentra en las profundidades de la moralidad humana y la complejidad de la justicia. La obra se distingue por su visión trágica de la vida, en la que los pecados cometidos se convierten en una carga irremediable tanto para los pecadores como para quienes les rodean.Desde el inicio, con el arcabuzazo y la aparición de don Mendo y doña Violante huyendo de unos bandoleros, la obra se sumerge en una tensión palpable que no disminuye. Mendo, un hombre valeroso, y Violante, una dama de rara hermosura, se ven acosados por unos bandoleros liderados por Vicente y Lope hijo.La obra aborda temas como el honor, la valentía y el sacrificio, encarnados en Mendo, quien está dispuesto a dar su vida por proteger a Violante. La justicia, por otro lado, se presenta de manera compleja y matizada, y se convierte en el vehículo a través del cual se exploran las consecuencias del pecado y la moralidad.El lenguaje es poético y la intensidad emocional se manifiesta a través de diálogos impactantes. Cada personaje tiene su propia voz, pero es a través de sus interacciones que la obra adquiere su complejidad moral. El dilema de Mendo, que prefiere morir antes que ver ofendida a Violante, y la intervención de Lope hijo, quien se siente movido a la compasión, ofrecen un rico tejido de conflictos éticos y emocionales.Calderón de la Barca utiliza la obra para ilustrar una imagen moral y cristiana que también aparece en otras de sus obras. Esta lente teológica da un tono más oscuro y grave a la obra, colocándola firmemente en el ámbito de la tragedia.Las tres justicias en una es una obra compleja que indaga en la moralidad, la justicia y el destino humano. A través de personajes bien dibujados y diálogos llenos de significado, Calderón de la Barca nos ofrece una historia que entretiene y nos obliga a reflexionar sobre las complejidades del bien y del mal, del pecado y la redención. Es una obra que, como muchas de las grandes tragedias, nos plantea preguntas más que respuestas, dejando al espectador o al lector con una sensación de introspección y reflexión.