Arte y Fotografía

No más mostrador es una comedia escrita por Mariano José de Larra, un famoso escritor y periodista del romanticismo español. Esta obra fue estrenada en el año 1831.La trama se inspira en Les adieux au comptoir, una obra del género vodevil escrita por el dramaturgo francés Eugène Scribe. El vodevil es un género de comedia ligera, a menudo con elementos de música, baile y canciones, muy popular en Francia durante el siglo XIX.En No más mostrador, Larra adopta los convencionalismos del vodevil para satirizar aspectos de la sociedad de su tiempo. Como es típico en su obra, Larra combina el humor con una aguda crítica social y política. Su talento para el análisis social y su ingenio se manifiestan en esta obra, que refleja las tensiones y contradicciones de la sociedad española de su época.

Partir a tiempo es una comedia en un solo acto de Mariano José de Larra. Se trata de una adaptación de una pieza teatral de Eugène Scribe.La obra mantiene el asunto argumental, parlamentos de la obra original, etc.Sin embargo, hay cambios: los nombres de los personajes son típicos españoles, se mencionan lugares geográficos y expresiones, próximos y comprensibles a lectores españoles. Así al principio de la obra Don Cosme planea enviar a su sobrina a La Habana.

Mariano José de Larra es ampliamente conocido como periodista y escritor, pero su labor como traductor también merece atención, especialmente su colaboración con Juan Grimaldi en la traducción y adaptación de obras teatrales. Roberto Dillón o el católico de Irlanda de Victor Ducange es una de tales piezas, y se destaca por su capacidad para capturar el espíritu y la tensión del original mientras lo adapta al contexto cultural de la España del siglo XIX.La obra se sitúa en Dublín, Irlanda, a finales del siglo XVI, bajo el reinado de Isabel I de Inglaterra. El escenario es notablemente descriptivo, representando el jardín de la casa de Roberto Dillón con detalles como un parapeto, una verja y varios caminos que llevan hasta una muralla. Este escenario se convierte en un microcosmos de la Irlanda de la época, encapsulando las tensiones religiosas y políticas en el ambiente doméstico.El hecho de que la obra tenga lugar en la casa de Dillón durante los dos primeros actos, y luego en una sala de las casas consistoriales en el tercero, nos habla de la dualidad entre la vida privada y la pública, un tema recurrente en muchas obras dramáticas. Larra, en su traducción, consigue mantener esta dualidad, ofreciendo al público español una ventana a los conflictos y dilemas morales que enfrentaban las personas de la época.La elección de Larra para traducir una obra que se desarrolla en un contexto tan políticamente cargado como la Irlanda bajo el dominio inglés también nos habla de su propio interés en los asuntos políticos y sociales de su tiempo. La obra, originalmente un melodrama en tres actos, se beneficia de la aguda percepción de Larra sobre las complejidades humanas y los sistemas de poder, permitiendo que la adaptación se sienta tan relevante para el público español como lo fue para el público francés.Roberto Dillón o el católico de Irlanda, en su versión adaptada por Mariano José de Larra, es una obra que trasciende su contexto original para hablar sobre temas universales como el conflicto religioso, la opresión política y la lucha por la identidad. La habilidad de Larra para capturar estos temas en su traducción demuestra su destreza literaria, y su profundo entendimiento de las dinámicas humanas y políticas que continúan siendo relevantes hoy en día.

Un desafío de Mariano José de Larra es un drama en tres actos que explora la tensión política y emocional en el palacio de Windsor en Londres. El texto se encuentra adaptado al teatro español y ofrece una visión profunda de los entresijos de la política y los vínculos afectivos en un contexto real.El primer acto abre el escenario en una sala de Windsor con puertas que conducen a las cámaras del rey y la reina, donde el personaje Sidney y Williams discuten la reciente falta de atención del rey hacia el duque de Buckingham. Esta indiferencia pone en el aire la posibilidad de una caída política, y la intriga se amplifica cuando se menciona la implicación de la reina y otros personajes notables como Lady Isabel Howard.El juego del poder y la influencia corre paralelo a un drama personal que involucra a Sidney, quien descubre que Isabel Howard, una mujer que ha estado cautelosa en su afecto hacia él durante un año, repentinamente podría tener algo importante que compartir. Sidney se encuentra emocionalmente dividido, preguntándose si esta nueva conducta justifica su esperanza por un amor correspondido.Larra utiliza con habilidad el diálogo y las acciones de los personajes para pintar un cuadro de la época, donde los individuos deben navegar cuidadosamente a través de aguas políticas y emocionales turbulentas. La obra se destaca por su interacción de tensiones, tanto en el ámbito político como en el personal, ofreciendo una mirada introspectiva al impacto del poder y el amor en las decisiones humanas.La riqueza de los personajes y la complejidad de la trama hacen que Un desafío sea una obra intrigante que aborda temas eternos. Los dilemas políticos y sentimentales que enfrentan los personajes se entretejen de manera magistral, manteniendo al espectador en vilo desde la primera hasta la última escena.Un desafío es una exploración matizada de las complejidades humanas, establecidas en un escenario político delicado. Es una obra esencial para aquellos interesados en el teatro histórico y en las luchas intemporales que enfrenta la humanidad en contextos de poder.

Los escritos iniciales de Miguel de Cervantes Saavedra datan de los tiempos de su reclusión en Argel. A su regreso a España, entre 1582 y 1587, escribió sus primeras obras teatrales. Solo se conservan dos obras de esa etapa: El cerco de Numancia y El trato de Argel.El trato de Argel pertenece al periodo clasicista de su teatro y contiene escenas autobiográficas de su vida en Argel. En el presente volumen seguimos la división en cuatro jornadas de la edición de Florencio Sevilla Arroyo.Cabe agregar que El trato de Argel es un relato psicológico en que Aurelio y Silvia luchan por la pureza de sus almas y sus cuerpos. Lo hacen en medio de las crueldades a que son sometidos en Argelia.Esta obra es una profunda reflexión sobrela libertad,la venganzay el suicidio.Aurelio y Silvia ven de cerca las de existencias de ladrones, cristianos conversos al Islam y contrabandistas sin ética alguna. Al final de la historia, Aurelio y Silvia sufren el olvido y la indiferencia de sus compatriotas. Con este final Cervantes reclama al rey Felipe II que tome medidas para erradicar una práctica usual en su época que el propio autor vivió en carne propia.Tras concebir estas obras, en la tradición clásica y el teatro humanista, durante cierto tiempo Cervantes dejó de escribir para la escena. En los últimos años de su vida publicó Ocho comedias y ocho entremeses nuevos, nunca representados (1615).Varias de esas comedias muestran también su imagen del mundo islámico y su mísera vida en Argelia y la prisión que allí sufrió durante cinco años. Durante ese tiempo intentó escapar varias veces y tras cada intento fracasado sufrió duros castigos. Las obras que destilan ese dolor son:El trato de Argel,El gallardo español,Los baños de Argel,y La gran sultana doña Catalina de Oviedo.Cabe añadir que El trato de Argel fue imitada por Lope de Vega en Los cautivos de Argel.

El gallardo español pertenece a las llamadas «comedias de cautivos», escritas en la última etapa de la vida de Miguel de Cervantes Saavedra. Es también en otra medida una comedia de enredos sentimentales. En ella aparecen personajes trasvestidos y espías.La historia se inspira en un episodio de la vida del propio Cervantes. Pues este aceptó la misión de viajar a Orán en 1581, en misión de espionaje. Ello resulta peculiar si se tiene en cuenta que apenas un año antes, Cervantes había recuperado su libertad, tras permanecer cinco años apresado en Argel.El gallardo español relata las proezas de un soldado español llamado don Fernando de Saavedra, que abandona a los suyos y combate junto a los moros bajo una identidad falsa. Pese a las peticiones de su amada, Fernando permanece en el ejército enemigo y llega hasta la puertas de la ciudad Orán para asediarla.Cervantes participó en varias expediciones militares, de regreso a España lo apresaron unos piratas berberiscos. Durante cinco años sufrió un duro cautiverio en Argel. Arriesgó su vida en varios intentos de evasión hasta que lo rescataron unos frailes trinitarios cuando era conducido a Constantinopla. Tenía por entonces treinta y tres años.Varias de sus comedias de cautivos muestran su imagen del mundo islámico y su vida en Argelia:El gallardo español,Los baños de Argel,La gran sultana doña Catalina de Oviedo,también trata este tema El amante liberal, que narra una historia sentimental entre cristianos cautivos en Nicosia.

El laberinto de amor es una comedia de rasgos caballerescos carolingios, ambientada en la Italia de la época. El tema caballeresco, a la manera italiana, muy apto para la intriga y el enredo, ya lo encontramos en varias obras de Miguel de Cervantes Saavedra.La comedia relata las pasiones amorosas y sus consecuencias trágicas o cómicas. Se centra en la historia de una inocente que es calumniada y después defendida por un paladín desconocido.Esta trama era habitual en la literatura medieval. Miguel de Cervantes condena los matrimonios de conveniencia, impuestos por los padres y enfrentados al amor verdadero. Asimismo introduce nuevos elementos de intriga en la trama para sorprender a los espectadores en las escenas finales.El laberinto de amor es una obra compleja, que requiere atención por parte del lector-espectador. Suele recordarse como anécdota significativa que cuando el crítico Adolf Friedrich von Schack habló de su argumento, confundió unos personajes con otros. Asimismo, los críticos Rudolph Schevill y Adolfo Bonilla comentaron con ironía en el prólogo de su edición:«Recomendamos al lector el examen de la comedia para desenredar el argumento, si puede».Tradicionalmente se ha venido hablando de dos etapas en la creación dramática de Cervantes.La primera (1581-1587) precede al éxito del Quijote, de la que solo conservamos El trato de Argel y La Numancia (ambas obras publicadas en Linkgua ediciones).Y, una segunda etapa fechada en 1615, año en que da a la imprenta sus Ocho comedias y ocho entremeses nuevos.

El rufián dichoso es un drama en tres actos y en verso de Miguel de Cervantes Saavedra, se public en 1615 en

La casa de los celos de Miguel de Cervantes es una comedia caballeresca que entrelaza lo grotesco, lo maravilloso y lo dramático en un tapiz de circunstancias y confrontaciones. La obra se estructura en tres actos y combina el motivo carolingio con la leyenda de Bernardo del Carpio. Sin embargo, a diferencia de su contemporáneo Ariosto, Cervantes no utiliza la ironía ni el rigor para tratar estos temas; en su lugar, opta por una exposición más directa y menos crítica.En la primera escena la tensión entre Reinaldos y Malgesí captura la esencia de la obra: un drama humano que se desarrolla en un mundo lleno de imaginación y fantasía. Reinaldos, un personaje que representa la frustración y la ira, siente que su honor ha sido mancillado. Este sentimiento de deshonor lo lleva a un estado de furia incontrolable, lo que podría interpretarse como una crítica de Cervantes hacia los extremos de la caballerosidad y el honor, que pueden llevar a acciones impulsivas y peligrosas.El diálogo entre los personajes revela la complejidad emocional que enfrentan. Mientras que Reinaldos está lleno de rabia y resentimiento, Malgesí actúa como una especie de voz de la razón, aunque también se muestra confundido por la intensidad de las emociones de su compañero. Esta dualidad refuerza la tensión narrativa y añade una capa de profundidad a los personajes.El hecho de que La casa de los celos incorpore elementos como combates, encantamientos y cuchilladas le da un toque de teatralidad exagerada. Estos elementos, sin embargo, no son presentados con la misma ironía con la que podrían ser tratados en otras obras de la época, lo que otorga a La casa de los celos un carácter distintivo.

Pedro de Urdemalas es una obra teatral escrita por Miguel de Cervantes Saavedra, el mismo autor que nos regaló la inmortal historia de Don Quijote de la Mancha. La obra se centra en el personaje de Pedro, un pícaro que se encuentra inmerso en un ambiente gitano y que se enamora de una gitana llamada Belica. La obra es un retrato rico y complejo de la vida y las tradiciones gitanas, al mismo tiempo que ofrece una profunda exploración psicológica del personaje principal.Pedro de Urdemalas es un pícaro, un aventurero cínico pero con ciertas notas de nobleza en su carácter. Se enamora de Belica, una gitana, y el drama se despliega en un ambiente repleto de tradiciones populares, supersticiones y la cultura gitana. La obra también incluye a Clemente, un pastor que busca el consejo de Pedro para sus propios asuntos amorosos.La obra se sumerge en la cultura gitana, mostrando sus bailes, cantos y supersticiones, lo cual resulta en un riquísimo tapiz cultural. Además, aborda temas universales como el amor, la complejidad humana y la moralidad. Pedro es un personaje complejo que refleja las dualidades de la vida: es tanto pícaro como noble, tanto cínico como apasionado.Cervantes utiliza un lenguaje que es a la vez coloquial y poético, lo que permite una inmersión completa en la época y el ambiente que retrata. La estructura de la obra, dividida en jornadas o actos, permite el desarrollo gradual de los personajes y la trama, lo que añade una dimensión de realismo y profundidad a la historia.Pedro de Urdemalas es una obra que destaca por su habilidad para mezclar lo cómico con lo trágico, lo mundano con lo sublime. Aunque no es tan conocida como Don Quijote, esta obra contribuye al legado de Cervantes como uno de los grandes maestros de la literatura universal. Además, ofrece un vistazo a las actitudes y percepciones de la época hacia la comunidad gitana, lo que la convierte en un texto de interés tanto literario como histórico.Pedro de Urdemalas es una obra fascinante que combina elementos de la comedia, el drama y la picaresca para crear un retrato complejo y matizado de su protagonista y del mundo en que vive. Con su rica textura cultural y su profunda humanidad, esta obra es una adición valiosa al canon de la literatura española y ofrece una visión única de la cultura gitana y de los dilemas morales y emocionales de la vida.

No hay burlas con el amor es una comedia teatral de Pedro Calderón de la Barca, uno de los dramaturgos más destacados del Siglo de Oro español. La obra se estrenó en 1637.La trama gira en torno a las complicadas relaciones amorosas entre los personajes. Don Alonso de Luna y Don Juan de Mendoza son dos galanes enamorados de las hermanas Doña Beatriz y Doña Leonor, respectivamente. Por otro lado, el gracioso Moscatel añade un toque humorístico a la historia, interviniendo en los enredos amorosos.El conflicto principal surge cuando Don Pedro Enríquez, el padre de las dos damas, se opone a los pretendientes y quiere casar a sus hijas con otros hombres por razones de estatus social y conveniencia. Sin embargo, las hermanas están verdaderamente enamoradas de Don Alonso y Don Juan y están decididas a seguir sus corazones.En medio de la trama, aparecen otros personajes como Don Luis y Don Diego, que también tienen intereses amorosos y complican aún más la situación.A lo largo de la obra, se desarrollan diversos malentendidos, engaños y situaciones cómicas que hacen que los personajes se equivoquen en sus amores y se enreden en una red de intrigas.Finalmente, tras superar diversos obstáculos y confusiones, las parejas de enamorados logran deshacer los malentendidos y encontrar la felicidad, mientras que el padre comprende la sinceridad de los sentimientos de sus hijas y acepta las decisiones que ellas toman en el amor.No hay burlas con el amor es una comedia llena de humor, enredos y reflexiones sobre el amor verdadero, la libertad de elección y las convenciones sociales de la época. La habilidad de Calderón de la Barca para tejer estos elementos en una trama entretenida y significativa muestra su maestría como dramaturgo del Siglo de Oro español.

La obra Amado y Aborrecido es una comedia del Siglo de Oro español, escrita por el célebre dramaturgo Pedro Calderón de la Barca y publicada en 1657. Este texto, aunque quizás menos conocido que otras obras del autor como La vida es sueño o El alcalde de Zalamea, destaca por su complejo tratamiento de temas universales como el deber, el placer y la rivalidad divina, simbolizada por las diosas Venus y Diana.La trama nos introduce a un escenario lleno de tensión y pasiones, donde los personajes Dante y Aurelio se encuentran en una lucha por el amor de la misma mujer, Irene. Esta pugna se manifiesta en un duelo que trasciende la mera rivalidad humana para adentrarse en la esfera de lo divino y lo eterno. Los diálogos son un claro reflejo de la maestría de Calderón en la construcción de personajes y en el manejo de la lengua española, con un ritmo y una musicalidad que capturan al lector o espectador desde el principio.La obra nos sitúa en un dilema moral y emocional: ¿es posible conciliar el deber y el deseo? Los personajes se encuentran atrapados entre estas dos fuerzas, y su lucha simboliza la constante batalla entre las emociones y las responsabilidades, un tema que Calderón explora en profundidad en muchas de sus obras.Uno de los puntos más interesantes de Amado y Aborrecido es el rol de la mujer, Irene, quien se convierte en juez y espectadora del duelo entre Dante y Aurelio. Su presencia no solo añade una capa de complejidad al conflicto, sino que también ofrece una reflexión sobre la mujer como objeto del deseo y como sujeto con agencia propia, especialmente en una época donde las figuras femeninas eran a menudo marginadas o idealizadas.Amado y Aborrecido es una obra rica en simbolismo, conflicto y emoción. Su exploración de temas eternos y su maestría en el uso del lenguaje hacen de ella una pieza indispensable para cualquier amante de la literatura clásica española. Aunque la obra puede no gozar del mismo renombre que otros textos de Calderón, su profundidad temática y su brillantez en la construcción de personajes la convierten en una joya del Siglo de Oro que merece ser redescubierta y valorada.

En Amar después de la muerte Pedro Calderón de la Barca relata una historia de amor inspirada en un tema morisco y ambientado en La Alpujarra y Granada. El mundo islámico se presenta aquí con respeto y, en cierto modo, nostalgia.Esta obra nos traslada a un período oscuro en la historia de España: la revuelta morisca en 1568; ocasionada, entre otras cosas, por la presión de las pragmáticas reales de Felipe II. Esta guerra civil que duró tres años, se convirtió en una lucha por la dignidad, que provocó el casi total exterminio de una minoría.Amar después de la muerte relata una historia de amor. En medio de la Rebelión de La Alpujarra, el ejército de Juan de Austria conquista la villa granadina de Galera. Durante los sucesos una joven, llamada Maleha, muere apuñalada. El Tuzaní, un musulmán, enamorado de la joven, se infiltra entre los soldados cristianos, descubre la identidad del asesino y venga su muerte.

Amor, honor y poder es la primera comedia atribuida con certeza a Pedro Calderón de la Barca. Se estrenó en Madrid, en el viejo Alcázar, el 29 de junio de 1623, por la compañía de Juan Acacio Bernal. Fue durante estancia en Madrid del príncipe de Gales, Carlos Estuardo.La obra contiene en el título los tres ejes fundamentales de la acción, y se basa en la historia ejemplar titulada «Cómo Eduardo III, rey de Inglaterra, se enamoró de la condesa Salveric y cómo después de haberla seguido por muchas vías, se vino a casar con ella». Calderón va más allá y construye unos personajes memorables.Amor, honor y poder empieza con Estela confinada en el castillo de Salveric a salvo de las intrigas de la corte y del mundo terrenal. Allí aparece la Infanta Flérida, hermana del rey Eduardo III de Inglaterra. Casi muere despeñada a causa de su caballo desbocado. Sin embargo, es salvada por Enrico hermano de Estela, hijo del Conde de Salverie.Eduardo III se alegra de la salvación de la Infanta y se siente atraído a su vez por Estela, dando inicio al conflicto esencial de Amor, honor y poder.

Casa con dos puertas mala es de guardar es una comedia de enredo. En ella se suceden de manera vertiginosa el juego de intrigas y equívocos. El título Casa con dos puertas mala es de guardar hace referencia a lo difícil que es controlar a las hijas, más liberales de lo que cabría esperar si se atreven a meter a hombres en casa.Pedro Calderón de la Barca escribió Casa con dos puertas antes de cumplir los cuarenta años. Entonces sufrió una crisis personal porque empezaron a cerrar teatros, tuvo un hijo, murió un hermano y decidió ordenarse sacerdote. Su obra también cambió, se volvió más sosegada, dramática e incluso ideológica. Por entonces Calderón escribió comedias de más profundidad existencial y psicológica.

Céfalo y Pocris fue escrita por Calderón para Felipe IV. Se estrenó en los escenarios del Buen Retiro de Madrid para Carnestolendas, en 1660.Calderón aprovecha el tema mitológico ovidiano, parodiando aquí el mito griego de Céfalo y Pocris, y lo traslada al ambiente caballeresco.Céfalo y Pocris es la única comedia burlesca de Calderón en cuyo texto, lleno pirotécnica verbal barroca, se burla de sí mismo, de la Corte y sus personajes a través de una fábula enloquecida.

Con quien vengo vengo de Pedro Calderón de la Barca es una comedia de enredos amorosos con un argumento lleno de equívocos, cambios de identidades, disfraces y nocturnidad.Los personajes principales de la comedia son dos parejas de damas y galanes:don Juan y Otavioy Leonor y Lisarda;un viejo, padre de don Juan,y un caballero, don Sancho, hermano de Leonor y Lisarda.A ellos se suma la ?gura del gracioso, Celio.La acción se desarrolla en Verona, donde don Juan y Otavio amigos desde los tiempos de estudiantes en Bolonia se encuentran porque este último tiene que cumplir una misión secreta, para lo cual se aloja en casa de don Juan. La misión secreta de Otavio es vengarse de don Sancho, hermano de las dos damas, a causa de una antigua contienda amorosa.El personaje de don Juan se enfrenta con la tesitura de defender a su amigo Otavio; o a don Sancho, también amigo, hermano y guardián de la honra de Leonor. Don Juan acude con Otavio a una comprometida cita amorosa con Leonor, a medianoche, y son sorprendidos por don Sancho, en tal circunstancia.Don Juan resuelve el dilema que se le plantea en tal coyuntura poniéndose de parte de Otavio porque es con él con quien ha acudido a la cita. De ahí el título de esta obra: Con quien vengo, vengo.

Darlo todo y no dar nada es una comedia palaciega escrita por Pedro Calderón de la Barca, uno de los dramaturgos más renombrados del Siglo de Oro español. La obra es rica en canciones y se centra en un intrigante triángulo amoroso entre Alejandro Magno, la bella Campaspe y el pintor Apeles, quien finalmente es elegido como el pintor oficial de la corte.La trama gira en torno a un acto de vanidad y discernimiento por parte de Alejandro Magno, quien convoca a tres pintores para que retraten su imagen. La elección de Apeles como el retratista favorito del rey es un reconocimiento de su habilidad artística, y de su tacto y sensibilidad al retratar las virtudes y los defectos del monarca.La obra es rica en contrastes y paralelismos. En la primera escena, la aparición de Diógenes, un filósofo que vive en la austeridad, sirve como un contrapunto al lujo y la vanidad de la corte. Sus reflexiones sobre la vida y la autenticidad añaden una capa de profundidad filosófica a una obra que, de otro modo, podría verse simplemente como una comedia de enredos y pasiones cortesanas.El uso de la música y los instrumentos en la obra no es simplemente decorativo; refuerza la idea de dualidad y contraste que impregna toda la historia. Los estruendos marciales y las dulces melodías son como dos caras de la misma moneda, representando las diferentes facetas del poder, la belleza y la virtud.Destaca en Darlo todo y no dar nada su habilidad para mezclar la comedia, la música y la filosofía en una obra coherente y entretenida. Calderón de la Barca aborda temas eternos como el amor, la vanidad, la autenticidad y la naturaleza del arte, todo ello enmarcado en una historia que, aunque situada en un contexto histórico y geográfico específico, tiene una resonancia universal.Esta obra es una joya del teatro del Siglo de Oro que ofrece introspección y entretenimiento. A través de sus personajes complejos y su hábil uso de la música y la lírica, Calderón de la Barca crea un mundo en el que las emociones humanas y las preocupaciones éticas se despliegan en un tapiz ricamente tejido.

Uno de los espacios que albergó buena parte de la dramaturgia de Pedro Calderón de la Barca fue el Coliseo del palacio del Buen Retiro. Fue en este lugar de entretenimiento de los reyes que se representó, en julio de 1661, la comedia mitológica Eco y Narciso.Eco y Narciso es una reelaboración poética de la literatura clásica que no sigue fielmente la historia de los mitos. Calderón transformaba y manipulaba los argumentos y las acciones para ajustarlas a su interés dramático.Calderón dramatiza el mito de Eco y Narciso a partir, sin duda, de la versión de las Metamorfosis (III 339-510) de Ovidio, a la que es bastante fiel, a excepción de una serie de elementos, como el tratamiento que se hace del personaje principal.El Narciso calderoniano no es inicialmente el joven arrogante que dibujara Ovidio, sino un joven ingenuo, dependiente de su madre. También el espacio de la acción no es la Beocia de Ovidio, Calderón en este caso elige la Arcadia de Virgilio.En Eco y Narciso Calderón de la Barca relata la historia de Narciso. En la mitología griega, Narciso es un hermoso joven, hijo del dios del río Cefiso y de la ninfa Liríope. Al nacer, sus padres consultaron al adivino Tiresias que dio el siguiente veredicto:«Vivirá hasta viejo si no se contempla a sí mismo».Todos se enamoraban de Narciso, pero él los rechazaba. Entre las jóvenes prendadas por él estaba la ninfa Eco, quien había disgustado a Hera y había condenada por ésta a repetir las últimas palabras de lo que se le dijera. Eco en consecuencia no podía hablarle a Narciso de su amor.

El castillo de Lindabridis es una hilarante comedia de enredo de Calderón de la Barca ambientada en un mundo mitológico.La acción de El castillo de Lindabridis ocurre en dos lugares: en la isla con la montaña y la cueva del Fauno y en Babilonia. Lindabridis es de Tartaria, una «provincia que sobre las dos cervices de África y Asia se sienta». Rosicler, el caballero con quien se casa al final, es de Tracia, una región en el nordeste de Grecia. Floriseo, otro pretendiente, es de Persia.El castillo mismo contiene los jardines colgantes orientales entre las almenas y torres medievales mientras que los desafíos medievales finales ocurren en Babilonia.

En El escondido y la tapada, de Pedro Calderón de la Barca, don César ama a Lisarda pero rechazado por ésta galantea con Celia. Cierto día tras ver a Lisarda pasear con un hombre sale a su encuentro y lo mata y resulta que éste es el hermano de Celia. Abrumado, huye de Madrid con su criado, Mosquito.Luego una carta de Celia lo hace volver. Ella le ofrece su casa para esconderse. Al mismo tiempo regresa de la guerra don Félix, hermano de Celia, alertado por un amigo de que el honor de su hermana puede estar en entredicho.Por su parte, don Juan, prometido de Lisarda, pide ayuda a don Félix para vengar la muerte del hermano de ésta. Don Félix acepta pero se confunde de hombre, tiene que huir de la justicia y se lleva a Celia consigo a otra casa para esconderse. De esta manera César y Mosquito quedan encerrados en una habitación secreta de la casa.La casa es alquilada ese día por el padre de Lisarda, que lleva a su hija y al prometido a vivir en ella. Al intentar escapar César, allí escondido, y al acudir Celia, tapada, en su ayuda provocan una serie de enredos.Ya el lector entiende que El escondido y la tapada es un drama de enredos, con una trama trepidante.