Arte y Fotografía

La comedia de Tirso de Molina Palabras y plumas es una obra que nos sumerge en un universo caballeresco, ambientado en la corte napolitano-aragonesa. Con un argumento centrado en las complejidades del amor y la identidad, la obra explora las vicisitudes emocionales de Don Iñigo, un caballero español enamorado de la princesa Matilde de San Severino, y de Próspero, el príncipe de Tarento.Desde el inicio de la obra, nos encontramos con Próspero, un príncipe que lleva su elegancia hasta el último detalle, adornado con muchas plumas, y Matilde, una princesa que parece estar atrapada entre dos amores. Lo interesante de esta dinámica es cómo Tirso de Molina juega con los estereotipos caballerescos para ofrecer una visión más profunda de la naturaleza humana. Don Iñigo, por ejemplo, se presenta como un caballero apasionado pero a menudo imprudente en su liberalidad y valentía, lo cual añade complejidad a su personaje.El fragmento de la obra muestra un diálogo intenso y apasionado entre Próspero y Matilde, donde ambos personajes revelan una mezcla de amor, celos y sospechas. Las palabras de Próspero revelan sus dudas sobre la lealtad de Matilde, mientras que ella, por su parte, intenta reconciliar sus sentimientos. Esta dualidad emocional se refleja en el diálogo agudo y a menudo ambiguo, característico del estilo de Tirso de Molina.El título Palabras y plumas es un símbolo de la dualidad que invade la obra: las palabras representan los diálogos llenos de dobles sentidos y las plumas simbolizan la ostentación y el orgullo caballeresco. Ambos elementos se entrelazan para crear una trama rica en matices, donde los personajes se ven obligados a enfrentar sus propias contradicciones.Palabras y plumas es una obra que muestra la habilidad de Tirso de Molina para profundizar en las complejidades del corazón humano, utilizando el telón de fondo de una corte caballeresca. Con sus personajes bien desarrollados y su diálogo agudo, la obra nos ofrece una visión penetrante de las tensiones emocionales y morales que caracterizan las relaciones amorosas. A través de esta visión, Tirso de Molina hace una crítica sutil pero incisiva de la sociedad de su tiempo.

Quien calla otorga de Tirso de Molina escrita en 1614, es una continuación de El castigo del penseque. Nació fruto de las circunstancias y, sobre todo, del desenlace «imperfecto» y nada popular entre el público de El castigo del penseque.El final del protagonista en El castigo del penseque (el español Rodrigo Girón), recibía un castigo excesivo. Y también dejaba mal parada la galantería española en tierras extranjeras. Por tanto, Quien calla otorga, como segunda parte de este díptico, tiene como finalidad la redención de Rodrigo Girón, de modo que le propone nuevas aventuras, de las cuales esta vez sí resulta triunfante.

Quien da luego da dos veces es una obra teatral de Tirso de Molina que se presenta como una reelaboración de La señora Cornelia, una de las doce novelas cortas que Miguel de Cervantes publicó en 1613 en su colección Novelas ejemplares.En el proceso de adaptación, Tirso transforma la obra literaria de Cervantes en un texto dramático, un proceso que implica cambios significativos en varios aspectos de la obra original. Aunque conserva las líneas fundamentales de la acción de La señora Cornelia, Tirso introduce cambios en la caracterización y en la estructura de la obra.De La señora Cornelia, Tirso retoma los caracteres esenciales de los personajes, aunque decide cambiar sus nombres. A pesar de las modificaciones introducidas, la obra de Tirso se mantiene fiel al espíritu de la obra cervantina, reflejando la habilidad del autor para adaptar las tramas y los personajes de las novelas en obras teatrales que capturan la atención y la imaginación del público.

Quien no cae no se levanta es una obra de Tirso de Molina que explora el complejo proceso de conversión y redención de Margarita, una mujer con un pasado pecaminoso. La obra se distingue por fusionar elementos hagiográficos con otros característicos de la comedia cortesana, proporcionando una mirada única a las costumbres y los dilemas morales de la clase media urbana de la época.La obra comienza como una comedia cortesana, presentando un elenco de personajes que representan la vida cotidiana de la clase media en un entorno urbano. Es solo a medida que avanza la trama cuando la obra se transforma en una historia de conversión y redención, siguiendo la trayectoria de Margarita. Este enfoque híbrido ofrece una visión más completa y matizada de los desafíos espirituales y éticos que enfrentan los personajes.Al inicio de la obra aparece Cleandro, preocupado por dejar sola a su hija Margarita en una ciudad como Florencia, conocida por su libertinaje. Su monólogo refleja tanto su amor paternal como su ansiedad por el bienestar moral de su hija. Aquí Tirso de Molina utiliza el conflicto interno de Cleandro como un microcosmos de los dilemas éticos más grandes que la obra explora.Tirso de Molina emplea un lenguaje que es a la vez poético y accesible, permitiendo que los personajes expresen sus emociones y pensamientos complejos de manera elocuente. Los temas de la libertad, la responsabilidad y la redención están hábilmente entretejidos en el diálogo y la acción.Lo que realmente destaca en Quien no cae no se levanta es la capacidad de Tirso de Molina para capturar la complejidad de la condición humana. A través de Margarita y Cleandro, la obra examina las tensiones entre el deseo individual y las expectativas sociales, así como la posibilidad de redención a través de la fe y el arrepentimiento.Quien no cae no se levanta desafía las categorizaciones fáciles, fusionando géneros y temas para crear un retrato complejo y matizado de la vida y la moralidad humanas. A través de su hábil manejo del lenguaje y su comprensión profunda de los conflictos humanos, Tirso de Molina nos ofrece esta obra profundamente conmovedora. Es una pieza que invita a la reflexión sobre la fragilidad y la resistencia del espíritu humano, y que merece un lugar destacado en el canon del teatro del Siglo de Oro español.

Santo y sastre es una obra teatral de Tirso de Molina que aborda la vida de San Homobono, pero que, a diferencia de las típicas dramatizaciones hagiográficas, incorpora un notable sentido del humor y pinceladas satíricas. La obra se destaca por su habilidad para mezclar lo sagrado y lo profano, lo serio y lo cómico, en una sola narrativa.Lo primero que llama la atención en Santo y sastre es su capacidad para introducir el humor en una historia que, en su esencia, es profundamente religiosa. La obra narra la vida de San Homobono, un santo vinculado al mundo de la sastrería, lo que ofrece a Tirso de Molina la oportunidad de introducir elementos cómicos y satíricos relacionados con la profesión del protagonista.Al principio de la obra Dorotea y Pendón discuten sobre los múltiples pretendientes de Dorotea. El diálogo es ágil, lleno de ingenio y sarcasmo. Pendón, quien actúa como un mensajero entre Dorotea y sus admiradores, muestra una serie de cartas llenas de quejas y llantos, añadiendo un toque de humor al drama.Tirso de Molina utiliza un lenguaje que combina lo culto y lo popular, lo serio y lo humorístico. Los personajes hacen uso de metáforas extravagantes y descripciones hiperbólicas, añadiendo una capa de comedia a la obra. Este uso ingenioso del lenguaje refleja la habilidad de Tirso de Molina para jugar con las palabras y los significados, lo que añade profundidad y riqueza a la obra.Santo y sastre demuestra la versatilidad de Tirso de Molina como dramaturgo. La obra mezcla con maestría elementos de drama hagiográfico con una comedia aguda y observadora. Es un texto que, aunque enraizado en la religiosidad, no teme incorporar elementos más terrenales y humorísticos, lo que la convierte en una pieza única en el panorama de la literatura dramática del Siglo de Oro español. Aquí se celebra la devoción y la humanidad.

Tanto es lo de más como lo de menos es una obra teatral escrita por Tirso de Molina que se distingue en el panorama de las obras de temática bíblica. Su singularidad radica no solo en la elección del tema, sino también en la forma en que se aborda. La obra se centra en la parábola evangélica del hijo pródigo y la entrelaza con la historia de Lázaro, el mendigo que comía las sobras del rico avariento. Este enlace de dos relatos bíblicos ofrece una rica complejidad temática y emocional que va más allá de la simple adaptación de una historia religiosa.Mientras que muchas obras inspiradas en textos bíblicos suelen centrarse en la dramatización de un personaje o un evento particular, Tirso de Molina opta por explorar la esencia y las implicaciones de una parábola. Este enfoque permite una mayor libertad para abordar temas universales como la avaricia, la redención y la justicia divina.Nineucio, Liberio y Lázaro son los protagonistas que introducen la obra en su primera jornada. A través de su interacción, se exploran temas de amor, fortuna y justicia. Nineucio, quien parece representar al rico avariento, es un hombre de grandes posesiones y orgullo. Su diálogo con Liberio refleja la complejidad de la naturaleza humana y la volubilidad del amor y la fortuna.El lenguaje utilizado en la obra es otra de sus fortalezas. Tirso de Molina emplea un estilo poético y lírico que añade profundidad a los temas tratados. Los diálogos están cargados de metáforas y alusiones que elevan la obra a un plano trascendental, haciendo que el espectador o lector se sumerja en reflexiones más profundas.Tanto es lo de más como lo de menos es una obra que se desmarca de las tradicionales adaptaciones de textos bíblicos, ofreciendo una perspectiva fresca y compleja sobre temas eternos. Su riqueza temática y su complejidad emocional la convierten en una pieza digna de ser estudiada y apreciada. Es una obra que  invita a la introspección y la reflexión sobre la condición humana y la moralidad.

Todo es dar en una cosa es una comedia que relata el nacimiento, la infancia y la primera juventud de Francisco Pizarro. La comedia de Tirso de Molina es un entramado dramático en donde prima la defensa de la fama y la honra de la familia Pizarro sobre la elaboración de unos personajes en lucha consigo mismos y con su entorno.Todo es dar en una cosa, es una obra apologética donde los materiales históricos tienen tanta importancia como los ficticios. Unos y otros fueron encaminados a defender la reputación y la gloria de los Pizarro, en los momentos en que sus descendientes organizaban una campaña para conseguir el título de Marqués de las Indias. La trilogía es, sin duda alguna, obra de encargo que Tirso de Molina realizó obedeciendo los intereses de los sucesores de los Pizarro.Todo es dar en una cosa pertenece a una trilogía dedicada a la familia Pizarro, integrada por:Amazonas en las Indias (sobre Gonzalo Pizarro)y La lealtad contra la envidia (sobre Hernando Pizarro).Tirso de Molina vivió algún tiempo en la Hispaniola (actual República Dominicana) y regresó a España en 1618. Su estancia en América inspiró esta serie de obras sobre los conquistadores.

Ventura te dé Dios, hijo es una obra de Tirso de Molina, uno de los dramaturgos más influyentes del Siglo de Oro español. La obra presenta las luchas y preocupaciones de un joven estudiante, Otón, que vive dividido entre las obligaciones académicas y sus sentimientos amorosos. A través de la pieza, Tirso de Molina explora temas como la educación, el amor y la memoria, ofreciendo una visión cómica pero también profunda de las tensiones entre el deber y el deseo.Otón es el protagonista de la obra, un estudiante que se debate entre las expectativas de sus padres y su propia incapacidad para retener el conocimiento. Aunque trabaja duro para memorizar el Arte de Antonio de Nebrija, se encuentra con un obstáculo: su memoria. A su vez, Otón está enamorado de Rosela y se pregunta por qué, si puede recordarla con tanta claridad, no puede hacer lo mismo con sus estudios.Ventura te dé Dios, hijo empieza con un monólogo que muestra los pensamientos y emociones de Otón. Tirso de Molina utiliza un lenguaje poético y lleno de referencias clásicas, como la mención a Apolo, el dios de las artes y las ciencias. La obra comenta el sistema educativo de la época y reflexiona sobre las limitaciones humanas.Uno de sus temas más prominentes es la lucha entre el deber y el deseo. Otón está atrapado entre las expectativas sociales y académicas que tienen sus padres para él y sus propias limitaciones intelectuales. Al mismo tiempo, su amor por Rosela se presenta como una especie de memoria perfecta, una que se contrapone a su incapacidad para los estudios. Esto lleva a reflexiones más amplias sobre la naturaleza de la memoria y cómo diferentes tipos de conocimiento o experiencia pueden dejar diferentes tipos de huella en nosotros.Ventura te dé Dios, hijo ofrece un análisis profundo y complejo de la experiencia humana. Tirso de Molina logra crear una pieza que es al mismo tiempo cómica y seria, mostrando las tensiones entre el deber y el deseo, entre lo que se espera de nosotros y lo que realmente somos capaces de hacer. Con su estilo poético y su habilidad para explorar las profundidades de la psique humana, la obra se convierte en una exploración de los dilemas eternos a los que nos enfrentamos en nuestra búsqueda del conocimiento y del amor.

La antología de Agustín Moreto y Cabaña incluye varias de sus obras de teatro de cámara, diseñadas para ser presentadas a audiencias pequeñas. Las obras que se mencionan son:1. Baile de la chillona: Es una obra de teatro que incorpora bailes y música, junto con diálogo y acción.2. Baile de la zalamandrana hermana: Esta obra también incorpora baile y aborda temas de relaciones familiares o hermandad.3. Entremés famoso de la perendeca: Los entremeses son cortas obras de teatro, generalmente cómicas, que se representaban en los intermedios de las representaciones de obras más largas. 'La Perendeca' es un personaje de esta pieza.4. Entremés famoso del poeta: Esta obra presenta una historia cómica centrada en la figura de un poeta.5. Loa entremesada para la compañía del pupilo: La loa es un tipo de prólogo que elogia la obra que se va a representar. En este caso, está combinada con un entremés y está dirigida a una compañía del pupilo.

Triunfo de los santos de Pedro de Morales se concibió como parte de los grandes festejos que se celebraron en México el 2 de noviembre de 1578, con motivo de la llegada a la Catedral de unas reliquias procedentes de Roma.El argumento de la obra responde a un tema clásico del teatro jesuítico en toda España: las persecuciones que sufrieron los cristianos y el triunfo final de la Iglesia.Siguiendo el hilo habitual de la acción, se exponen al comienzo de la obra los motivos que impulsan al Emperador Diocleciano a acabar con los cristianos. A continuación se narra la persecución y martirio de éstos. Y finalmente se refiere la conversión de Constantino al cristianismo, tras la muerte de su antecesor.Un tema, en definitiva, muy cultivado por la literatura religiosa y en cuyo tratamiento apenas encontramos desviaciones con respecto a piezas de la misma temática elaboradas en toda Europa.El carácter innovador del Triunfo de los santos se aprecia en el aspecto formal. Pedro de Morales distribuye la pieza en cinco actos y la estructura tripartita, compuesta por introito, obra y canción, evidencian un claro influjo del drama italiano de la primera mitad del XVI. Morales se revela como un profundo conocedor de la «vanguardia» literaria del momento.La abundancia de versos endecasílabos y de combinaciones italianizantes, junto a los ecos de Garcilaso colocan a la tragedia en un lugar destacado dentro de las nuevas corrientes poéticas de la época en lengua castellana. Cabe agregar que se trata de algo inusual en un momento en que Hispanoamérica solía recibir con retraso todo lo que llegaba de Europa.

La mayor parte de las Cartas a un escéptico en materia de religión, aparecieron en la revista La Sociedad. En ellas, como anuncia su título, se reflexiona sobre la religión y su vigencia en la España del siglo XIX.En 1843 Jaime Balmes fundó dicha revista en Barcelona, en la que publicó artículos sobre las exigencias sociales, políticas y religiosas de su tiempo y estas cartas. La primera de ellas empieza como sigue:«Mi estimado amigo: Difícil tarea me ha deparado usted en su apreciada, hablándome del escepticismo: éste es el problema de la época, la cuestión capital, dominante, que se levanta sobre todas las demás, cual entre tenues arbustos el encumbrado ciprés. ¿Qué pienso del escepticismo; qué concepto formo de la situación actual del espíritu humano, tan tocado de esta enfermedad?; ¿cuáles son los probables resultados que ha de acarrear a la causa de la religión? Todo esto quiere usted que le diga; a todas estas preguntas exige usted una respuesta cabal y satisfactoria; añadiéndome que «quizás de esta manera se esclarezcan algún tanto las tinieblas de su entendimiento, y se disponga a entrar de nuevo bajo el imperio de la fe»».Como se aprecia en esta cita, las Cartas a un escéptico en materia de religión intentan dirimir los dilemas que más profundamente sacudían al autor.

La producción dramática que se conserva actualmente de López de Yanguas se inscribe en la práctica escénica cortesana y consta de seis obras:la Égloga,la Farsa de la Natividad,la Farsa Sacramental,la Farsa del mundo y moral,la Farsa Turquesanay finalmente la Farsa de la Concordia donde celebra la paz de Cambray entre España y Francia.En Farsa de la concordia se festeja la paz de Cambray. Ello lleva a nuestro a autor a augurar un tiempo de felicidad y de victorias sobre los grandes enemigos de la cristiandad.

La producción de Hostos es extensísima y variada, y, pese a tal diversidad, se halla presidida en su mayor parte por los mismos ideales de libertad, en el terreno político, y de humanismo, en el educativo, que siempre guiaron su trayectoria vital.Esta selección de Ensayos de Eugenio María de Hostos contiene algunos de sus textos de carácter social más conocidos. También incluimos otros de carácter más literario, como el ensayo sobre «Hamlet» y algunas viñetas dialogadas. Reflexiones sobre «La educación científica de la mujer»; la condición de «El Cholo» o la Batalla de Ayacucho.Entre los ensayos aquí reunidos destacamos «La abolición de la esclavitud en Puerto Rico», donde el autor analiza eldebate parlamentario que decidió la liberación de los esclavos en su país. A continuación citamos un pasaje:«Los republicanos, que habían callado en tanto que el proyecto no pasó de tal, se espantaron de dejar a los radicales del gobierno monárquico la gloria de una reforma tan trascendental, y el señor Castelar presentó una proposición en que se pedía pura y simplemente la abolición inmediata de la esclavitud.Pronunció un discurso de los suyos, en que hablando de todo, menos de la ley en discusión, y en que tomando y ampliando y aplicando a su capricho la teoría de los mediadores nacionales, inventada por Quinet para demostrar la necesidad de que Alsacia y Lorena fueran francesas, sacó partido para su fácil gloria. ()El partido republicano, ya victorioso, empezó por aplazar la ley de abolición; pero urgido de nuevo por influencias exteriores, repuso en debate el proyecto atormentado. Lo que había sido necesario para los radicales cuando eran en el poder les pareció fuera de él un gran peligro y llovieron mociones radicales en contra de la abolición inmediata.»

Tan largo me lo fiáis es una obra teatral que introduce al mundo literario el mito de Don Juan Tenorio, un personaje que posteriormente se convertiría en uno de los más universales del teatro español. La obra se representó por primera vez en Córdoba en 1617 por la compañía de Jerónimo Sánchez, y desde entonces ha suscitado numerosos debates académicos sobre su autoría y su relación con otra obra emblemática, El burlador de Sevilla.Lo primero que destaca en Tan largo me lo fiáis es la complejidad moral y psicológica del personaje de Don Juan Tenorio. Desde su primera aparición en la obra, su carácter seductor y manipulador queda patente. La manera en que engaña a Isabela, haciéndole creer que es su futuro esposo, el Duque Octavio, revela una astucia y una falta de escrúpulos que definen su personalidad a lo largo de la obra.La problemática en torno a la autoría de Tan largo me lo fiáis y El burlador de Sevilla ha sido uno de los temas más debatidos en la literatura del Siglo de Oro español. Algunos estudiosos sugieren que ambas obras son del mismo autor, Tirso de Molina, mientras que otros proponen que solo El burlador de Sevilla pertenece a Tirso y que Tan largo me lo fiáis podría tener un autor diferente. Hay incluso quienes argumentan que ninguna de las dos obras puede atribuirse con certeza a Tirso de Molina. Este debate sobre la autoría añade una capa extra de misterio y fascinación a ambas obras.En cuanto a la posible interdependencia entre las dos obras, es evidente que ambas abordan el mito de Don Juan desde perspectivas únicas, aunque compartan ciertos elementos temáticos y estructurales. La representación del personaje de Don Juan en Tan largo me lo fiáis es, en muchos aspectos, un precursor del Don Juan que se desarrolla más plenamente en El burlador de Sevilla. Ambas obras exploran la tensión entre el deseo individual y las normas sociales, y ambas terminan cuestionando la impunidad moral de su protagonista.Tan largo me lo fiáis es una obra crucial para entender el desarrollo del mito de Don Juan en la literatura española. Su ambigüedad moral, su intrincada estructura y su enigmática autoría la convierten en una obra fascinante que continúa generando debates y capturando la imaginación de los lectores y académicos por igual.

La esclava del Negro Ponto es una obra dramática escrita por Luciano Francisco de Comella, un autor español del siglos XVIII, conocido por sus dramas y comedias. La trama de esta obra particular se ubica en una isla del Negro Ponto, un término que se refiere al Mar Negro en la antigüedad.La isla, en el contexto de la obra, es representada como un antiguo emporio cristiano que ha sido ocupado por una versión islamizada de Constantinopla. Este escenario proporciona una viva representación de la tensión y conflicto cultural y religioso que existía durante el período en que la obra fue escrita.Los personajes de la obra son cristianos y musulmanes, y el drama que se desarrolla entre ellos ilustra las dificultades y luchas asociadas con la convivencia entre estas dos culturas y religiones en un entorno de ocupación.Comella, a través de su obra, no sólo busca entretener a su audiencia, sino que también utiliza el drama para explorar temas serios y relevantes de su época. Las luchas de poder, los conflictos religiosos y la tensión cultural que se presentan en La esclava del Negro Ponto reflejan los desafíos reales que enfrentaban muchas sociedades en este período de la historia.

Aben Humeya o La rebelión de los moriscos es una obra teatral escrita por Francisco Martínez de la Rosa que aborda un tema crucial en la historia de España: la rebelión de los moriscos en La Alpujarra durante el siglo XVI. La figura central de la obra es Aben Humeya, un noble morisco también conocido como Hernando o Fernando de Válor y Córdoba. La obra no solo es un drama histórico sino también un estudio profundo de la identidad, la resistencia y los conflictos culturales.La obra sigue las peripecias de Aben Humeya, quien lidera la rebelión de los moriscos contra la opresión y discriminación que sufren de parte de los cristianos en la España del siglo XVI. Su nombre, Ibn Umayya, que significa Hijo de Umayya, hace alusión a sus antepasados Omeyas, subrayando la rica herencia cultural que está en juego.Martínez de la Rosa utiliza la figura de Aben Humeya para explorar temas profundos como la identidad cultural, la lucha por la libertad y la complejidad de la coexistencia entre diferentes comunidades religiosas y étnicas. La obra aborda las consecuencias de la intolerancia y la discriminación, y cómo estos elementos pueden llevar a conflictos devastadores que marcan la historia de una nación.Esta obra es rica en detalles históricos y muestra una gran habilidad para mezclar la realidad con la ficción. El estilo de Martínez de la Rosa es elegante y sofisticado, lo que le permite crear personajes tridimensionales que capturan la complejidad del periodo histórico en cuestión. La estructura dramática de la obra contribuye a su intensidad emocional y su poder narrativo.La rebelión de La Alpujarra es un tema recurrente en la literatura y la historia españolas, y esta obra contribuye significativamente a la comprensión y al estudio de este evento crucial. No es solo un drama histórico, sino también una pieza literaria que invita a la reflexión sobre los temas universales de identidad, resistencia y convivencia.Aben Humeya o La rebelión de los moriscos es una obra magistral que ofrece una visión profunda y matizada de uno de los episodios más turbulentos de la historia española. A través de su enfoque en la figura de Aben Humeya, Francisco Martínez de la Rosa logra crear una pieza que es una ventana al pasado y una exploración de temas eternos y universales. Es una lectura obligada para cualquier persona interesada en la historia de España, la convivencia intercultural y los conflictos que surgen de la intolerancia y la discriminación.

La presente Antología de Félix Varela recoge artículos publicados por Varela en El Habanero. Como el lector verá aquí se compilan desde textos políticos y de actualidad sobre la situación internacional de su época, hasta crónicas sobre los avances científicos y económicos.Entre los hitos de la vida del autor que se reflejan en estos textos, está el hecho de que en 1823 Félix Varela proclamó el derecho de Cuba a ser una nación independiente y soberana. En este volumen aparecen algunas de las críticas de que fue objeto el padre Varela tras adoptar dicha postura.Destacan, además, por sorprendentes desde una mirada actual, sus observaciones sobre una inminente invasión de México y Colombia a la isla de Cuba.A continuación presentamos una parte del índice de la obra, que quizás sirva de referencia la variedad de temas que se incluyen en esta Antología de Félix Varela.Máscaras políticasCambia coloresRun RunConspiraciones en la Isla de CubaSociedades secretas en la Isla de CubaTemperatura del agua del mar a considerables profundidadesAcción del magnetismo sobre el titanioPropagación del sonidoFenómeno observado por el profesor Silliman en el Chryophoro de WollastonTranquilidad en la isla de CubaEstado eclesiástico en la isla de CubaBombas habanerasAmor de los americanos a la independenciaCarta a un amigo respondiendo a algunas dudas ideológicasParalelo entre la revolución que puede formarse en la isla de cuba por sus mismos habitantes, y la que se formará por la invasión de tropas extranjerasPolítica francesa con relación a América

Los amantes de Teruel narra una historia ocurrida en dicha ciudad. En Teruel suenan campanas de boda mientras llega a la villa Diego de Marcilla que regresa rico y famoso tras tomar parte en múltiples batallas en España. Diego está enamorado desde niño de Isabel de Segura. Pero ella es de una familia importante, y él es segundo hijo de otra más modesta.Sin embargo, el padre de Isabel accede a darle cinco años para enriquecerse, tras los cuales podrá desposar a Isabel. Al llegar descubre que Isabel de Segura acaba de casarse. Le pide un beso pero ella se niega porque ahora pertenece a otro hombre.Diego no resiste la negativa y muere en el acto. Al día siguiente, en los funerales, aparece Isabel de Segura. Se acerca a su amado para darle el beso que le negó en vida, y tras ello muere.La tradición asegura que Los amantes de Teruel murieron de amor, por eso fueron enterrados juntos, y juntos han permanecido hasta hoy en esta obra de Juan Eugenio Hartzenbusch.

Los cinco misterios dolorosos de la pasión y muerte es una obra dramática de Félix Lope de Vega que se sumerge en los episodios más angustiantes y conmovedores de la vida de Jesucristo. La obra se estructura alrededor de los cinco misterios dolorosos que forman parte del Rosario cristiano, centrándose en la Pasión y la Muerte de Cristo como un acto redentor para la humanidad.En el Primer misterio, Lope de Vega muestra su habilidad para mezclar diferentes registros emocionales y temáticos. Comienza con un tono épico, hablando de fiereza, guerra y victorias, solo para revelar que el heroísmo que pretende cantar es de una naturaleza divina y trascendente. Esto prepara el escenario para una epopeya espiritual que explora los rincones más oscuros y dolorosos de la experiencia humana y divina.La obra es notable tanto por su riqueza poética como por su profundidad teológica. Lope de Vega, al igual que otros autores del Siglo de Oro español, demuestra una impresionante destreza en la manipulación de las palabras y las imágenes para evocar sentimientos complejos. Los versos transmiten no solo la magnitud del sacrificio divino, sino también la intensidad del sufrimiento humano, encapsulando de manera efectiva las emociones que van desde la angustia hasta la desesperación.Uno de los aspectos más destacados de esta obra es cómo Lope de Vega logra humanizar a las figuras divinas, acercándolas al lector a través de su dolor y sufrimiento. El Cristo que retrata es un ser lleno de angustia y dudas, lo que hace que su sacrificio sea aún más conmovedor. Este enfoque permite que el texto funcione tanto como un relato épico como un estudio profundamente humano de la fe y la redención.El lenguaje utilizado es altamente simbólico y lleno de referencias clásicas y bíblicas, lo que añade una capa adicional de complejidad a la obra. Se aprecia una fuerte influencia de la tradición poética clásica, aunque siempre subordinada a los temas y propósitos religiosos de la obra.Los cinco misterios dolorosos de la pasión y muerte es una obra maestra del Siglo de Oro español que se destaca tanto por su virtuosismo poético como por su profundidad espiritual y teológica. Es un texto que no solo narra eventos, sino que también invita a la reflexión y la introspección, haciendo que el lector contemple las complejidades del sufrimiento, el sacrificio y la redención. Su habilidad para conjugar lo humano y lo divino en una sola narrativa lo convierte en un texto esencial para cualquier persona interesada en la literatura religiosa y espiritual.

El Purgatorio de San Patricio de Pedro Calderón de la Barca es un auto sacramental que se sumerge en la leyenda de San Patricio, el santo patrón de Irlanda. La obra explora temas teológicos profundos, tales como el infierno, el purgatorio y el paraíso, al tiempo que presenta una representación dramática de la lucha espiritual y moral.La obra inicia con un escenario lleno de tensión. Egerio, el rey de Irlanda, está angustiado por un sueño inquietante que le ha revelado visiones de tormento y salvación. Se encuentra dividido entre sus deseos terrenales y su necesidad de salvación espiritual, una lucha interna que se manifiesta en su desesperación y en su deseo de acabar con su vida.El conflicto interno de Egerio es también un reflejo de los dilemas más amplios que enfrentan los personajes de la obra: la lucha entre el pecado y la virtud, entre la desesperación y la esperanza. La obra utiliza la leyenda de San Patricio y su purgatorio como un dispositivo teatral para explorar estos temas universales. La cueva que según la leyenda mostró Cristo a San Patricio se convierte en un espacio simbólico donde los personajes se enfrentan a sus propias debilidades y tentaciones, pero también a sus potenciales para la redención.El diálogo en la primera jornada es especialmente revelador. La desesperación del rey Egerio es palpable, y su conflicto interno se articula de manera brillante. Las respuestas de los personajes que le rodean, Leogario, Polonia y Lesbia, añaden capas adicionales de significado, ofreciendo diferentes perspectivas sobre su angustia. Este nivel de complejidad psicológica es una de las fortalezas de Calderón de la Barca como dramaturgo.El Purgatorio de San Patricio es una obra profundamente espiritual que se adentra en cuestiones de fe, redención y la naturaleza humana. A través de personajes complejos y un ingenioso uso de la simbología, Calderón de la Barca crea un drama que no solo entretiene, sino que también provoca una profunda reflexión.

En sus Recuerdos del tiempo viejo José Zorrilla afirma que escribió El puñal del godo en veinticuatro horas, tras una apuesta. Estrenada el 7 de marzo de 1843, la obra relata la historia de un eremita, a quien se le revela la futura muerte del rey Rodrigo a manos del Conde don Julián, quien se ha aliado con los árabes para facilitarles la conquista de España. Theudia, un siervo del rey, mata al Conde, muestra lo falso de los augurios y anima a Rodrigo a recuperar su trono.El puñal del godo mitifica la derrota del rey Rodrigo en Guadalete, antesala de la penetración del islam en la península. Es una obra de corte romántico en que se glorifica una España mágica. La segunda parte de esta obra se titulada La calentura, y también ha sido publicada por Linkgua Ediciones.