Arte y Fotografía

En Quien mal anda en mal acaba Juan Ruiz de Alarcón relata la historia del morisco Román Ramírez, quien fue encerrado por la Inquisición española y sometido a un larguísimo juicio. Eugenio Hartzenbusch al editar las obras completas de Ruiz de Alarcón en 1852, estableció la mejor versión de este texto.La obra no aparece en las dos partes de las obras de Alarcón editadas entre 1628 y 1624. Y fue publicada por primera vez por el impresor sevillano Francisco de Leefdael, a mediados del siglo XVIII. Fue, además, muy elogiada en el siglo XIX por Juan Eugenio Hartzenbusch y Agustín Millares.

La fuerza de la ley fue escrita en 1644 y publicada en la Primera parte de comedias de Agustín Moreto (1654). Es una comedia de carácter histórico que nos habla de la importancia de mantener el honor. En ella aparecen elementos burlescos bajo un marco de tragedia.La originalidad de Agustín Moreto y Cabaña consiste en escribir un drama de honor conyugal aparentemente ortodoxo. Sin embargo, esta obra se puede interpretar, de forma paródica gracias al singular papel de la criada Irene. Su personaje ofrece los medios para que se materialice el adulterio de su ama. Mientras, da voz a un discurso heterodoxo en que se menosprecia el honor.El pragmatismo preside la conducta de Irene, más preocupada por alimentar el cuerpo que el alma. Irene, insiste en que el honor tampoco da de comer y no vacila en degradarlo. Afirma que no sirve para llenar la olla y que es más feliz la mujer que no lo tiene que la que vive para mantener este valor moral.Moreto se encuadra en la escuela dramática de Pedro Calderón de la Barca, a quien conoció y admiró. Como los dramaturgos de su época, reelaboró comedias anteriores suprimiendo los defectos que encontró en ellas. Aunque algún contemporáneo, como Jerónimo de Cáncer y Velasco, se lo hizo notar.En La fuerza de la ley destaca Moreto como un fino perfilador de caracteres. Se nota que es un gran observador y un maestro del diálogo gracioso, elegante e inteligente. Es proclive a las sentencias y al consejo moralizador. Sin embargo, lo hace con una gracia y finura inimitables, talentos que se revelaron en el género de la comedia. Todas estas cualidades presagian ya la comedia neoclásica del siglo XVIII.

Una de las principales características de las obras teatrales de Agustín Moreto es la comicidad. Ello las diferencia de los grandes dramaturgos anteriores como Lope de Vega, y se refleja en las adaptaciones que hace de sus obras.Un ejemplo claro de este rasgo lo encontramos en la obra De fuera vendrá quien de casa no echará, una reescritura de ¿De cuándo acá nos vino?, estupenda comedia urbana, escrita por el Lope de Vega hacia 1612-1614.De fuera vendrá quien de casa no echará es una comedia donde los personajes son absolutamente burlescos: desde la vieja viuda que no quiere que se case su sobrina doncella, hasta que no le propongan primero matrimonio a ella, hasta el alférez Aguirre, mentiroso compulsivo, capaz de decir que mató a un turco en la batalla de Gerona y le cortó la cabeza, con el turbante puesto, o los diferentes pretendientes de la doncella, a cual más maniático y grotesco.

El Libro de palacio de Pero López de Ayala es un poema didáctico-moral cristiano de finales del siglo XIV. Contiene largas elucubraciones sobre las desdichas de Job en 2.170 estrofas. En esta obra, el autor utiliza la cuaderna vía, estrofa típica del mester de juglaría.El Libro de palacio tiene partes didácticas, políticas, religiosas y filosóficas. En ella se refleja a la perfección la sociedad castellana del siglo XIV y los problemas que afectaban al reino. La temática es de carácter moral y didáctico. Es una crítica amarga de lo que él considera como la decadencia de los valores tradicionales de la sociedad, y que conduciría al Renacimiento.La presente edición está en castellano antiguo, con algunas grafías actualizadas.

Basilio Villarino (1741-1785) fue un funcionario de la Corona española, destinado a fines del siglo XVIII a expediciones de reconocimiento en el norte de la Patagonia.Llegó al Rio de la Plata en 1773 en la fragata Perpetua, al mando del capitan Bustillos. Su largo viaje por la Patagonia argentina comenzó en 1778, con la exploración de los ríos Colorado, Negro, Deseado y Limay, entre otros.En 1779 formó parte de la expedicion de Francisco de Viedma, quien fundó Carmén de Patagones, y en 1782 recorrió las márgenes de los ríos Collon Cura y Negro, hasta la confluencia de este con el Limay y el Neuquen.Tras el descubrimiento de la isla Choele Choel, en 1783, renunció a seguir su viaje de exploración ante la hostilidad de los indígenas. Murió en enero de 1785 a manos de los indios del Cacique Negro, en la expedición a la sierra de la Ventana. Este diario recoge las observaciones de Villarino en el curso de sus viajes.

¡Hasta el cielo!, el primer drama en tres actos y en prosa con el que empezó su exitosa carrera de dramaturgo el médico José Peón Contreras en la Ciudad de México, fue muy comentada en los medios artísticos y culturales de aquellos días.Contreras está considerado como uno de los mayores exponentes del teatro romántico hispanoamericano. Su producción dramática comenzó a ser conocida entre 1861 y 1862. A partir de entonces, los estrenos de sus dramas y comedias se sucedieron sin solución de continuidad, y su fecunda prolijidad llegó a tal extremo que, en el transcurso del año 1876, llegaron a los escenarios mexicanos ocho dramas suyos, todos ellos recibidos con gran aplauso de críticos y espectadores. Entre ellos dichos drama cabe destacar ¡Hasta el cielo!A propósito de esta obra José Martí escribió:«Un Virrey de México amó a una mujer y pagó a un malvado para que diese muerte a su esposo: el secretario del Virrey, que sabe el crimen, pero no es conocido del alto personaje, ama a una joven que se educa en un convento, por el Virrey cuidada y protegida. El asesino, ya Marqués, ha exigido al Virrey la mano de la joven, que pasa por su pupila y es su hija. El secretario ha de estorbar el matrimonio: sabe que el pretendiente es el que mató a su padre: logra de Blanca una cita en su aposento: obsérvalo el Marqués, y entra tras él: vase Blanca con Sancho y el escudero de éste, mata en riña de espadas al malvado.()Blanca está en casa de Sancho, y el Virrey viene a dolerse con su secretario de su pérdida. El hijo quiere vengar al padre muerto, y hay en el amor de Blanca pretexto de venganza. Con enunciar la situación, se da a entender lo que ha hecho en ella el talento de un hombre que no sabe escribir sin poner en cada frase un latido de su corazón. Blanca oye que no es amada: el Virrey declara que los amantes son hermanos: él tuvo a Blanca en la madre de Sancho: todo dolor estalla; toda desventura es cierta: ya no han de verse nunca: ella irá a un convento: él no sabe dónde irá: adiós se dicen ¡Hasta el cielo!»

Las órdenes militares es un auto sacramental que se adentra en la complejidad de la teología y la moralidad a través de personajes alegóricos y acontecimientos históricos. Este drama religioso comienza con el personaje de la Culpa, quien se siente amenazada por el nacimiento de un príncipe sin pecado original que luchará contra ella. Esta apertura establece un tono de conflicto cósmico que se desarrolla a lo largo de la obra.Una escena particularmente notable involucra al Papa, quien emite una sentencia declarando la pureza y nobleza de María. Este acto permite que Jesucristo pase las pruebas de limpieza para unirse a una orden militar. Esta escena se refiere a la publicación de la bula Sollicitudo omnium ecclesiarum por el papa Alejandro VII, convirtiendo la obra en un comentario contemporáneo sobre eventos recientes de la Iglesia.El texto es denso en simbolismo y alusiones teológicas. La Culpa, por ejemplo, no es solo una figura abstracta, sino un personaje lleno de ira y temor, consciente de su papel en la historia de la humanidad desde el pecado original. Su monólogo inicial es un lamento cósmico que abarca tanto los cielos como la tierra, implicando que su influencia y su eventual derrota tienen ramificaciones universales.La obra también incluye referencias a textos bíblicos y teológicos, como los versos de Acaz y Job, que se incorporan para añadir capas de significado y complejidad. Estos textos no solo sirven para ilustrar las ideas teológicas en juego sino que también amplían el alcance de la obra más allá de una simple representación alegórica, abarcando la intertextualidad con las Escrituras y la tradición eclesiástica.Las órdenes militares es una obra rica en simbolismo y significado, que utiliza la forma del auto sacramental para explorar cuestiones de culpa, redención y la naturaleza eterna del conflicto entre el bien y el mal. A través de su hábil mezcla de personajes alegóricos, alusiones bíblicas y referencias históricas, la obra ofrece una visión profunda de las preocupaciones espirituales y teológicas de su tiempo. Es una pieza que desafía al espectador o al lector a contemplar las complejidades de la moralidad y la fe en un mundo lleno de pecado y redención.

Los mal casados de Valencia es una comedia de Guillén de Castro, publicada en Valencia en el año 1618.En esta obra un matrimonio, Álvaro e Hipólita, se aman y son felices. Pero una pareja amiga, Valerían y Eugenia quieren establecer vínculos sentimentales con el matrimonio: Valerián con Hipólita y Eugenia con don Álvaro, y aquí se inicia el embrollo de la trama.Tanto Valerían como Eugenia no son correspondidos. Elvira, un quinto personaje aparece en la trama. Está enamorada de don Álvaro y se disfraza de paje para no levantar sospechas, adoptando el nombre de Antonio.A través de este juego lleno de enredos las verdades sobre los personajes y sus amores salen a la luz. En Los mal casados de Valencia lo que iba a ser un pasatiempo divertido, acaba con lamentos.

Entre las obras de Guillén de Castro inspiradas en la Biblia destaca El mejor esposo (1617-1620).El teatro de Guillén de Castro tiene rasgos característicos personales, por lo que no se le puede considerar como puro discípulo de Lope de Vega. Aunque adoptó la preceptiva de Lope, no abandonó nunca la tradición teatral valenciana: el carácter urbano alejado de folclores, los ambientes rurales y las tradiciones campesinas.En su evolución podemos distinguir dos épocas. Una prelopista aún, de efectismo y violencias pasionales; y otra segunda etapa al estilo de Lope, ya más costumbrista.En El mejor esposo recrea escenas del Nuevo Testamento y aparecen, entre otros, la Virgen María y el Niño Jesús.

El diablo está en Cantillana se inspira en sucesos del siglo XV: Un capitán bajo las órdenes de Jofre Tenorio, almirante de Castilla durante las turbulencias de la minoría de Alfonso XI, recorre las cercanías de Sevilla sembrando el pánico. El capitán ejercía especialmente sus desafueros en Cantillana, por lo que los arrieros y caminantes se alejaban del lugar y acostumbraban a decir: «Vámonos por otra parte, porque el diablo está en Cantillana». El diablo también podría ser en el imaginario popular el maestro Juan Pacheco, que acompañó al rey Enrique IV en su viaje a Sevilla en 1469. Pacheco era una persona muy odiada en la capital sevillana, por lo que no se atrevió a entrar en ella y se hospedó en Cantillana. Hasta allí tenía que desplazarse el rey cada vez que quería despachar algún asunto con el aborrecido maestro. Luis Vélez cambió los personajes y parte de la trama pero mantiene como trasfondo de su obra la leyenda de Cantillana.

Pleito matrimonial del Cuerpo y el Alma es un auto sacramental de Pedro Calderón de la Barca. Es una obra puramente alegórico, es decir, sin referentes mitológicos, bíblicos o históricos, escrita en torno al año 1634.Calderón toma un tópico medieval y lo reescribe de acuerdo con las convenciones teatrales de la época y del género sacramental en concreto.Pleito matrimonial del Cuerpo y el Alma gira en torno al conflicto entre el pecado y la muerte, el cuerpo y el alma. Tras producirse la lucha entre lo espiritual y lo carnal, el cuerpo regresa a la sepultura y el alma sube al cielo.

El esclavo de Roma de Félix Lope de Vega es una obra teatral que se centra en la historia de amor entre Andronio y Flora durante el asedio romano de Cartago. Inspirada en las Epístolas familiares de Antonio de Guevara, la obra habla de amor, del destino, y los conflictos morales y emocionales que surgen de las circunstancias extremas del asedio.La historia se ubica en un escenario histórico complejo: el asedio romano de Cartago. Sin embargo, en lugar de centrarse en los aspectos bélicos o políticos, la obra lleva al espectador al corazón del drama humano. Andronio y Flora son personajes atrapados en una red de deberes familiares y expectativas sociales, personificados en la figura de Ariodante, el gobernador de Cartago, a quien Flora ha sido prometida en matrimonio contra su voluntad.El primer acto establece de manera eficaz el tono emocional de la obra y la complejidad de la relación entre Andronio y Flora. Andronio se encuentra en un dilema moral: aunque ama profundamente a Flora, también entiende que su deber es obedecer sus deseos, incluso si eso significa sufrir la dura sentencia de la ausencia de Flora. Este acto introduce la complejidad de los personajes y establece un ambiente de tensión emocional y conflictos internos que perdurará a lo largo de la obra.Flora, por su parte, es una figura trágica atrapada entre su amor por Andronio y las expectativas sociales que la atan a Ariodante. Su diálogo con Andronio refleja su confusión y angustia, y plantea preguntas sobre la autenticidad y la sinceridad en relaciones amorosas que están sujetas a las circunstancias adversas.El esclavo de Roma es una obra que explora la complejidad del amor en un contexto histórico y socialmente complejo. A través de personajes bien elaborados y un diálogo conmovedor, Lope de Vega ofrece una visión íntima de las emociones humanas en tiempos de crisis. La obra es una exploración del amor y una reflexión sobre los dilemas morales y emocionales que enfrentamos en situaciones extremas. Aunque se sitúa en un contexto histórico remoto, sus temas y conflictos son atemporales, lo que hace que esta siga siendo relevante y emocionalmente vivaz hoy en día.

La esclava de su galán, cuya fecha de composición más probable se sitúa hacia 1626. Pertenece al ciclo lopesco de las comedias de capa y espada ambientadas en Sevilla.Lope de Vega es uno de los autores más prolíficos del Siglo de Oro español, que alcanza una de las metas más deseadas de los artistas de todas las épocas: la edificación de un teatro auténticamente nacional y popular. Un teatro que supo ser testigo de su tiempo. Ademas de hacerse eco del sentir y el pensar, el saber y el querer del público, que era el pueblo.La esclava de su galán está en la línea de las comedias famosas del Siglo de Oro Español. Narra un malentendido amoroso a causa de celos que acabará por provocar varias situaciones humorísticas y de enredo.Elena y Juan son dos jóvenes enamorados. El amor peligra porque don Fernando, padre de Juan, quiere que este tome los hábitos para heredar su hacienda, lo que le impide poder casarse con ella. Para evitar perder al joven, Elena traza un plan: se hace pasar por una esclava en casa de su galán.

Antíoco y Seleuco es una obra dramática del Siglo de Oro español, escrita por Agustín Moreto y Cabaña. Aquí se tratan con intensidad las intrigas y rivalidades en el seno de la dinastía Seléucida tras la muerte de Seleuco II. Se explora el poder, la traición y las complejidades de las relaciones familiares en un contexto histórico de gran relevancia.La pieza se desarrolla en torno a los personajes de Antíoco y Seleuco, hijos de Seleuco II, quienes se enfrentan a los desafíos del legado político y personal dejado por su padre. Antíoco III Megas, uno de los protagonistas, asciende al poder en circunstancias marcadas por la desconfianza y el conflicto, destacándose su breve reinado y su trágica muerte por envenenamiento a manos de sus propios generales.Moreto utiliza el drama para reflexionar sobre las ironías del destino y las fallas morales de sus personajes, infundiendo a la narrativa un tono tanto trágico como didáctico. La obra escenifica las luchas por el poder; se adentra en los dilemas éticos y personales de sus figuras centrales, ofreciendo un estudio profundo sobre la naturaleza humana y la responsabilidad política.En cuanto a la estructura, esta obra está meticulosamente compuesta, con diálogos que reflejan la maestría de Moreto en el manejo del lenguaje del Siglo de Oro. Los personajes están bien desarrollados, y sus interacciones aportan una rica textura emocional y psicológica al drama.Antíoco y Seleuco es un espejo de las tensiones políticas de su tiempo, testimonio de los conflictos universales del ser humano frente al poder y la moral.

El conde don García de Castilla es una tragedia de Lorenzo María de Villarroel ambientada en el reinado de Bermudo III cuyo gobierno estuvo marcado por un suceso acaecido en su capital, León.En 1029, el conde castellano García Sánchez acudió a la ciudad de León para casarse con Sancha, la hermana de Bermudo III. Una vez allí, fue asesinado por integrantes de la familia Vela, en venganza de una afrenta. Bermudo invadió entonces Castilla para tratar de hacer valer sus derechos, obtenidos por su matrimonio con Munia, hermana del fallecido, y conquistó las tierras comprendidas entre los ríos Cea y Pisuerga.

En Los cautivos de Argel Lope de Vega se inspira en la comedia de Miguel de Cervantes Saavedra El trato de Argel. Ambas obras tienen como trasfondo las relaciones entre moros y cristianos, la nostalgia por la patria, la identidad puesta en duda y defendida.Los cautivos de Argel narra la historia de Francisco, morisco valenciano, que viaja a Argel y se convierte al Islam. Siguiendo los consejos del corsario turco Dalí allí empezará una nueva vida. La trama está llena de peripecias.Francisco combate en la guerra del corso; mientras, Felis, caballero de la Orden de Montesa sufre los horrores de martirio. Hay también una serie de amores cruzados, propios de la comedia de enredo y la novela bizantina, entre Leonardo y Marcela.Esta obra mantiene el interés cervantino en narrar la experiencia dolorosa de la pérdida de libertad en un país extranjero. Asimismo el anhelo de escapar y volver a la tierra natal es su tema de fondo.

El anticristo es una comedia original de Juan Ruiz de Alarcón. Apareció por primera vez en la Parte segunda de las comedias del licenciado Juan Ruiz de Alarcón y Mendoza, Relator del Consejo de Indias, publicada en Barcelona, por Sebastián de Cormellas, en 1634.Es una obra de correcta versificación, que relata la historia del Anticristo, villano por excelencia del teatro alarconiano.

La hija de las flores o Todos están locos (1852) es una obra de teatro escrita por Gertrudis Gómez de Avellaneda, una de las más destacadas dramaturgas hispanas de todos los tiempos.La hija de las flores cuenta la historia de una mujer joven que, abandonada siendo aún una bebé en el jardín de una casa de campo, es adoptada por dos criados que la bautizan con el nombre de Flora.El origen de la joven Flora resulta ser el misterio que atraviesa toda la obra. Don Luis y el Conde (mentor del primero) van a visitar la casa de campo donde Flora vive. Allí se reunirán con Doña Inés para finalizar los últimos arreglos del matrimonio desigual (por la diferencia de edad e intereses) entre esta última y Don Luis.En la obra es claro que Luis y Beatriz no desean casarse. Sin embargo, por no romper con las convenciones sociales establecidas piensan continuar adelante con los planes de este matrimonio por conveniencia.Un día, cuando Luis camina por el campo encuentra a Flora. Inmediatamente se enamora de ella. A la vez, Flora también se enamora de él y así comienzan las complicaciones o los enredos de esta comedia.En La hija de las flores el conflicto creado se debe a la individualidad de los personajes y a su confrontación con estructuras sociales predeterminadas, que promueven la sumisión de hombres y mujeres. A lo largo de los tres actos que dura la comedia, Gertrudis Gómez de Avellaneda critica la hipocresía social, la discriminación hacia la mujer y los matrimonios arreglados.

Ambientada en «un Madrid absurdo, brillante y hambriento», Luces de bohemia es la primera de las obras teatrales que el propio Valle-Inclán calificó de esperpento. Se trataba de un nuevo género teatral. Una manera de observar el mundo que le valdría un lugar de honor en la literatura en lengua española del siglo XX.Es el propio protagonista de la pieza teatral, Max Estrella, un poeta muerto de hambre y ciego, quien acuña el término en la Escena Duodécima:«El esperpentismo lo ha inventado Goya. [] Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida española solo puede darse con una estética sistemáticamente deformada. [] España es una deformación grotesca de la civilización europea. [] Las imágenes más bellas en un espejo cóncavo son absurdas».En Luces de Bohemia Valle-Inclán denunciaba la realidad de su época. A través de Max, se disecciona la España de la Restauración. Era, en la visión de Valle-Inclán, un país opresivo, injusto e inconsciente de su propia monstruosidad.Este es un arquetipo célebre en la literatura. Existe desde Edipo, el mítico Homero y Demócrito. Y lo vemos aquí en la ceguera de Max, que se convierte en la base paradójica de una mirada más lúcida.Los escritores y artistas bohemios y las dificultades y grandezas de su estilo de vida son el tema de fondo. El argumento es la muerte de Max Estrella, bohemio y anarquista, en parte inspirado en el poeta modernista Alejandro Sawa, amigo de Valle-Inclán.Max es acompañado y traicionado por don Latino en su última noche.

Durante el siglo de Oro el espectáculo teatral consistía en la representación de una comedia acompañada de uno o varios entremeses, piececillas breves cuyo principal propósito era el de divertir al espectador, algunos de tan excelente factura como los escritos por Lope de Rueda, Miguel de Cervantes Saavedra y Pedro Calderón de la Barca.De la producción de entremeses de Calderón de la Barca, el denominado «Las Carnestolendas» aparece como uno de los más complejos y completos. Es una obra de las denominadas piezas «breves», o como se suelen llamar, «menores». Sin embargo representa, un momento del entremés calderoniano en que se cifra el arte del dramaturgo barroco.La presente selección de Entremeses contiene las siguientes piezas:Las CarnestolendasLa casa holgonaEl desafío de Juan RanaDon PegoteEl dragoncilloLa franchotaGuardadme las espaldasLos instrumentosLas jácarasLa pedidoraLa plazuela de Santa CruzLa rabiaEl reloj y genios de la ventaEl sacristán mujerEl Toreador

La utopía vacía es una antología fundamental para comprender las complejas relaciones entre la intelectualidad y el poder en Cuba, particularmente en el contexto de la Revolución Cubana y su posterior evolución. Esta compilación de ensayos analiza las dinámicas entre el Estado y los intelectuales, enfocándose en un evento crítico de la política cultural cubana: las palabras a los intelectuales pronunciadas por Fidel Castro en 1961.La frase Con la Revolución todo, contra la Revolución nada se convirtió en un lema que delimitó el horizonte de lo permisible en el ámbito cultural de la isla, estableciendo una frontera rígida que los intelectuales debían negociar. El libro recoge las reflexiones de destacados ensayistas cubanos como:Carlos A. Aguilera,Rafael Rojas,Duanel Díaz,Jesús Jambrina,Víctor Fowler,Iván de la Nuez,Alessandra Molina,Ernesto Hernández Bustoy Rolando Sánchez Mejías,quienes aportan diversas perspectivas y análisis críticos sobre la relación entre la creación intelectual y el marco político-ideológico impuesto por la Revolución.Los ensayos aquí reunidos por Carlos A. Aguilera, revisitan los discursos y políticas del pasado, y tratan de discernir cómo los intelectuales han navegado, resistido o incluso colaborado con el sistema, iluminando las complejidades y a veces las contradicciones inherentes al acto creativo bajo un régimen que pretende ser tanto mecenas como censor.La utopía vacía hace una crítica perspicaz y necesaria de la política cultural en Cuba. Analiza cómo los ideales revolucionarios colisionaron con la realidad del arte y el pensamiento, y da testimonio de la lucha por la libertad de expresión en un contexto donde la utopía prometida se enfrentó a la pragmática vacuidad de su realización. Es un llamado a la reflexión sobre el papel del intelectual en la sociedad y sobre la naturaleza de la cultura en un Estado que busca definir y limitar su expresión.