Ficción

Amadís de Gaula es una obra maestra de la literatura fantástica en castellano y el más famoso de los llamados libros de caballería, que hicieron furor a lo largo del siglo XVI en España. A fines del siglo XV Garci Rodríguez de Montalvo preparó su versión definitiva, cuya edición más antigua conocida es la de Zaragoza 1508, con el nombre de Los cuatro libros de Amadís de Gaula, pero se trata de una obra muy anterior, que ya existía en tres libros desde el siglo XIV, según consta en obras del canciller Pero López de Ayala y de Pero Ferrús. Montalvo confiesa haber enmendado los tres primeros libros y ser el autor del cuarto. Todo indica que la versión original de Amadis era portuguesa. Se ha atribuido a diversos autores: la Crónica portuguesa de Gomes Eanes de Azurara, escrita en 1454, menciona como su autor a un tal Vasco de Lobeira que fue armado caballero en la batalla de Aljubarrota (1385). Otras fuentes dicen que el autor fue un tal João de Lobeira, y no el trovador Vasco de Lobeira.La aceptación del Amadís de Gaula determinó que dicha obra se transformara en paradigma o modelo de referencia para otros escritores. La historia del heroico caballero andante que destacaba por su idílica fidelidad amorosa fue un punto de partida para un género literario y editorial muy duradero.Los libros de caballerías se escriben y se difunden exitosamente durante los mismos años en los que, tras el descubrimiento del Nuevo Mundo, los castellanos se lanzan a la conquista y colonización de unas tierras donde muchos depositan sus sueños y sus esperanzas. Curiosamente, entre estos dos fenómenos, el literario y el histórico, va a producirse una estrecha relación simbiótica.

Diego de Torres Villarroel (1694-1770) publicó su Vida, ascendencia, nacimiento, crianza y aventuras entre 1742 y 1758. Cuando publica la Vida, Torres Villarroel era ya un hombre célebre. Su fama le venía ante todo de los Almanaques y Pronósticos que había comenzado a publicar en 1718.En la Vida y ascendencia de don Diego de Torres Villarroel el autor utilizó la tradición picaresca para hacer del género autobiográfico, a diferencia de muchos de sus contemporáneos que lo practicaron, una biografía, o una visión muy precisa y detallada, de una clase social emergente en el siglo XVIII, la burguesía, a la que, en cierto modo, él perteneció.Considerado durante mucho tiempo la última novela de la tradición picaresca, hoy se prefiere incluir la Vida en el género de la autobiografía. El interés de la obra se concentra en la persona misma del autor, juzgada moralmente de forma positiva. Se diría que Torres hace la apología de sí mismo, de si inteligente voluntad que lo lleva a un ascenso concreto en la escala social.

Los Artículos de Mariano José de Larra son consecuencia de dos acontecimientos del siglo XIX. El auge de la prensa y el surgimiento del romanticismo. Como muchos autores románticos, Larra combinó sus actividades periodísticas y literarias con su interés en la política. Fue un escritor comprometido en el sentido más moderno y completo del término.Larra cultivó diferentes géneros literarios, pero es más conocido por sus artículos periodísticos, escritos bajo el seudónimo de Fígaro o el de El pobrecito hablador. Su actividad periodística puede clasificarse en artículos de costumbres, artículos literarios y artículos políticos.Larra sufrió tal vez más que otros intelectuales, el choque entre ideal y realidad. Vivió en la primera mitad del siglo XIX, sobrevivió a la muerte del absolutismo encarnado en la figura de Fernando VII.Algunos de los autores de la generación del 98, se identificaron con él, por su forma de sentir intensamente los males de su país, su idealismo y también su pesimismo. Larra no era no solo un escritor romántico, sino también un hombre moderno. Siempre quiso que España abandonara el atraso económico y cultural y escogió como medio sus artículos periodísticos donde denunciaba todo tipo de abusos.Larra decidió editar sus artículos y los clasificó en dramáticos, literarios, políticos y de costumbres, pero advirtió que su propósito era mantener el orden cronológico para reflejar mejor la época, ya que él fue testigo y cronista de su tiempo.A continuación citamos los artículos que componen esta selección:Empeños y desempeños (artículo parecido a otros)El casarse pronto y malEl castellano viejoVuelva usted mañanaEn este paísLa educación de entoncesUn reo de muerteLiteraturaEl día de difuntos de 1836. Fígaro, en el cementerioLa Nochebuena. Delirio filosófico

El Abencerraje es un relato de Antonio de Villegas inspirado en un romance célebre en el siglo XVI. Se trata de la Historia del Abencerraje y la hermosa Jarifa.El resumen de los acontecimientos es el siguiente:Rodrigo sale una noche de su castillo a patrullar con sus soldados y capturan un prisionero: Abindarraez, quien iba a ver a Jarifa, su amada.Rodrigo lo deja irse tras oír su promesa de volver dentro de tres días para ser su prisionero de nuevo.Abindarraez acepta, agradecido, y cumple su palabra regresando acompañado de Jarifa, con quien se ha casado sin el consentimiento del padre de ella.Al ver honradez de Abindarraez, don Rodrigo le escribe al rey de Granada para que este convenza al padre de Jarifa de que les perdone, y permite que los dos enamorados puedan volver a su tierra natal.Una diferencia importante entre esta versión de El Abencerraje y otras versiones de la misma historia es que Antonio de Villegas construye su novela diviéndola en tres cartas:Carta de Rodrigo de Narváez alcaide de Alora, para el rey de GranadaCarta del Abencerraje Abindarraez, al alcaide de AloraCarta de el alcaide de Alora, a la hermosa JarifaLa historia de amor entre Abindarraez y Jarifa fue incluida, desde 1561, en Los siete libros de la Diana, de Jorge de Montemayor.También Lope de Vega compuso inspirado en el Abencerraje su comedia El remedio en la desdicha, publicada por Linkgua ediciones.

Amadís de Gaula es una obra maestra de la literatura fantástica en castellano y el más famoso de los llamados libros de caballería, que hicieron furor a lo largo del siglo XVI en España. A fines del siglo XV Garci Rodríguez de Montalvo preparó su versión definitiva, cuya edición más antigua conocida es la de Zaragoza 1508, con el nombre de Los cuatro libros de Amadís de Gaula, pero se trata de una obra muy anterior, que ya existía en tres libros desde el siglo XIV, según consta en obras del canciller Pero López de Ayala y de Pero Ferrús. Montalvo confiesa haber enmendado los tres primeros libros y ser el autor del cuarto. Todo indica que la versión original de Amadis era portuguesa. Se ha atribuido a diversos autores: la Crónica portuguesa de Gomes Eanes de Azurara, escrita en 1454, menciona como su autor a a un tal Vasco de Lobeira que fue armado caballero en la batalla de Aljubarrota (1385). Otras fuentes dicen que el autor fue un tal João de Lobeira, y no el trovador Vasco de Lobeira.La aceptación del Amadís de Gaula determinó que dicha obra se transformara en paradigma o modelo de referencia para otros escritores. La historia del heroico caballero andante que destacaba por su idílica fidelidad amorosa fue un punto de partida para un género literario y editorial muy duradero.Los libros de caballerías se escriben y se difunden exitosamente durante los mismos años en los que, tras el descubrimiento del Nuevo Mundo, los castellanos se lanzan a la conquista y colonización de unas tierras donde muchos depositan sus sueños y sus esperanzas. Curiosamente, entre estos dos fenómenos, el literario y el histórico, va a producirse una estrecha relación simbiótica.

Paco Yunque es un relato que revela la preocupación de César Vallejo por plasmar temas sociales e ideológicos, y además muestra la concepción estética de un arte comprometido y la manera en que el autor, que no podía ser neutral en lo político y en lo social, concibió la ficción como un medio para llegar al lector y despertar su conciencia. Paco Yunque se inscribe dentro del período de «realismo socialista».El cuento nos narra la historia de Paco Yunque, un niño tímido y humilde que sufre las humillaciones y maltratos del hijo de los patrones de su madre pero debe resistir en silencio. Tenemos por un lado a Humberto Grieve que es el hijo de un inglés gerente de una empresa de ferrocarriles y alcalde del pueblo, y por el otro tenemos a los desposeídos, a la familia Yunque que son los sirvientes de los Grieve.Humberto Grieve es un niño que ostenta mucho poder económico, que sabe humillar, que reproduce los modos clasistas familiares y que maltrata a sus semejantes trasladando la dinámica de dominación familiar al colegio. Así como la madre y el padre de Paco Yunque son los sirvientes de los padres de Humberto Grieve, así, desde la perspectiva de Humberto Grieve, Paco Yunque es su sirviente.

Enrique José Varona (1849-1933) fue el principal representante del positivismo en Cuba. Las ideas positivistas y liberales le sirven a Varona como instrumento de combate contra el dominio colonial español y en defensa de la libertad y de la democracia burguesa.Tras una inicial formación autodidacta en disciplinas como la literatura, sociología, psicología y filosofía, y siendo ya una figura pública, se licenció y doctoró en Filosofía en 1891.Ya había publicado en la Revista de Cuba una serie de artículos filosóficos, entre los que sobresalen «El Positivismo», «La moral en la evolución», ambos de 1878 y «La metafísica en la Universidad de La Habana», de 1880. Vinculado en un principio al movimiento por la independencia, se adscribió después al Partido Autonomista y fue elegido diputado a Cortes en 1884.Atraído otra vez por Martí para la causa independentista, dirigió desde el exilio el periódico Patria. Durante la ocupación norteamericana de Cuba fue nombrado secretario de educación iniciando una reforma de la enseñanza. Más tarde fue presidente del Partido Conservador y ocupó la vicepresidencia de la República en 1913.Retirado de toda actividad política trabajó en su cátedra de sociología en la universidad. Durante la mayor parte de su vida intelectual, Varona, asumió posturas positivistas influidas por las ideas de Spencer y Stuart Mill. Sin embargo alrededor de 1912 su pensamiento estuvo marcado por el escepticismo. En sus últimos años condenó la dictadura de Gerardo Machado.

Desde su inicio esta novela muestra su estilo realista y expone los conflictos de Martín Rivas, recién llegado a Santiago de Chile con la intención de abrirse mundo.A principios del mes de julio de 1850, atravesaba la puerta de la calle de una hermosa casa de Santiago un joven de veintidós a veintitrés años.Su traje y sus maneras estaban muy distantes de asemejarse a las maneras y al traje de nuestros elegantes de la capital. Todo en aquel joven revelaba al provinciano que viene por primera vez a Santiago. Sus pantalones negros embotinados por medio de anchas trabillas de becerro, a la usanza de los años de 1842 y 43; su levita de mangas cortas y angostas; su chaleco de raso negro con grandes picos abiertos, formando un ángulo agudo, cuya bisectriz era la línea que marca la tapa del pantalón; su sombrero de extraña forma y sus botines, abrochados sobre los tobillos por medio de cordones negros, componían un traje que recordaba antiguas modas, que solo los provincianos hacen ver de tiempo en tiempo por las calles de la capital.La trama de Martín Rivas es muy intrincada, contiene deseos, ambición, diferencias de clase, intrigas políticas y malentendidos que convierten su vida de Martín en una carrera épica por el reconocimiento social y el amor.

Noli me tangere es el texto más célebre de José Rizal. En 1887 Rizal publicó esta novela sobre la sociedad filipina del siglo XIX en medio de su actividad política. Pretendía denunciar los desmanes del gobierno español y sus instituciones religiosas, a través de un relato en el que comparecen las clases sociales imperantes, el amor y la reflexión filosófica.Esta novela, de indudable contenido histórico, es también una obra de un fuerte contenido social.Cuando Rizal volvió a las Filipinas tras terminar sus estudios médicos, lo deportaron a Dapitan, en la isla de Mindanao. Noli me tangere creó tanta controversia que el gobernador general Emilio Terrero y Perinat recibió a Rizal en el Palacio de Malacañán para informarle de que su libro era subversivo.Después fue encarcelado por «incitar a la rebelión» a través de sus escritos. Y en 1896, a la edad de treinta y cinco años, lo ejecutaron en Manila.Noli me tangere es una novela costumbrista sobre la Filipinas de la época anterior a su independencia de España. Y, también, una novela romántica y sentimental de amores contrariados o imposibles.A todo ello se añade una reflexión política sobre las difíciles relaciones de la colonia con su metrópoli. Hay, además, un alegato contra la degradación moral de la sociedad filipina por la imposición de una religiosidad en los límites de la superstición.En una carta a su amigo Félix Resurrección Hidalgo, pintor filipino residente en Madrid, Rizal explica el porqué del título Noli me tangere. Es una expresión bíblica, concretamente de Juan 20:17, cuando Jesús, tras su resurrección, evita el contacto de María Magdalena diciéndole «deja de tocarme»:«El libro contiene cosas de las que nadie entre nosotros ha hablado hasta el presente; son tan delicadas que no pueden ser tocadas por ninguna persona. En lo que a mí toca, he intentado hacer lo que nadie ha querido. Yo he querido responder a las calumnias que por tantos siglos han sido amontonadas sobre nosotros y nuestro país.»

Tristana de Benito Pérez Galdós es una obra perteneciente al grupo de las llamadas Novelas Españolas Contemporáneas, trata con aguda sensibilidad el tema de la opresión de la mujer en la sociedad de finales del siglo XIX. Publicada en 1892, la novela se ubica en el contexto de la narrativa realista, un género que Galdós dominaba con maestría.La protagonista, Tristana, es una joven huérfana que queda al cuidado de don Lope Garrido, un hombre maduro que combina el paternalismo con un papel de amante. La novela se desarrolla en el barrio de Chamberí en Madrid, lo que añade una capa de textura y color local a la narrativa. Don Lope es un personaje complejo, una mezcla de valores caballerescos pasados de moda y una moralidad cuestionable. La novela examina cómo ejerce un despotismo seductor sobre Tristana, apagando cualquier atisbo de independencia o iniciativa en ella.La emancipación de la mujer y su lucha contra la opresión patriarcal son el núcleo de la novela. Tristana, que inicialmente parece aceptar su situación, comienza a despertar a la realidad de su opresión cuando conoce al pintor Horacio Díaz. Este nuevo amor sirve como catalizador para que Tristana cuestione su situación y asuma una postura más independiente y autónoma.Galdós emplea un estilo realista para plasmar la vida y costumbres de la época, pero también incursiona en la psicología de sus personajes para ofrecer una visión más completa de sus conflictos internos. La narrativa es fluida y cada detalle, desde la descripción de los personajes hasta el ambiente en el que se desarrolla la historia, está cuidadosamente elaborado para aportar a la comprensión del tema central.La relación entre Tristana y don Lope sirve como un microcosmos para explorar temas más amplios relacionados con el poder, la autonomía y la moralidad. Tristana es una obra que va más allá de su tiempo y su lugar para ofrecer una exploración atemporal de temas como la opresión de género, la lucha por la autonomía y la complejidad de las relaciones humanas. Galdós muestra su maestría al combinar un rico detalle ambiental con un profundo análisis psicológico, lo que convierte a Tristana en una obra imprescindible para entender la literatura española del siglo XIX y los eternos dilemas humanos relacionados con el amor, el poder y la libertad.

A mediados del siglo XVI, El Crotalón aparece en medio de la polémica desatada por la Reforma. Este contexto añade una capa de complejidad a la obra, que busca cuestionar y reformar las normas y costumbres de la sociedad.Cristóbal de Villalón tomó como punto de partida El gallo de Luciano de Samósata, un texto que ya de por sí es crítico con la sociedad. Sin embargo, Villalón va más allá al utilizar este marco para ofrecer una diatriba contra el estado de la sociedad europea y española de su tiempo. El último capítulo, en particular, se torna en una crítica aguda y satírica que no deja títere con cabeza.Lo que distingue a El Crotalón es su base en el erasmismo, una corriente de pensamiento que abogaba por la reforma religiosa y la moralidad. Este enfoque le permite a Villalón revisar las costumbres morales de la época, colocándolo en la línea de los grandes reformadores del Renacimiento europeo. De este modo, la obra no solo es una crítica social sino también una llamada a la reforma moral y ética.El autor logra un equilibrio magistral entre el entretenimiento y la educación, utilizando un estilo que él mismo describe como doctrinal abscondida y solapada debajo de facicias, fábulas, novelas y donaires. Este enfoque multifacético hace que la obra sea accesible a un público amplio, mientras que su profundidad la hace digna de un estudio serio.El título El Crotalón (o Crótalon) tiene un doble significado. Por un lado, es un juego de sonajas o terreñuelas, lo que apunta al elemento de entretenimiento de la obra. Por otro lado, siendo una palabra griega, añade una dimensión intelectual y cultural al texto, enriqueciendo su interpretación.El Crotalón de Cristóbal de Villalón es una obra compleja y rica que desafía las categorizaciones simples. Su mezcla de crítica social, reforma moral y entretenimiento la convierte en una obra significativa en la literatura española del Siglo de Oro. Su habilidad para entrelazar estos diferentes elementos demuestra no solo la habilidad de Villalón como escritor, sino también la relevancia perdurable de su obra en los debates sobre moralidad, religión y sociedad.

«Los ojos y los oídos se juntan en un mismo goce, y el camino craso de los números musicales se sutiliza en el éter de la luz.»Sin duda para Ramón del Valle-Inclán las cosas más bellas creadas por los hombres, son para los ojos y los oídos. Por ello, el alma que expresan las letras pertenece a la música. Sonatas, es el esfuerzo de Valle-Inclán por conseguir una prosa rítmica, la voluntad de que su prosa se acerque lo más posible a la música.En Sonata de primavera la elección de cada palabra no se reduce solo a la carga intelectual o sentimental. Importan más las asociaciones sonoras que suscita esa palabra en el texto y la relación que establece con el resto.Las Sonatas representan la cima del arte de Valle-Inclán en su etapa modernista. Son cuatro novelas cortas pero con relaciones internas que las hacen una obra unitaria:Sonata de otoño, 1902,Sonata de estío, 1903,Sonata de primavera, 1904y Sonata de invierno, 1905.Las Sonatas cuentan las memorias ficticias del Marqués de Bradomín, un alter ego del propio Valle-Inclán que se define con aquellos famosos epítetos de «feo, católico y sentimental».En cada una de las sonatas el marqués va rememorando con nostalgia distintas etapas de su vida. Las sonatas suceden a su vez en lugares y un ambiente social que el escritor demuestra conocer muy bien.En Sonata de primavera nos presenta a un joven protagonista, que sirve como mensajero del Vaticano. Luego es enviado al Palacio Gaetani, donde intentará conquistar a la hija mayor de la princesa, María del Rosario, que está a punto de tomar los hábitos. Ella lo toma por el diablo y huye de él.El amor, el satanismo, la fe y la muerte son los principales temas que Valle-Inclán ha abordado en este libro.

Vida y hechos de Periquillo Sarniento redactada por él y para sus hijos era el nombre original de la novela cuando se publicó en el año 1816 en una versión de tres tomos, escrita por José Joaquín Fernández de Lizardi. Hay un cuarto tomo que fue censurado por criticar la esclavitud. No se publicaron completos bajo el título El periquillo Sarniento  hasta 1830, ya muerto Lizardi. Esta es la historia de esta novela de corte picaresco considerada como primera del género escrita en Latinoamérica.La obra cuenta la vida de un anciano, Pedro Sarmiento, alias «el Periquillo Sarniento», que ante la cercanía de la muerte escribe su biografía «con la sana intención de que mis hijos se instruyan en las mate

Vida del padre Baltasar Álvarez es una obra que combina elementos biográficos y reflexiones espirituales, centrada en la vida y la ascesis cristiana del Padre Baltasar Álvarez. Escrita por Luis de la Puente en un período en el que la Compañía de Jesús estaba en expansión, la obra se convierte en un testimonio valioso sobre la práctica y la filosofía religiosa de la época.El texto no es simplemente una biografía en el sentido tradicional; más bien, se trata de un documento que ofrece una profunda introspección en los esfuerzos de martirio y purgación que marcaron la vida del Padre Baltasar. Este enfoque le confiere una dimensión única, haciendo de la obra una fuente inestimable para aquellos interesados en estudiar los fundamentos del cuidado del espíritu en la historia de las religiones.El prólogo, dirigido Al cristiano lector, establece la intención de la obra de servir tanto como un modelo moral como una forma de perpetuar la memoria de un hombre virtuoso. Este enfoque didáctico es una característica común de la literatura religiosa del siglo XVI, donde la vida de un individuo se presenta como un ejemplo a seguir, una encarnación de los ideales espirituales y morales de la época.Luis de la Puente emplea un lenguaje que refleja la solemnidad y la gravedad de los temas tratados. Además, la obra se inserta en el contexto más amplio del legado de la Compañía de Jesús, contribuyendo a la comprensión de la espiritualidad jesuítica, marcada por la disciplina, el ascetismo y un profundo compromiso con la vida interior.Vida del padre Baltasar Álvarez es más que una simple biografía; es una obra reflexiva que ofrece una ventana a la espiritualidad y la ética religiosa de su tiempo, convirtiéndose en un material esencial para cualquiera interesado en la historia del cristianismo, la ascesis y el desarrollo espiritual. Su enfoque en la virtud y la santidad lo convierte en un texto atemporal, cuya relevancia trasciende su contexto histórico para ofrecer lecciones duraderas sobre la búsqueda de una vida significativa y virtuosa.

Vida de Juan Facundo o civilización y barbarie (1845) es uno de los libros más representativos de la literatura argentina del siglo XIX. Su dicotomía «civilización o barbarie» tuvo una influencia en la vida cultural y política de la Argentina, desde su aparición hasta el presente.Es una biografía con profundos elementos reflexivos que retrata el temperamento de un tirano de la Argentina. Su autor, Domingo Faustino Sarmiento, se esfuerza en captar con todos sus matices a un tipo de carácter autoritario que marcó la historia del siglo XIX americano. Sarmiento no solo se ocupa del personaje en cuestión sino que se interesa por el contexto en que éste vivió.Tal como indica el título de texto, Sarmiento se propone narrar la vida de Facundo Quiroga. Meses antes había escrito una biografía del caudillo mendocino Fray Félix Aldao y, al final de su vida, escribió la biografía de su hijo, Domingo Fidel Sarmiento.Vida de Juan Facundo fue escrita a modo de folletín y apareció por casi tres meses en el diario El Progreso. Fue durante el exilio de Sarmiento en Santiago de Chile. La obra está dividida en tres partes:la primera se refiere al paisaje,la segunda traza la biografía de Quirogay la tercera teoriza sobre la organización política del país, centrada en la figura de Juan Manuel de Rosas.

El Libro de los enxiemplos del conde Lucanor et de Patronio (entre 1325 y 1335), de don Juan Manuel, tiene cuentos basados en fuentes orientales (sobre todo las colecciones de apólogos del Sendebar y el Calila e Dimna) y cristianas (la Disciplina clericalis de Pedro Alfonso). Entre los cuentos destacan el sueño mágico de don Illán, que inspiró La prueba de las promesas de Juan Ruiz de Alarcón; el de los tejedores que hicieron un paño invisible al rey, utilizado por Miguel de Cervantes Saavedra en El retablo de las maravillas; y el del mancebo casado con una mujer brava, que inspiró La fierecilla domada de William Shakespeare.La presente edición es en castellano antiguo.

Este Diccionario dividido en cuatro tomos, suma más de 2.000 páginas. Contiene las fichas biográficas de los escritores cubanos más relevantes hasta 1980, año de su publicación. Incluye también entradas dedicadas a géneros literarios y publicaciones (revistas y periódicos).Los trabajos de preparación del Diccionario de la literatura cubana empezaron en 1966 en el Instituto de Literatura y Lingüística de la Academia de Ciencias de Cuba.La edición de estos cuatro volúmenes estuvo a cargo de los sucesivos jefes del Departamento de Literatura del Instituto de Literatura Cubana:Ángel Augier,Mary Cruzy Sergio Chaple.Asimismo colaboraron, entre otros:Jesús Abascal,Armando Álvarez Bravo,Roberto Branly,Celia Martínez Páez,Manuel Díaz Martínez,Alberto Rocasolano,Enrique Saínz de la Torriente,Adolfo Suárez,Cintio Vitier,Fina García Marruz,Salvador Bueno,José Lezama Lima,Salvador Ariasy Rine Leal.Pese, a sus polémicas omisiones de numerosos autores cubanos del exilio, como es el caso de Guillermo Cabrera Infante; o conservadores, como Alberto Lamar Schweyer, durante las últimas décadas este Diccionario de la literatura cubana ha sido el texto de referencia en los estudios sobre la literatura de Cuba.

Domingo del Monte fue un escritor y crítico literario cubano. Su obra Centón epistolario (1823-1857), recoge la correspondencia recibida a lo largo de su vida y ordenada por él mismo. Estas cartas ofrecen datos esenciales sobre la historia política y literaria cubana de los años 1822-1843. Constituyen una de las obras más excepcionales, originales y útiles de la historia intelectual cubana.El Centón se editó en siete tomos entre 1923 y 1957 por la Academia de la Historia de Cuba. Reúne cerca de 2.000 cartas de personalidades de diversas partes del mundo. Domingo Figarola-Caneda estuvo a cargo de la edición (publicó los tres primeros tomos), con el nombre de Centón Epistolario de Domingo del Monte.Domingo del Monte fue parte del grupo de creadores de la Academia LiterariaCubana y director de la Revista Bimestre de la Isla de Cuba (1831-1843). En ella publicó una pequeña parte de su amplia producción literaria.También fue editor de La Moda o Recreo semanal del bello sexo en 1829 y El puntero literario, en 1830. Integró también la Sociedad Económica de Amigos del País, siendo Secretario de la Sección de Literatura en el 1830.Del Monte fue más un hombre que disfrutaba y promovía la cultura que un soñador que busca una trascendencia en su obra como autor. Sin embargo, esa tendencia la tuvo como promotor cultural de toda una generación de escritores cubanos. Así lo reconocieronJosé Antonio Saco,Rafael María Mendive,José Jacinto Milanés,Antonio Bachiller y Morales,Félix Varela y, en frase sintéticay José Martíquien afirmó que era: «el cubano más real y útil de su tiempo».

La segunda parte de La Regenta, obra maestra del escritor español Leopoldo Alas Clarín, continúa explorando la vida y las tribulaciones de Ana Ozores en la ciudad imaginaria de Vetusta. Publicada entre 1884 y 1885, la novela se distingue por su aguda introspección psicológica y su detallada descripción del entorno social y moral en el que se desenvuelven sus personajes.El inicio de parte está marcado por el invierno en Vetusta es más que un cambio climático; transforma el estado emocional de sus habitantes, y en particular de Ana Ozores. Este período se presenta como un tiempo de introspección y, en el caso de Ana, de angustia creciente. La descripción del veranillo de San Martín y la reacción de los vetustenses frente al cambio estacional se convierte en una metáfora que abarca desde la resignación hasta la lucha contra la inevitabilidad del destino. Ana, lejos de resignarse, siente que el inicio del invierno intensifica su propia crisis existencial.La tristeza que embarga a Ana Ozores no es simplemente el resultado de un cambio estacional, sino una manifestación más profunda de su conflicto interno. Enfrentada a las normas sociales de una ciudad que se muestra como el último reducto de una moralidad anticuada, Ana lucha contra el estigma del adulterio y las normas que la confinan a un rol predefinido. Su angustia es un grito silencioso contra la opresión, tanto climática como social, que se cierne sobre ella.La ciudad de Vetusta no es solo un escenario, sino un personaje en sí misma. Representa la rigidez de las costumbres y la moral de una época y un lugar. Los ciudadanos de Vetusta se dividen entre los que se resignan a las circunstancias y los que, como Ana, luchan interiormente contra ellas. Esta dinámica convierte a Vetusta en un microcosmos de la sociedad española de finales del siglo XIX, con sus hipocresías y sus contradicciones.La segunda parte de La Regenta es un estudio profundo de la complejidad humana, situado en un entorno que tanto refleja como intensifica las emociones y conflictos de sus personajes. A través del simbolismo del invierno, Clarín nos ofrece una visión sombría pero lúcida de las luchas interiores y sociales que definen la vida de Ana Ozores. La obra es un testimonio duradero de la capacidad de la literatura para capturar la esencia de una época y la profundidad del alma humana.

La novela Juan Moreira, de Eduardo Gutiérrez, tuvo gran popularidad y fue llevada al teatro, el cine y el cómic.Moreira (Flores 1829-Lobos, 1874) fue un gaucho argentino. Su padre fue el mazorquero José Custodio, un español que integró el Cuerpo de Serenos, célebre por su crueldad.Se afirma que el mismo Rosas le entregó al padre de Moreira un sobre cerrado con la orden de que lo llevase al comandante de los cuarteles de Santos Lugares. El sobre contenía la orden de ajusticiar de inmediato al portador, y así sucedió.Durante casi treinta años Juan Moreira tuvo una vida tranquila, dedicado al trabajo rural. Su casamiento con «la Vicenta» marcó el inicio de su tragedia. El teniente alcalde de la zona conocido como Don Francisco también estaba enamorado de ella.Primero Don Francisco le impuso una multa de 500 pesos por no solicitar una autorización para festejar la boda.Por entonces Moreira había prestado al almacenero del pueblo, unos 10.000 pesos; este se negaba a devolver el préstamo y Moreira lo denunció ante el teniente alcalde. El supuesto deudor negó los hechos y Moreira fue sufrió esta vez cuarenta y ocho horas de reclusión.Moreira juró dar una puñalada por cada 1.000 pesos de deuda y cumplió su promesa en un duelo a cuchillo. Luego peleó contra Don Francisco y cuatro soldados dando muerte a Don Francisco y a dos soldados más.Juan Moreira recorrió las ciudades de Navarro, General Las Heras, Lobos, 25 de Mayo y pasó algún tiempo en las tolderías del Cacique Coliqueo. A su regreso, continuó su vida errante y se enfrentó a las fuerzas del orden.En abril de 1874 el gobernador de la provincia de Buenos Aires le mandó a la policía. Moreira quedó rodeado en el almacén y pulpería «La Estrella». Allí peleó con todas sus mañas y al huir recibió un bayonetazo mortal de un policía que perforó su pulmón izquierdo.Aun así, Moreira alcanzó a disparar su trabuco hiriendo en la cara al policía, quien perdió un ojo y cuatro dedos de un hachazo.

Hombres sin mujer es, junto a El ángel de Sodoma, una de las primeras novelas cubanas de tema homosexual. Relata la vida erótica de unos presidiarios, y sus conflictos afectivos. Carlos Montenegro explora los ánimos de sus personajes, atrapados en una atracción trágica, cuyo desenlace se anuncia desde el inicio.En 1936, en la Revista Mediodía apareció un capítulo de la novela titulado «El baile del guanajo», que provocó el cierre de la revista durante tres meses y un proceso judicial, bajo la acusación de «pornografía y propaganda subversiva».El prefacio de la novela afirma que esta pretende denunciar la crueldad de las condiciones de vida en el presidio. De ahí el espiritualismo naturalista y crudo de Hombres sin mujer, en que el espacio carcelario es captado con un lenguaje duro, marcado por los diálogos directos.Montenegro escribió sin vacilaciones, en su prólogo a esta obra:«No me interesa quien se sonroje o indigne por la lectura de estas páginas, mientras se considere ajeno a la realidad ominosa que divulgan: a su agitada moral de superficie opongo, en la medida de mi capacidad, el propósito auténticamente moral de desenmascarar la ignominia que supone arrojar el pudridero a seres que más tarde o más temprano han de regresar al medio común, aportando a éste todas las taras adquiridas; opongo también la desesperación de esos seres, su dolor humano y su inevitable regresión a la bestia; opongo el interés mismo de la humanidad.»