Arte y Fotografía

Amazonas en las Indias es una pieza extraña en el conjunto de la obra de Tirso de Molina. Se inspira en la conquista y evangelización de los indígenas de América. Pertenece a la trilogía dedicada a la familia Pizarro que comprende las piezas:Todo es dar una cosa (sobre Francisco Pizarro),Amazonas en las Indias (sobre Gonzalo Pizarro)y La lealtad contra la envidia (sobre Hernando Pizarro).La primera obra de este ciclo dramático, Todo es dar en una cosa, trata de la infancia del más famoso de los hermanos, Francisco Pizarro, mientras que la última comedia de la trilogía, La lealtad contra la envidia, trata de las desventuras de Hernando Pizarro, preso durante veinte años en el castillo de la Mota en Medina del Campo.  Esa fue la condena que cumplió por ejecutar a su enemigo Diego de Almagro, durante la conquista del Perú.Amazonas en las Indias pone en escena los avatares de Gonzalo Pizarro, el cual se rebeló contra el virrey y fue también ejecutado por traicionar al poder real.Como ya han señalado algunos expertos, encontramos una intención moral en la obra, que es la de criticar las corruptas estructuras de poder en la época de Tirso.En Amazonas en las Indias el autor omite temas cruciales en política, como la promulgación de las Leyes Nuevas, liderada por fray Bartolomé de las Casas en favor de los indígenas. Nuestro autor, crea una narración con numerosos elementos alegóricos, que ennoblecen al conquistador español. Tirso de Molina vivió algún tiempo en la Hispaniola (actual República Dominicana) y regresó a España en 1618.Su estancia en América inspiró esta serie de obras sobre los conquistadores.

Zafira es una obra dramática de Juan Francisco Manzano que relata un conflicto dinástico ambientado en Mauritania.En el ambiente sumamente tenso que vivía Cuba como colonia española a mediados del siglo XIX, el poeta Juan Francisco Manzano escribe Zafira, tragedia en cinco actos. Según su autor, la obra se sitúa «en Mauritania, hoy Argel, y pertenece al siglo décimo sexto».Pese a no poder declarar con exactitud la fecha en que fue escrito, sabemos que Zafira se publicó en 1842, en el contexto de la vida del dramaturgo como hombre libre. O sea, después que la declamación del soneto «Mis treinta años» conmoviese a un grupo de letrados blancos y los llevase a reunir el dinero necesario para comprar a Manzano su libertad. Zafira está dedicada a Ignacio Valdés Machuca, uno de los admiradores que en esa tarde de 1836 cambiaron la condición legal del escritor.La trama de Zafira se basa en eventos reales relacionados con el conflicto del turco Arruch Barbarroja con Selim, rey de Mauritania y el asesinato de este último. Cinco años después, su esposa Zafira por fin cede a la propuesta de matrimonio del temido Barbarroja.No sabe que fue este quien le quitó la vida a su marido. Desolada adenás por la ausencia de su hijo, que desapareció la noche del asesinato, Zafira se resigna al deseo del déspota.Sin embargo, confiesa a su amiga Colifa que ha soñado con su difunto esposo, quien ha mostrado su disgusto con la boda, pidiéndole a Zafira que se mantenga fiel a su memoria.Colifa le cuenta entonces a Zafira que el hijo de esta, está vivo y ha regresado.

Cané fue un claro exponente de la llamada Generación del 80. Colaboró con numerosos diarios y dejó una vasta producción literaria. Sus escritos apelan recurrentemente a la materia autobiográfica. Quienes lo conocieron conciden en subrayar que fue un hombre culto. Afirman que era distinguido, humorista y escéptico, que solía escribir sobre sus viajes, los países en los que residió y sus lecturas.Estas Cartas de Miguel Cané son una recopilación de epístolas dirigidas gran parte de ellas a su madre. Aquí se relatan sus experiencias vividas a través de sus viajes, evocando la sentida nostalgia por el entorno familiar y el recuerdo de una infancia ya lejana.

Publicadas en la prensa cubana del siglo XIX (en La Habana Elegante, La Discusión y La Habana Literaria) las Prosas de Julián del Casal destacan por su espíritu reflexivo, agudeza intelectual y vocación de estilo.«El puertoUn puerto es un asilo encantador para un alma fatigada de las luchas de la vida. La amplitud del cielo, la arquitectura movible de las nubes, las coloraciones cambiantes de la mar; el centelleo de los faros, son un prisma maravillosamente propio para divertir los ojos sin nunca cansarlos. Las formas salientes de los navíos, de aparejo complicado, a los cuales las olas imprimen oscilaciones armoniosas, sirven para entretener en el alma el gusto del ritmo y de la belleza. Y después, sobre todo, hay una especie de placer misterioso y aristocrático, para el que no tiene curiosidad ni ambición, en contemplar acostado en el mirador o de codos sobre el muelle, los movimientos de los que parten y de los que vuelven, de los que tienen todavía la fuerza de querer, el deseo de viajar o de enriquecerse.»La presente antología de Prosas de Julián del Casal es una breve muestra de los relatos, artículos y traducciones publicadas por Casal y contiene los textos siguientes:A una hora de la madrugadaEl perro y el frasco¿Cuál es la verdadera?Los funerales de una cortesanaEl mejor perfumeFríoEl velo de gasaUn sacerdote rusoEl veloLa felicidad y el arteRubén Darío. Azul y A. de GilbertEl base ball en CubaLa noche buenaNoche y mañanaNotas teatrales

De los cantares, una obra alegórica mística de Lope de Vega, es una expresión literaria profunda inspirada en los Evangelios. Ambientada en un paisaje bucólico, la obra se despliega en un valle rodeado de montañas, donde se erige una cabaña dentro de un jardín meticulosamente dispuesto, y, a otro lado, una ciudad amurallada. La pieza se abre con la aparición de la Esposa y la Gracia, vestidas como aldeanas, una elección de vestuario que refleja la simplicidad y la humildad que permea toda la obra.La Esposa, en un acto de oración ferviente, clama por la unión con su esposo divino, una metáfora del alma anhelante por la comunión con Dios. Así implora la presencia física de Cristo, no a través de ángeles o profetas, sino en carne y hueso, humanizado, evocando las profecías de Isaías. Esta súplica representa el deseo profundo de conexión íntima y directa con lo divino, trascendiendo las barreras de lo terrenal.Lope de Vega utiliza la figura de la Esposa para explorar temas de amor místico, redención y purificación espiritual. La auto-referencia de la Esposa como negra pero hermosa, de un racismo derivado del Cantar de los Cantares de la Biblia, simboliza una belleza interior que trasciende el color de la piel, y alude a su origen humilde y su transformación a través de la gracia divina.La obra es un diálogo lírico entre la Esposa y la Gracia, donde la primera expresa su anhelo por una unión espiritual con Cristo, simbolizando el anhelo del alma por la unión con lo divino. La Gracia, como personificación de la divina misericordia, responde y guía a la Esposa a través de este viaje espiritual.En su esencia, De los cantares es una meditación poética sobre la fe, la redención y el amor divino. Lope de Vega, con su maestría en el arte del teatro y la poesía, nos presenta una obra de deleite estético y un profundo estudio de la experiencia mística cristiana.

«Del pan y del palo», de Félix Lope de Vega, es una obra que refleja la maestría de este dramaturgo del Siglo de Oro español en la creación de diálogos vivaces y personajes emblemáticos. La obra se ambienta en una aldea, dando inicio con un intercambio entre dos personajes alegóricos: el Regocijo y Buen Año. Este diálogo inicial establece el tono de la obra, caracterizado por su ligereza y un humor sutil.El personaje del Regocijo, representante del placer y la alegría, es enviado para infundir felicidad en el lugar. Su contraparte, Buen Año, simboliza la prosperidad y la esperanza de tiempos favorables. La interacción entre estos dos personajes revela una reflexión sobre la naturaleza efímera de la felicidad y la fortuna, y cómo estas se entrelazan con las estaciones y los ciclos de la vida.La referencia a las bodas del Sol y la Luna aporta una dimensión mítica y celebra la unión de fuerzas opuestas pero complementarias. Este simbolismo se entrelaza con la idea de que los hijos de esta unión son los «mozos», representando la juventud y la renovación.La obra de Lope de Vega se caracteriza por su habilidad para tejer temas profundos con un lenguaje accesible y entretenido, y «Del pan y del palo» no es una excepción. A través de este diálogo entre personificaciones de conceptos abstractos, Lope explora temas universales como la felicidad, la prosperidad, y la dualidad de la existencia humana. En su conjunto, la obra es un ejemplo destacado de cómo la literatura del Siglo de Oro español logra combinar lo profundo con lo cotidiano, lo mítico con lo terrenal, en una síntesis artística de gran valor estético y filosófico.

Las cortes de la muerte, atribuido a Lope de Vega, es un auto sacramental que ofrece una experiencia teatral única. En lugar de enfocarse en una trama dinámica y un desarrollo de personajes convencionales, la obra se destaca por su tono estático y su limitada acción dramática. El núcleo de la obra está compuesto por cuatro parlamentos, cada uno conformado por una secuencia extensa de versos. Esta estructura particular le da a la obra una atmósfera casi meditativa, donde los parlamentos se convierten en los protagonistas.Lo que a primera vista podría parecer una debilidad la falta de acción en realidad se convierte en una de las fortalezas más distintivas de Las cortes de la muerte. La escasez de acción permite que el texto se adentre profundamente en temas filosóficos y espirituales, creando un ambiente introspectivo que invita al público a reflexionar sobre los temas tratados.El interés crítico que genera esta obra se ve aumentado por su mención en la Segunda parte del Quijote de Cervantes. Cuando el caballero andante se topa con el carro de los representantes de la compañía de Angulo el Malo, la mención de Las cortes de la muerte eleva la obra, vinculándola con uno de los textos más estudiados y admirados de la literatura española.Este auto sacramental es, por tanto, más que una simple obra teatral; es una pieza que desafía las convenciones del género y ofrece una experiencia de contemplación y reflexión. Su tono estático y su foco en los parlamentos le confieren un carácter distintivo que lo distingue de otras obras de la época. Las cortes de la muerte es una obra que, lejos de quedarse en la mera representación, aspira a ser un espacio de encuentro entre el espectador y las grandes preguntas de la existencia.

Quién engaña más a quién de Juan Ruiz de Alarcón, nos sumerge en una compleja trama de engaños y verdades entrelazadas, revelando la habilidad del autor para construir diálogos ingeniosos y situaciones llenas de ironía y tensión. En esta comedia, los personajes se ven envueltos en un juego de apariencias donde el amor, el honor y la lealtad se ponen a prueba constantemente. Alarcón, maestro del teatro barroco español, utiliza esta obra para explorar la naturaleza humana, sus debilidades y su capacidad para la manipulación, manteniendo al espectador en una constante expectativa sobre quién resultará ser el más astuto en el arte del engaño.La estructura de la obra, dividida en jornadas, permite al lector seguir con facilidad el desarrollo de los conflictos y las resoluciones parciales que conducen hacia un desenlace sorprendente. Cada personaje, desde los protagonistas hasta los más secundarios, aporta matices esenciales que enriquecen la trama y profundizan en el análisis de las relaciones humanas bajo el prisma de la sociedad del Siglo de Oro.Quién engaña más a quién destaca por su trama envolvente y su riqueza lingüística. Es un reflejo de las preocupaciones éticas y morales de su época. Alarcón, a través de la risa y el entretenimiento, invita a una reflexión sobre la honestidad, la autenticidad y las consecuencias de nuestros actos, haciéndola una obra atemporal.

La Carta de fray Toribio de Motolinía al emperador Carlos V fue escrita en 1555 en Tlaxcala. Expone la situación espiritual y económica de la Nueva España. Esta célebre carta al emperador arremete contra Bartolomé de las Casas en defensa de la Conquista, de los colonos y de la evangelización.Es un acto de legitimación de la corona en el proceso colonizador americano. También es una defensa de los indígenas, de la interculturalidad y del mestizaje. Fray Toribio de Benavente, también llamado Toribio de Motolinía, observa con horror la destrucción de los indígenas. Denuncia la injusticia y la crueldad de conquistadores y colonizadores, y no se cansa de defenderlos contra sus explotadores.«y no es maravilla que el de las Casas no Io sepa, porque él no procuró de saber sino Io malo y no Io bueno, ni tuvo sosiego en esta Nueva España ni deprendió lengua de indios ni se humilló ni aplicó a les enseñar. Su oficio fue escribir procesos y pecados que por todas partes han hecho los españoles: y esto es Io que mucho encarece, y ciertamente solo este oficio no Io llevará al cielo. Y Io que así escribe no es todo cierto ni muy averiguado»Fray Toribio de Benavente o de Paredes, nació en Benavente (España) entre los años 1482 y 1492. Llegó a México en 1524 donde murió en 1569, después de una vida de intensa labor misionera.A través de su obra, que se publicó casi tres siglos después de su muerte, analiza los primeros momentos de la vida cotidiana de la nueva sociedad y los primeros momentos de la evangelización de México.

Álbum de un loco, de José Zorrilla, es un compendio singular que abarca un espectro temático amplio y diverso, desde reflexiones históricas hasta introspecciones poéticas. Zorrilla, un autor célebre del romanticismo español, utiliza esta obra para explorar una variedad de temas que capturan su interés y pensamiento.La obra comienza con una introducción y un prospecto, que establecen el tono y la intención del autor. Zorrilla, consciente de la importancia de contextualizar su obra, se dirige al lector a través de un prólogo que muestra una perspectiva de lo que sigue, y reflexiona sobre el acto de escribir y compartir ideas. Esta apertura actúa como un umbral que invita a los lectores a un viaje a través de la historia humana y la poesía.El libro se despliega como un tapiz donde se entrelazan temas variados como la raza humana, civilizaciones antiguas como Egipto y Fenicia, el esplendor de Grecia y Roma, el papel de los monasterios en la historia, y la fascinación por Arabia y el Islam. Cada tema es tratado con un enfoque que mezcla el análisis histórico con la sensibilidad poética, característica del romanticismo de Zorrilla.Interesante resulta también la inclusión de poemas dedicados a figuras femeninas de la sociedad y a la reina Isabel II de Borbón, lo cual aporta un elemento personal y contemporáneo a la obra. Estos poemas muestran las emociones y experiencias del autor, proporcionando un contraste íntimo frente a sus exploraciones históricas más amplias.La obra es particularmente relevante al considerar las ideas de Zorrilla sobre el Islam. En una época en que las percepciones y entendimientos de otras culturas estaban teñidas por una mezcla de fascinación y malentendidos, Zorrilla ofrece una perspectiva que, aunque anclada en su tiempo, invita a reflexionar sobre cómo las percepciones culturales evolucionan a lo largo del tiempo.Álbum de un loco es un viaje por la mente de José Zorrilla, un paseo por la historia y la poesía que revela su fascinación por el pasado y otras culturas, y su deseo profundo de encontrar y expresar una sabiduría trascendental. Su lectura invita a una reflexión sobre la historia humana como una búsqueda eterna de significado y comprensión, en la cual la poesía se convierte en un medio poderoso para explorar y expresar estas complejas inquietudes.

La calentura es un drama en un acto, de José Zorrilla, continuación de El puñal del godo. En La calentura Theudia comenta con Romano la vuelta del rey Rodrigo. Despreciado por don Pelayo, el rey se encuentra con su antigua amada Florinda, quien lo visita poseída por la locura. Al final de la obra Florinda muere, Rodrigo huye a las montañas y se continúa así la mitificación del rey derrotado por los árabes en Guadalete.

El modernismo es un libro escrito en 1906 inspirado en las ideas de Max Nordau, un desaforado opositor a los decadentistas y, en general, contra todos los artistas del momento. Carlos Brandt, también enemigo enconado del modernismo estético, escribió este libro polémico en extremo, cuestionando las carencias intelectuales y la degeneración física, cerebral y moral de los escritores modernistas. La obra fue centro de discusiones apasionadas en un medio literario que resultaba ajeno y distante para el autor.«Finalmente Max Nordau, con sobrada razón, califica de degenerados a los modernistas: Llamar degeneración al arte extravagante o disparatado, no satisfaría por completo la acepción artística, puesto que en los manicomios y presidios hay idiotas y criminales (degenerados) que no escriben ni pintan...»Carlos Brandt

El divino Jasón es un auto sacramental escrito por el dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca. Este tipo de obras, muy populares durante el Siglo de Oro español, son piezas teatrales de carácter religioso que representan algún misterio de la fe cristiana. La obra se desarrolla en un acto único y pone en escena a Jasón y a Argos, un personaje con muchos ojos, una representación simbólica de la omnipresencia.La obra aborda asuntos de gran envergadura como el amor divino, el valor y la creación de algo eterno y trascendental. Jasón divino encarga a Argos la construcción de una nave que será símbolo de su trascendencia y poder, que debe romper los límites del mar y asombrar a los mortales. El barco es una metáfora de la travesía espiritual y de la conquista de los elementos, y se presenta como un desafío a las limitaciones humanas.Los personajes son de naturaleza simbólica. Argos, con sus múltiples ojos, representa la vigilancia y la omnipresencia, mientras que Jasón divino es una figura de poder y autoridad que aspira a la eternidad. Los diálogos son ricos en metáforas y alusiones, y la interacción entre los personajes sirve para exponer las ideas y los temas de la obra de manera poética y simbólica.El lenguaje utilizado es elevado y formal, lleno de imágenes poéticas y simbólicas. El estilo de Calderón de la Barca se caracteriza por su complejidad y profundidad, y en El divino Jasón logra crear una atmósfera de misticismo y trascendencia que invita al espectador a reflexionar sobre temas espirituales y universales.El divino Jasón es una obra fascinante que ofrece una profunda reflexión sobre el amor divino, la trascendencia y la eternidad. Su riqueza simbólica y su lenguaje poético la convierten en una pieza esencial dentro del repertorio de autos sacramentales de Calderón de la Barca. Es una obra que destaca por su calidad literaria, y por su capacidad para provocar una profunda reflexión espiritual en el espectador o lector.

El gigante Amapolas es una pieza de teatro político en que se parodia la épica militar instaurada por el tirano Juan Manuel Rosas en la Argentina del siglo XIX. En algún momento de la obra se confunden «Amapolas» y «Rosas» y hace evidente la ironía del título. Alberdi reflexiona sobre el ímpetu revolucionario, la exaltación bélica y la ausencia de un marco legal que conduzca a las fuerzas del cambio hacia una salida realista. A lo largo de la obra se enfrentan con suprema ironía dos extraños ejércitos ilusorios que se combaten ignorándose unos a otros y erigiendo símbolos y valores imaginarios que les sirven de identidad.

El manuscrito original de la Relación de Michoacán se conserva en la Biblioteca de El Escorial y constaba de tres partes.En la primera, de la que sólo se conserva un folio, se describían los dioses purépechas, nombrados tarascos por los españoles, y las fiestas que se hacían en su honor;en la segunda se relata la vida del héroe legendario Tariacuri,en la tercera parte se describen las costumbres de los tarascos y se narra cómo fue conquistado el reino por los españoles.Algunos investigadores consideran que la primera parte la destruyeron las autoridades españolas, quienes en 1557 prohibieron estrictamente el estudio de las creencias de los indios.Según se aprecia en el manuscrito, el autor se considera un intérprete de las referencias aquí contenidas y todo indica que dominaba la lengua purépecha.Es probablemente obra del franciscano fray Jerónimo de Alcalá, conocedor de las tradiciones indígenas. Se cree que a petición del primer virrey de la Nueva España, don Antonio de Mendoza, con la información que proporcionaron viejos sacerdotes indígenas.La Relación de Michoacán es una de las obras más completas sobre el origen y las tradiciones del pueblo purépecha.Por la riqueza de su contenido la Relación de Michoacán es una fuente indispensable para los estudios sobre los tarascos y los primeros años del Michoacán colonial.

Los intereses creados es una de las obras teatrales más conocidas de Jacinto Benavente. Tiene el subtítulo de «comedia de polichinelas en dos actos, tres cuadros y un prólogo». Se estrenó el 9 de diciembre de 1907 en el madrileño Teatro Lara. Según apuntó el literato Dámaso Alonso, la fuente de inspiración de esta obra fue El Caballero de Illescas de Lope de Vega.Los intereses creados tiene el tono de una obra picaresca con aliento clásico. Jacinto Benavente construye una trama divertida y rápida. Relata la historia de dos personajes (Leandro y Crispín) quienes llegan a una ciudad y, timo tras timo, consiguen convertirse en próceres locales.Los intereses creados parodia el mito de cómo se consigue poder y notoriedad. Aquí se forjan falsas alianzas que sirven para que otros aprecien el talento, la hidalguía o el buen de hacer de dos timadores. La obra se ocupa de hacer evidente que carecen de semejantes atributos.En cierto modo disecciona la forma en que la notoriedad vana permite que seamos sobrevalorados. Hasta el punto en que, una vez hecho evidente el juego, nadie se atreve a admitir su propia frivolidad, mezquindad y vanagloria.Se han mencionado obras de diversos autores como posibles antecedentes de esta comedia: Moliere, Regnard, Beaumarchais, Ben Jonson, Goldoni, y, claro, la comedia dellarte. El mismo Benavente escribió:«No ha faltado en torno de Los intereses creados¿cómo no? el mosconeo acusador de plagio. Y tan plagio. Los intereses creados es la obra que más se parece a muchas otras de todos los tiempos y de todos los países. A las comedias latinas, a las comedias del arte italiano, a muchas obras de Moliere, de Regnard, de Beaumarchais. A la que menos se parece es, justamente, a la que más dijeron que se parecía, al Volpone original de Ben Jonson.»

La Égloga de la Natividad es una obra del dramaturgo y humanista soriano Hernán López de Yanguas. Yanguas es un autor relevante del primer teatro clásico español. Hoy se le considera el padre del auto sacramental en tanto género. Es más conocido por su producción dramática de contenido religioso y moral o por sus obras didácticas que por sus creaciones teatrales de contenido político.La Égloga de la Natividad pertenece al ciclo pastoril navideño, en clara dependencia del teatro de Juan de la Encina. Aquí se pone en escena un diálogo entre cuatro pastores que comentan la nueva del nacimiento de Cristo.El acontecimiento les ha sido anunciado por los ángeles, al tiempo que tañen instrumentos manifestando su júbilo y regocijo. A continuación y tras una extensa alabanza a la Virgen, acuden a adorarla y presentarle sus ofrendas, concluyendo todo con el canto de un villancico.

Este Auto sacramental es una pieza crucial para entender el nihilismo Barroco, la sensación de que el mundo es una fantasmagoría que marcó el declive del imperio español. Esta obra destaca por su percepción del mundo como algo alucinante y su extraña religiosidad.

La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca (1600-1681), es una obra teatral escrita en el año 1635. En ella su protagonista, el príncipe Segismundo, se cuestiona sobre el sentido de la vida mientras se encuentra en cautiverio.En esta obra Basilio, erudito rey de Polonia, ve morir a su esposa al dar a luz a su hijo Segismundo. Así este llega al mundo «dando de su condición indicios».Basilio se convence de que su heredero está maldito. Cree que su desdichado nacimiento es un signo de que en el futuro será un monarca despiadado. Entonces decide explicar que su hijo murió junto con la madre y aislar completamente a Segismundo encerrándolo en una torre.Sin embargo, al cabo de los años, el rey duda. Urde una trama para comprobar si su hijo es digno de la libertad o confirmar los peores augurios. Hace liberar a Segismundo y le otorga el trono, tras embriagarlo para que el joven no sepa si sueña o está despierto.Así, en caso de que deba volver al cautiverio, tan solo lamentará que su sueño no fuera más que esoSegismundo despierta de pronto en un mundo que ni siquiera sabía que existiera y descubre una identidad que ignoraba. Sumido en el aturdimiento y la inquietud, sospecha de todo lo que ve.A partir de esta intrincada anécdota, Calderón ofrece así una de las reflexiones más universales sobre la naturaleza de lo real y lo ficticio. Y es que, a pesar de la singular historia del personaje, la confusión y la incertidumbre de Segismundo recuerdan a las de cualquier hombre.La vida es sueño trata sobre la oposición y la dualidad entre el libre albedrío y la predestinación. Haciendo énfasis en la duda entre los límites de la realidad y el sueño.El interés por estos temas se justifica, ya que La vida es sueño fue escrita en pleno contexto barroco.

Los tratados de Bartolomé de las Casas son alegatos en favor de los indios. El más célebre de éstos, Brevísima relación de la destrucción de las Indias, no fue publicado hasta 1552. De las Casas se interesa por las condiciones de los habitantes autóctonos del Nuevo Mundo y describe sus maravillas.Así escribe, por ejemplo, sobre el tabaco:«son unas hierbas secas metidas en una cierta hoja, seca también, a manera de mosquete hecho de papel, de los que hacen los muchachos la pascua del Espíritu Santo; y, encendida por la una parte dél, por la otra chupan o sorben o reciben con el resuello para adentro aquel humo, con el cual adormecen las carnes y casi emborrachan.»Junto a pasajes como el anterior, con apasionadas descripciones del Nuevo Mundo, Bartolomé de las Casas reflexiona sobre la Conquista y sus secuelas.Desde entonces el «genocidio» fue la idea de referencia a la hora de pensar en la experiencia americana.Brevísima relación de la destrucción de las Indias sufrió en 1660 la condena del Tribunal de la Inquisición. Se le consideró «un libro pernicioso para el justo prestigio nacional».El alegato de Bartolomé de las Casas cuestionó de manera incisiva y explícita los métodos, los procedimientos y las acciones violentas de la conquista española. Condenó también formas encubiertas de la esclavitud como las encomiendas. Denunció, además, el exterminio masivo de la población indígena, así como también alertó de los desastrosos efectos ecológicos sobre la naturaleza americana.

La dama del alba es una obra de teatro escrita por Alejandro Rodríguez Álvarez, más conocido bajo el seudónimo Alejandro Casona, y estrenada en el Teatro Avenida, de Buenos Aires, el 3 de Noviembre de 1944.Ambientada en la Asturias rural, Martín es un joven taciturno y triste. Anda así tras la desaparición de su esposa Angélica, ahogada unos años antes en la represa del molino. Vive en una casa de labranza con su familia política:la madre,el abueloy tres niños (Andrés, Falín y Dorina).Un buen día aparece una peregrina, la dama del alba, mujer mayor y reservada. La acogen con hospitalidad. Martín, en una noche de gran nevada, rescata a Adela, una joven desesperada dispuesta a acabar con su vida. Con el paso de los días, los jóvenes, Martín y Adela, se enamoran y formalizan su compromiso con el beneplácito de toda la familia.En las hogueras de una noche de San Juan, Martín y Adela confirman su noviazgo. Justo ese día la peregrina anciana vuelve otra vez a la casa, que encuentra vacía, pues todos sus habitantes están en la fiesta del pueblo. Sin embargo, de imprevisto, aparece Angélica, a quien todos creían muerta. En un dramático diálogo entre ambas, descubrimos la verdad.La novia no había muerto ahogada, sino que se había fugado con un amante.Tras maltratos y vejaciones de todo tipo, decide volver a su casa, asumiendo el desprecio de los demás.La dama del alba, que en realidad representa la muerte, ha venido a recogerla, pues tenía una cita con ella. La anciana misteriosa logra persuadir a Angélica para que acepte que su llegada sería negativa para todos y que lo mejor es que realmente se deje llevar por las aguas del remanso del molino.La dama del alba está llena de diálogos en que los personajes intentan desentrañar qué les supone el destino, quién es la Peregrina, qué influjo tiene sobre ellos y qué les puede deparar su presencia. Dudan en vano, los acontecimientos transcurren por sí mismos y poco pueden hacer para detenerlos.Alejando Casona consideraba La dama del alba como su obra favorita. Como sucede en otras obras del autor, la pieza presenta el conflicto entre realidad y fantasía, y otros temas recurrentes del mundo de Alejandro Casona:el suicidio,la belleza de la muerte,la fuerza del amoro la incesante búsqueda de felicidad.En palabras del autor«está dedicada a mi tierra de Asturias, a su paisaje, a sus hombres, a su espíritu».